Esperanza D'Ors aegura que "en este tiempo se produce un arte feo".

La artista madrileña Esperanza D'Ors ha reivindicado hoy en León la "belleza" como "transformadora del alma humana", frente a las tendencias artísticas actuales de "este tiempo", en el que se "produce un arte feo, con obras muy torturadas" y que denominó "feísmo". Seguir leyendo el arículo.

En este contexto actual, en el que la crisis económica está presente y en el que "vivimos una nueva edad media tan cínica y brutal", la artista ha opinado que "ahora es más necesaria que nunca la belleza para consuelo de nuestro alma y la vida".
Así lo ha manifestado hoy a EFE en León después del acto inaugural de una escultura creada por ella titulada "Los cuatro elementos de la naturaleza", con los que hace una reflexión de la condición humana, una obra con la que se pretende conmemorar el cien aniversario de la Cámara de Comercio de León.
En sintonía con esto, la artista ha defendido la creación de obras "hermosas", que cumplan la función que "debe tener el arte", a su juicio, en el sentido de que "debe ser un alimento del espíritu y transformador de nuestra vida".
En esta época en la que vivimos de "crisis", la artista ha reivindicado "el hombre como centro del universo", algo que no ha ocurrido en la época en que le ha tocado vivir, según ha explicado la artista.
Se considera una escultora "neoclásica y postmoderna a la vez", ya que defiende un concepto clásico de la escultura, pero "siempre con la visión del hoy y que invite a la reflexión".
A su juicio, "el arte es un vehículo de ideas y emociones y si no cumple esta función no nos sirve de nada".
En la escultura que hoy ha inaugurado en la capital leonesa, la autora recrea una vez más su universo mitológico, a través de Prometeo, Sísifo, Ícaro y Narciso, en este caso Narcisa, para que también haya una figura humana de mujer.
En consonancia con el título de la obra, la artista saca a relucir también los cuatro elementos naturales, ya que Prometeo simboliza el fuego, Sisifo la tierra, Narciso el agua e Ícaro el aire.
Ha confesado que usa los mitos "porque son los que hablan de la aventura humana" y reflejan cómo es el hombre, que, a su juicio, "no ha cambiado".
Para ella, "todos somos Prometeo porque estamos encadenados a la tierra donde tenemos que desarrollar nuestro destino; somos Sísifo porque cada día cargamos con una piedra para llegar a la cima, con nuestro trabajo; somos Narciso, porque en el espejo de la vida nos preguntamos quiénes somos; y también Ícaro, porque continuamente intentamos volar con nuestros sueños".
La obra de D'Ors está ubicada sobre una plataforma de nueve metros de largo y consta de cuatro esculturas, todas ellas figuras humanas, que incorporan cada uno de los cuatro elementos naturales, alguna de las cuales llega a medir hasta 4 metros de altura.
Además, se ha instalado a este conjunto escultórico una iluminación activa que funcionará durante ocho minutos a las horas en punto y que variará para favorecer el dinamismo de la procesión de elementos.
Sobre si afecta la crisis a los artistas, ha afirmado que ella sí lo nota sobretodo en lo que concierne a la obra pública.
Ha afirmado que "ha habido unos años buenos", ya que "las ciudades han sido devueltas al ciudadano, se han peatonalizado los cascos antiguos y nació la necesidad de hacer esculturas como lugar de encuentro".
"Ahora espero que la crisis no haga dar marcha atrás", ha afirmado.

Fuente: EFE

La obra gráfica de Eduardo Chillida llega a Colonia.

Una exposición en Colonia acoge desde hoy una extensa muestra de la obra gráfica del artista español Eduardo Chillida (1924-2002), que recorre los últimos cuarenta años de su producción a través de un centenar de piezas.

La galería Boisserée presenta una amplia colección del trabajo gráfico de Chillida, uno de los artistas españoles contemporáneos más internacionales, que supo trasladar la fuerza expresiva de su actividad escultórica al medio bidimensional.
En total, se exponen un centenar de obras gráficas entre aguafuertes, xilografías, litografías, grabados y las por él denominadas "gravitaciones", dibujos que adquieren una tercera dimensión sobre el papel.
Destacan un aguafuerte de 1968 de la serie "Inguru" y los cinco grabados realizados un año más tarde de la serie "Beltza".
Por su gran calidad plástica también sobresalen dieciséis trabajos de la serie "Más allá", que datan de 1973, así como la sucesión de nueve aguatintas para los poemas del autor catalán Joan Brossa integrados en "A Peu pel Llibre", de 1994.
Con motivo de la exposición, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 11 de octubre, se ha editado un catálogo con las fotografías en color de todas las obras exhibidas, que va acompañado de un prefacio de Ignacio Chillida, hijo del artista.

Fuente:EFE

Una muestra repasa en el Museo Würth la figura de José de Guimaraes y su relación con el arte africano.

El Museo Würth de La Rioja acoge desde hoy y hasta 2 de noviembre una retrospectiva del creador luso José María Fernandes Marques, mas conocido como José de Guimaraes, en la que se indaga fundamentalmente en la influencia que ha tenido el arte africano en su obra artística.

Esta es la primera vez en la trayectoria de este artista, autor del logotipo turístico de su país, en la que se ha establecido un diálogo entre su propia obra y las piezas que han influido en ella.
Entre las mismas figuras obras de culturas tan diversas como los Bamileke y los Koko, de Camerún, los Kota y Mumuye, de Nigeria, los Dogon, de Mali, o los Fang, de Gabón, que al artista ha ido coleccionando a lo largo de su vida con un único criterio estético.
La muestra lleva por título "José de Guimaraes. Mundos, cuerpo y alma" y esta compuesta por 130 obras, de las que 67 de ellas son piezas escultóricas africanas, la mayoría utilizados con fines mágicos.
La exposición, que ha sido inaugurada en presencia del propio artista por el director general de Würth España, Juan Ramírez, y por el consejero de Cultura de La Rioja, Luis Alegre, también hace un repaso por la obra más reciente del artista luso y por sus series dedicadas al arte asiático y al mundo mortuorio mexicano.
En esta parte se incluyen obras aún no vistas en España de la serie "Imperios del Fin", como el gran lienzo 'Madrid-Atocha 2004', dedicado a los atentados islamistas en los que fallecieron 191 personas o la reciente 'Favela', "una metáfora sobre la inmigración y la interculturalidad", según ha confesado el artista.
Nacido en 1939 en la localidad de Guimaraes, de la que ha tomado su nombre artístico, el artista luso tuvo su primer contacto con África en 1967, cuando llegó a este país para hacer su servicio militar en la antigua colonia portuguesa de Angola.
"Lo que pensé que iba a ser un desastre, se convirtió en una de las experiencias más positivas que he tenido desde el punto de vista creativo", ha confesado el artista.
Guimaraes quedó maravillado por la métodos expresivos que allí vio y se lanzó a reproducir aquellos modelos desde una óptica propia.
Fruto de ello fueron las 132 piezas que componen su primera gran obra maestra, "Alfabeto africano", elaboradas entre 1972 y 1974, y que también pueden verse en la exposición.
El artista se inspiró para ello en una tribu que utilizaba pequeñas estampas que el marido regalaba a la mujer y que iban más allá de la propia escritura, por cuanto que con un pequeño dibujo, a manera de ideograma, eran capaces de transmitir distintas sensaciones y estados de emoción.
"Mi alfabeto tiene una autonomía y una simbología propia, aunque parte del entendimiento de estas artes", ha afirmado el artista, quien luego repetiría este particular código de comunicación con otras culturas.
Guimaraes se marchó de Angola en 1974 y desde entonces sigue creando obras influidas por los distintos estilos africanos allí presentes, como "El gran fetiche rojo" o "Totem", ambas de 1990 que también se puede verse en la muestra.

Fuente: EFE

Banksy convocó a grafiteros de todo el mundo para exposición bajo un túnel.

Un lóbrego túnel ferroviario de la línea Eurostar, los trenes que unen Londres con el continente, se convertirán mañana en una de las atracciones artísticas de la capital británica gracias a una exposición de grafiteros de todo el mundo organizada por Banksy.

El misterioso grafitero británico de ese nombre, cuyas obras alcanzan últimamente elevados precios en las subastas de Londres o Nueva York, ha reunido a cuarenta cultivadores de ese tipo de arte urbano para convertir un oscuro túnel del sur de la capital británica en una singular exposición.
El propio Banksy ha contribuido con varias obras, entre ellas una que representa a un encapuchado que se autolesiona, un buda con un collar ortopédico y un empleado municipal que intenta borrar unas supuestas pinturas rupestres, según informa hoy el diario "The Times", que publica algunas de las imágenes.
El artista noruego Dolk ha pintado al Papa al estilo de la imagen icónica de Marilyn Monroe sonriendo en plan coqueto mientras la túnica parece revolotearle.
Los grafiteros han llegado de todas las partes del mundo, incluidos Estados Unidos y Argentina.
Según el argentino Federico, del colectivo de arte urbano "Run Dont Walk, "todo ocurrió muy rápido. Nos dijeron que reservásemos nuestros vuelos. Es estupendo encontrarse aquí con gente de todo el mundo. No es una galería, sino algo muy especial".
Leon, artista británico residente en Los Ángeles, explica que aunque "es tradicional que los artistas del grafiti colaboren, es algo que no había ocurrido antes a esa escala".
"Siempre he pensado que cualquiera que sea capaz de pintar debería tener al menos tanto que decir sobre la estética de nuestras ciudades como los arquitectos y los publicitarios", afirma Banksy en declaraciones al periódico.
"Cubrir una calle entera de grafiti es la realización de un sueño aunque algunas personas hablarían más bien de una completa pesadilla", afirma Banksy.
El diario "The Times" se comprometió a no revelar el lugar exacto donde se encuentra el túnel hasta las 22.30 de esta noche, aunque a partir del lunes todo el mundo podrá visitarlo y hacer sus propias pintadas.
"Los grafiti no siempre estropean los edificios. Muchas veces incluso los mejoran. En unas pocas horas y con ayuda de unos cuantos botes de pintura es posible transformar un agujero inmundo en un bello oasis artístico", explica Banksy.
Se trata de la primera exposición organizada en el Reino Unido por Banksy desde la bautizada "Crude Oils" en el 2005, cuando expuso 164 ratas vivas y estropeó copias de cuadros famosos de Van Gogh y Edward Hopper.

Fuente: EFE

Artistas españolas presentan "The neverstarting story" en la Fiesta España 08.

Cuatro creadoras españolas presentaron hoy en Bogotá el proyecto escénico "The neverstarting story" ("La historia que nunca empieza"), en el marco de la Fiesta España 08.

Cristina Blanco, Cuqui Jerez, María Jerez y Amaia Urra explicaron en un encuentro gratuito de qué forma se configura su propuesta, de la que surgen tres piezas escénicas y una película.
A partir de una serie de preguntas y del principio de "no propiedad" de las ideas, estas artistas, que normalmente trabajan por separado, buscan la manera de conjugar sus trabajos sin necesidad de llegar a un consenso.
Bajo esta premisa investigativa surgieron "El Montaje", de Cristina Blanco; "El Ensayo", de Cuqui Jerez, y "La Cosa", de Amaia Urra, así como la película llamada "La Peli", de María Jerez, y un cortometraje de título "Cinthy Tuloh".
Fiesta España 08 es un evento de jóvenes creadores ibéricos de los campos de las artes visuales, la arquitectura, el cine, las artes escénicas, la literatura y la música que empezó el 1 de mayo pasado e irá hasta el 6 de junio.
Este proyecto, que busca intercambiar experiencias y conocimientos entre Colombia y España, se presenta en museos, universidades, teatros, auditorios y otros espacios de Bogotá.
A lo largo de Fiesta España 08 también habrá espacio para otras propuestas escénicas, como la "Primera convención de amos y esclavos. I have a dream", de Juan Navarro, y "Tres acciones de Angelica Liddell", una pieza relativa a la decisión de la artista de autolesionar su esencia humana.
En el ámbito de las artes visuales están programadas la exposición "Ibérica", del fotógrafo vasco Ricky Dávila, y una serie de encuentros y talleres con creadores y comisarios de arte contemporáneo.
Otra de las propuestas de Fiesta España 08 es la presentación de dos jóvenes arquitectos españoles, Andrés Jaque y Nerea Calvillo, que indagan en los límites de la disciplina desde una perspectiva social y experimental.
En cuanto a las letras, España 08 aprovecha la presencia en la reciente XXI Feria del Libro de Bogotá de los escritores Andrés Barba, autor de "La ceremonia del porno", y del zaragozano Félix Romeo, para ofrecer encuentros literarios con los autores.
La Fiesta se unirá también al Cine del Museo de Arte Moderno, la Dirección Nacional de Cinematografía del Ministerio de Cultura y la Universidad Nacional de Colombia para proyectar una muestra de las últimas películas de los jóvenes creadores más importantes del panorama peninsular.
Finalmente, en el apartado de la música, la banda de pop-rock Marlango, liderada por la cantante y actriz almodovariana Leonor Watling, presentará su último trabajo, "The electrical morning", con la presencia del grupo colombiano Estados Alterados, uno de los más reconocidos de la década de los 80 y los 90.
Alrededor de este acontecimiento cultural también se desarrollan numerosas mesas redondas con la participación de los reconocidos creadores, así como otros jóvenes españoles destacados en el terreno de las artes contemporáneas.
Fiesta España 08 cuenta con la colaboración de la embajada española en Colombia y del Ministerio de Cultura del país anfitrión.

Fuente: EFE

El arquitecto Frank Gehry expondrá por primera vez en Londres.

Gran Bretaña acogerá por primera vez una obra del genial arquitecto estadounidense Frank Gehry, quien fue escogido para diseñar el próximo pabellón veraniego de la Serpentine, anunció el martes la célebre galería de arte instalada en los jardines de Hyde Park, en Londres.

Gehry, que diseñó el museo Guggenheim de Bilbao, entre otros edificios innovadores, ha ideado una estructura asimétrica de planchas de madera y de cristal, que se levantará en el sitio de la galería, en medio del parque londinense.
El monumental pabellón, que será inaugurado en julio, hasta octubre, "es como un anfiteatro, diseñado para acoger eventos en vivo, música, actuaciones de diverso tipo y debates", explicó el arquitecto nacido en Canadá hace 79 años.
"Baldaquines de cristal protegen el interior del viento y la lluvia y dan sombra en día soleados", explicó Gehry, que ha sido galardonado con el premio Pritzker, el Nobel de la arquitectura
Al igual que otro gran arquitecto norteamericano, Richard Meir -el más joven ganador en la historia del Pritzker- Gehry jamás ha construido un edificio en Gran Bretaña.
En años anteriores, la galería de arte contemporáneo escogió para diseñar su pabellón veraniego al brasileño Oscar Niemeyer, al holandés Rem Koolhaas, a la británica Zaha Hadid y al estadounidense Daniel Libeskind.

Fuente: AFP

El pintor sevillano Eufemiano Sánchez, protagonista de un gran proyecto de investigación.

La fecunda obra del pintor Eufemiano Sánchez es el objeto de un gran proyecto de investigación presentado hoy por el conservador del Museo del Prado Matías Díaz, quien ha definido a este artista sevillano como "un pintor de raza, independiente, auténtico y en compromiso con su yo".

El proyecto, organizado por la Fundación Solventia y por la Gerencia del Legado de este pintor, ha inventariado ya cerca de 800 obras del artista, que, como ha resaltado Díaz en el Círculo de Bellas Artes, recorrió Andalucía, Marruecos, Argentina y Madrid, lo que influyó en la temática de sus óleos, dibujos y grabados.
Díaz ha visto en Eufemiano Sánchez (Marchena, 1921-Madrid, 1995) alguna "analogía" con Zuloaga, sin romper con "las raíces de la más auténtica pintura española del siglo XVII, donde se cuentan Velázquez, Zurbarán, Cano y los maestros de la naturaleza muerta".
La evolución del arte de Eufemiano es paralela a sus viajes. Así, el conservador del Prado ha diferenciado entre el período de Sevilla (1931-1945) con retratos realistas y "los ecos de Velázquez" asomando en los fondos oscuros, y el contacto durante dos años con Marruecos que le llevan a la pintura orientalista.
De vuelta a Sevilla, el pintor "cultiva el costumbrismo andaluz, retratando gitanas con la misma dignidad que le es propia".
En Argentina (1951-1962) Eufemiano adquiere notoriedad y Matías Díaz destaca de ese periodo el retrato de su hijo "Eufemiano con perro".
Los bodegones de este pintor también han sido resaltados por Díaz, "en la línea de Zurbarán y Velázquez, y bajo influencia de Caravaggio", evitando las flores y pintando jarras, libros, mandarinas, nueces abiertas, cajas y latas.
Ya en Madrid (1962-1995), el pintor encuentra, según el conservador, su aspecto más original en los maniquíes, los cuales "nos inquietan al pintarse los ojos y los labios, ya que parecen tener vida".
"Las corazas de hierro son una constante en toda su producción madura", explica Díaz, que ha finalizado mostrando su admiración por un pintor que nunca se doblegó a las modas.
En el Círculo también se ha podido escuchar la disertación del director del Proyecto de Estudio sobre Eufemiano, el profesor y licenciado en Arte e Historia Eloy González.
Se trata de "un trabajo de ordenación y contextualización de la producción de Eufemiano: desde sus primeros trabajos hasta el periodo de mayor producción", según González, que ha dicho que el inventariado se encuentra muy avanzado gracias a la labor de los cuatro hijos del pintor.
Sin embargo, con la difusión del proyecto se espera que "los coleccionistas anónimos contacten con la Gerencia del Legado y podamos así incorporar sus obras al catálogo", ha afirmado Eloy González.

Fuente: EFE

Una exposición de un artista español aborda en China el tema de la muerte.

El artista plástico español Miguel Villarino acaba de iniciar su primera exposición individual en China abordando, con un lenguaje muy directo, el tema de la muerte, que en el país asiático no es un tabú tan dramático como en Occidente, pero toma tintes de superstición.

Villarino (Morales de Rey, Zamora, 1959) se ocupa de este tema en parte de una muestra, "Obras sobre papel. 1993-2008", organizada por la galería de arte española "Espacio Versátil", de Shanghai, ubicada en Taikang Lu, uno de los antiguos "xiao qu", o vecindarios, rehabilitados para albergar barrios artísticos de moda en la ciudad.
Entre las piezas, expuestas hasta el 14 de abril, hay cinco xilografías y un aguatinta de su serie "Exodus Vitae" (1993), término latino que significa "salida de la vida", que se utiliza en los hospitales para designar a las personas fallecidas, según explicó a Efe el autor.
En 1993 un hijo del artista, recién nacido, tuvo que ser ingresado en la unidad de cuidados intensivos de un hospital madrileño, donde permaneció de manera intermitente durante dos años, lo que causó tal impresión al pintor que acabó solicitando trabajar de celador, "después de mucho insistir", en el mismo hospital.
"Allí elegí los sitios más duros para ver, con la mirada de artista, si se puede decir: lugares extremos como las zonas de urgencias, la UVI, el mortuorio", explicó. "De ahí salió esta serie trabajada sólo en blanco y negro, dos colores extremos, despejada de todo artificio, que para mí fue un renacer en mi trabajo plástico".
Junto con estas seis piezas de un lenguaje muy simplificado, en las que aparecen series de esquemáticos cuerpos amortajados, la exposición se completa con otros seis dibujos originales y cuatro xilografías a color de su trilogía "El ajedrez y el tiempo".
Al público chino "es más fácil que les entre el color", en comparación con las obras de "Exitus Vitae", reconoció la galerista organizadora de la muestra, Patricia Portillo.
Además está la dificultad que pueden experimentar algunos visitantes chinos ante una exposición tan directa del tema de la muerte, cuya presencia en la galería es toda una apuesta, en un país que tiende a evitar el número cuatro sólo porque se pronuncia en chino igual que esa palabra tabú.
Sin embargo, para algunos "el hecho de que esté pintando muertos no es algo tan importante", dijo a Efe el pintor Han Yuguang tras visitar la exposición. "Lo interesante es su manera de presentar esa idea, con un lenguaje muy puro, muy perfecto, un lenguaje simbólico y absoluto", precisó.
"Además presenta la idea de manera muy expresiva, sólo con blanco y negro, como en una dualidad entre la vida y la muerte, parecida a los opuestos de los principios chinos del 'yin' y el 'yang' del taoísmo", indicó. "Hay un vínculo cultural que nos hace más fácil entendernos".

Fuente: EFE

Hipotéticos marcianos examinan arte contemporáneo como haría un antropólogo.

Una exposición que se inaugura este jueves en la Barbican Gallery londinense parte del divertido supuesto de una expedición de antropólogos marcianos que llegan a nuestro planeta para estudiar su cultura y en especial un aspecto con el que no están en absoluto familiarizados: el arte contemporáneo.

Sus comisarios, la estadounidense Lydia Lee y el italiano Francesco Manacorda, se inspiraron en la obra del filósofo belga Thierry de Duve "Kant después de Duchamp", en la que éste imagina a un antropólogo venido del espacio exterior para hacer un inventario de los más dispares artefactos humanos que llamamos arte.
Otro referente señalado a Efe por Lee es el "Museo de Arte Moderno. Departamento las Águilas", creado a finales de los sesenta por el artista belga Marcel Broodthaers, que reunió todo tipo de objetos e imágenes de águilas encontrados en los depósitos de decenas de museos de artes aplicadas o etnografía.
Cada objeto de aquel museo ficticio iba acompañado de la leyenda "Esto no es una obra de arte", evocadora del espíritu de Magritte (Esto no es una Pipa) y de los "readymades" u "objets trouvés" (objetos encontrados) de Marcel Duchamp.
Esa mirada externa abre el arte de nuestros días a nuevas interpretaciones no exentas de ironía: las piezas reunidas para la exposición de la Barbican son interpretadas como artefactos u objetos que tienen una función real o simbólica.
Así se crean extraños agrupamientos de objetos y originales yuxtaposiciones, parodiando en cierto modo la forma en la que los antropólogos occidentales han interpretado desde su particular perspectiva las culturas de los pueblos sin historia.
Dispuestos en ese supuesto museo marciano de acuerdo con la función o el uso, a veces totalmente disparatado, que se les atribuye, los artefactos son clasificados en amplias categorías como parentesco y filiación, magia y creencia, ritual y comunicación.
Agrupadas luego en subcategorías -veneración de los antepasados, reliquias y espíritus, objetos ceremoniales y contactos culturales- las piezas reunidas se colocan sobre plintos, en vitrinas o se cuelgan de la pared, según los casos.
Así se exhiben máscaras, trajes y objetos utilizados en supuestas ceremonias de los terrícolas, se documentan formas de intercambio como son los regalos o se muestran lo que se califica de intentos de comunicar con seres de otros planetas.
En la sección dedicada a los antepasados, los antropólogos marcianos explican cómo los humanos creen que los muertos no han muerto del todo y sus espíritus influyen positiva o negativamente en las generaciones posteriores.
Hay allí tótems dedicados a Duchamp, sin cuyo concepto del "readymade" habría sido inconcebible una exposición como la presente, pero también están Andy Warhol, o Picasso y Roy Lichtenstein, homenajeados ambos por Maurizio Cattelan.
Hay un gran tótem de madera en forma de homenaje al fundador del suprematismo ruso, Kazimir Malevich, otro está hecho con bolsas de golf, pero también buitres y águilas que penden del techo como las famosas esculturas de Alexander Calder y un "árbol de familia" en el que cuelgan prendas de todos los colores.
No podría faltar entre los antepasados el alemán Joseph Beuys, profeta de la ecología y seguidor del chamanismo, con sus famosas pizarras y una bombilla alimentada por un sencillo limón.
En comunión con su espíritu, el argentino Víctor Grippo presenta una obra titulada energía de la patata, muy oportuna en el año dedicado a ese universal tubérculo, mientras que el norteamericano nacido en Panamá Matthew Day Jackson viste a un astronauta con fieltro, ese humilde material tan querido de Beuys.
Por un altavoz suenan los nombres difícilmente distinguibles de artistas de vanguardia como Vito Acconci, Sandro Chia, Ansel Kiefer, Cy Twombly o Francesco Clemente, todos ellos piados por aves que parecen habitar una selva tropical.
Una escultura en forma de ovillo transmite el libro "Contra natura" de J. K. Huysmans en código Morse convertido en pulsaciones lumínicas que podrían descifrarse desde otros planetas.
Y hay finalmente una sala dedicada a las últimas adquisiciones, llena de objetos que los supuestos antropólogos marcianos no han podido aún descifrar aunque no desesperan de poder hacerlo un día.

Fuente: EFE

El pintor formalista José María González Cuasante gana el Premio de las Artes 2007.

El pintor burgalés José María González Cuasante, de 63 años y estética formalista, ha sido galardonado hoy con el Premio Castilla y León de las Artes 2007, dotado con 18.500, convocado por el Gobierno de esa comunidad autónoma y fallado este mediodía en la ciudad de Valladolid.

La coherente y personal trayectoria del artista distinguido, encuadrada en el nuevo realismo surgido en España a partir de los años setenta del pasado siglo, ha destacado en su fallo un jurado presidido el pintor José Sánchez-Carralero y del que también ha formado parte Rafael Doctor, director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).
En su unánime decisión, el jurado también ha valorado la "destacada y dilatada actividad docente e investigadora" que en el campo del color ha protagonizado González Cuasante, nacido hace 63 años en Fresno de la Losa (Burgos) y que en la actualidad es catedrático de Pintura en la Universidad Complutense de Madrid.
"Me considero un pintor formalista porque me interesan más las formas que los temas. Me atrae mucho más el color y la luz, la fuerte e intensa impresión cromática, mientras que la temática la dejo en un plano secundario aunque sin llegar al abstracto, que algunas veces lo he tocado", ha explicado el artista a la Efe.
Su obra, añade el acta que también ha firmado el pintor José María Mezquita -galardonado en la edición anterior-, "está imbricada desde la fotografía, pudiendo denominarla como fotorrealismo, no exenta de connotaciones próximas al movimiento del realismo Pop más americano que europeo".
De acuerdo con esa definición, González Cuasante ha precisado no obstante que en sus cuadros de exteriores utiliza una técnica "más fotorrealista", mientras que para los interiores suele reservar una aplicación "no tan fría, sino más jugosa en la pasta y en textura".
La vida contemporánea, la cotidianeidad son los argumentos sobre los que sostiene una visión figurativa de la misma que plasma en sus obras "muchas veces vinculada al ocio", en el caso de los exteriores, con carteles u otros iconos más próximos a la publicidad que a la información.
Enlaza así dentro de esa visión con artistas como Wesselman, Hamilton, Warhol o Linchestein, y de ellos ha dado cuenta en la mayor parte de las 63 exposiciones individuales y más de 120 colectivas de que consta su trayectoria, con obra propia catalogada en veinticinco museos y grandes colecciones desde el IVAM en Valencia (España), hasta el Chase Manhattan Bank de Nueva York o el Museo de Arte Reina Sofía.
Casi cuatro décadas dedicadas a la docencia acumula hasta la fecha González Cuasante, desde 1973 como profesor de la entonces Escuela Superior de Bellas Artes y a partir de 1979 en la nueva Facultad de la Universidad Complutense de Madrid, donde aún imparte sus conocimientos.
"No quiero decir que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero antes había menos alumnos y más disciplina y trabajo, aunque bastante rutina en la estrategia", ha explicado el artista ahora acerca de su faceta docente que también ha materializado en la edición, hace dos años, del libro "Introducción al color" y próximamente en "El color de la pintura", a punto de salir.
Compositores e intérpretes y artistas plásticos engrosan mayoritariamente la amplia nómina de galardonados con el Premio Castilla y León de las Artes desde que en 1984, año en que fue instituido, abrió esa selecta relación el pintor Juan Manuel Díaz Caneja, a quien han seguido músicos como Antonio Baciero (1985), Cristóbal Halffter (1986), los monjes benedictinos de Santo Domingo de Silos (1993) y Amancio Prada (2005).
Entre los artistas figuran el escultor Baltasar Lobo (1985), el pintor José Vela-Zanetti (1987), el arquitecto Antonio Fernández Alba (1988), el fotógrafo José Núñez Larraz (1991) y el dramaturgo y director escénico Fernando Urdiales (2004).

Fuente: EFE

El Centro de Arte Contemporáneo de Huarte inicia una nueva temporada.

El Centro de Arte Contemporáneo de Huarte ha presentado la programación de su nueva temporada con tres exposiciones que pretenden involucrar al espectador y hacerle interactuar con las obras y que se podrán ver de manera gratuita hasta el 25 de mayo.

El artista portugués Hugo Canoilas ha creado específicamente para este centro 'Endless killing', una pintura mural sobre papel de cien metros que representa 'el deseo de eliminar al otro' mediante una sucesión de cuarenta hombres blancos desnudos que se matan por la espalda, ha explicado en una rueda de prensa la comisaria de la exposición, Chus Martínez.

Canoilas ha dicho haberse inspirado en las obras de propaganda política y en los murales mejicanos pero su mayor influencia 'viene del principio de la humanidad'.Huarte también acoge tres videoinstalaciones de Keren Cytter en las que el israelí reflexiona sobre las relaciones humanas y la confusión y las contradicciones de la identidad a través de cortos de factura casera con inspiración en la Nouvelle Vague francesa.Otro de los montajes es el proyecto que se ha realizado en colaboración con la Universidad Pública de Navarra, 'Esto no es una exposición', un compendio de obras de varios artistas internacionales con la misión pedagógica de 'devolver la exposición al ideal de servicio público' y de que 'el usuario debata sobre los distintos materiales', ha comentado el comisario del montaje, Carles Guerra.Por su parte, Roberto Aguirrezabala, que desde hace diez años trabaja con nuevos medios e internet, ha presentado su obra de net.art 'Easyfriend', en la que el usuario configura su perfil y el de un amigo virtual y con la que quiere transmitir 'de manera irónica' cómo las relaciones son 'frustrantes y llenas de continuas equivocaciones', en palabras del propio artista.

Fuente: EFE

Obra de artista que denuncia brutalidad policial en EE.UU. genera polémica.

El mayor sindicato policial de la ciudad de Nueva York criticó hoy la obra del artista estadounidense Dread Scott "The Blue Wall of Violence" (El muro azul de violencia) que denuncia los casos de brutalidad policial en Estados Unidos.

La instalación forma parte de una exposición más amplia titulada "Dread Scott: Welcome to America" (Dread Scott: Bienvenido a Estados Unidos), que se exhibe desde hoy hasta el próximo 1 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo de la Diáspora Africana (MoCADA), del barrio de Brooklyn en Nueva York.
La exposición de Scott, cuya obra es "gráfica y visceral" según el museo, critica el poder de Estados Unidos en general y en esta obra en concreto los abusos policiales.
En "El muro azul de la violencia" las víctimas de la violencia policial son representadas como las dianas que se utilizan para practicar el tiro con forma de silueta humana negra, mientras un mecanismo hace que tres porras policiales den continuos golpes contra una caja de madera situada debajo de algunas de las dianas.
La Patrolmen's Benevolent Asociation de la ciudad de Nueva York (NYC PBA, en sus siglas en inglés) se ha mostrado "indignada" por la instalación de Scott, con la que el artista denuncia varios casos de brutalidad policial, entre ellos, el asesinato del inmigrante africano Amadou Diallo en Nueva York en 1999.
Diallo, que iba desarmado, murió acribillado por 19 de los 41 disparos que efectuaron contra él cuatro policías neoyorquinos de raza blanca, que fueron posteriormente absueltos.
Además la muestra coincide con el inicio el pasado 25 de febrero del juicio a tres policías neoyorquinos por la muerte de Sean Bell, un afroamericano también desarmado que murió durante un tiroteo en noviembre de 2006 horas antes de casarse en los alrededores de un club nocturno del barrio de Queens donde había celebrado su despedida de soltero.
La dotación policial que intervino en aquel suceso disparó más de medio centenar de tiros contra los sospechosos, todos de raza negra, lo que suscitó de inmediato una gran conmoción y rabia en esa comunidad y en otros ámbitos de la sociedad neoyorquina.
Esta no es la primera vez que el artista Dread Scott se encuentra en el centro de la polémica por una de sus obras.
En 1989, el entonces presidente George Bush criticó al artista por quemar la bandera estadounidense en una exposición "vergonzosa" titulada "¿Cuál es la manera apropiada de mostrar la bandera de Estados Unidos?".

Fuente: EFE

Un costarricense será el primer artista en exponer obras modernas en el Foro Romano.

El escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia será el primer artista en exponer sus obras contemporáneas en el Foro Romano y otros sitios arqueológicos de Italia, confirmó el artista a la prensa local, que publica la noticia hoy.

Jiménez, quien fue además el primer escultor latinoamericano en colocar una obra en la Basílica de San Pedro, en el Vaticano, expondrá el próximo año un total de 60 piezas de mármol y bronce en diversos puntos de la capital italiana.
La exposición del costarricense radicado en Italia se llamará "La ruta de la paz" y será parte de los atractivos de Roma para el verano de 2009, por lo que se espera que más de un millón de visitantes puedan observarla.
Las obras de Jiménez Deredia, según él mismo explicó al periódico La Nación, que hoy publica sus declaraciones, se ubicarán en espacios al aire libre del Palacio Altmeps, del Museo Nacional Romano, en las afueras del Coliseo, en diversos puntos del Foro Romano como al frente del templo de Venus, en la Vía Sacra y en el interior del Palacio de las Exposiciones.
En los diversos sitios se podrán apreciar piezas de gran tamaño como tótems de más de cinco metros del alto y algunos conjuntos escultóricos de hasta nueve metros de largo, pero también obras pequeñas y maquetas, añadió el artista.
El costarricense, de 53 años, reconoce que esta será su muestra más importante hasta ahora, a pesar de que es el autor de la escultura de Marcelino de Champagnat, que se exhibe en la Basílica de San Pedro.
"Es una exposición muy significativa porque nunca habían abierto el Foro Romano para una exposición contemporánea. Sin duda dará mucho de qué hablar, habrá mucha polémica. Estoy asumiendo todos los riesgos que esto trae, a la vez, una gran repercusión mundial", comentó Jiménez.
El autor detalló que utilizará 500 toneladas de mármol en estas esculturas y que la mayor parte de ellas ya están casi listas, pero que ahora debe concentrarse en trabajar en los detalles de cada una.

Fuente: EFE

El escultor polaco Igor Mitoraj inaugura un ciclo de Arte en la calle de CaixaForum.

Las monumentales esculturas del polaco Igor Mitoraj han inaugurado hoy en el Paseo del Prado de Madrid el programa Arte en la calle, organizado por CaixaForum.

Al acto de inauguración han asistido el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, el director general de la Fundación "La Caixa", José F. de Conrado, e Igor Mitoraj, junto con dos centenares de ciudadanos que han ido descubriendo las esculturas, de hasta tres metros de altura.
Mitoraj, calificado como "el mejor escultor del momento por los críticos de arte" según ha dicho de Conrado, recupera en su obra el espíritu del arte clásico de Grecia y Roma, así como de los grandes escultores renacentistas para llegar a interpretar el pasado desde el presente.
Según ha manifestado María Porto, responsable de organizar la exposición, el escultor ha protagonizado numerosas exposiciones e intrusiones con su arte en las calles de todo el mundo, desde París hasta Roma o Nueva York.
Se prevé que a esta exposición le sigan otras como "Las Meninas" de Manolo Valdés o "El Pensador" de Rodin, todas ellas enmarcadas en el programa Arte en la calle, una iniciativa pionera que "rompe con la costumbre de que los ciudadanos tengan que acudir a un museo para ver arte", según ha dicho de Conrado.
La muestra del artista polaco pone broche final a la semana de inauguraciones de CaixaForum, con la que de Conrado se ha mostrado muy satisfecho, ya que "ha sido todo un éxito por la buena acogida de los madrileños, ya que han pasado por aquí entre 5.000 y 6.000 personas cada día, siendo un público muy variado".
La exposición, que tiene en Madrid su décimo destino se podrá visitar desde hoy hasta el 13 de abril.

Fuente: EFE

Más de treinta artistas españoles y latinoamericanos muestran las últimas tendencias en pintura, escultura y fotografía en una exhibición única en los

Más de treinta artistas españoles y latinoamericanos muestran las últimas tendencias en pintura, escultura y fotografía en una exhibición única en los Emiratos Árabes Unidos (EAU), donde el interés por la cultura es cada vez mayor.

La exhibición "New Generation Ibero-American Art", considerada la primera de este tipo en Oriente Medio, fue inaugurada anoche en una sala especial del lujoso hotel Emirates Palace, con el apoyo y el auspicio de las embajadas de España, Argentina, Venezuela, Brasil y el consulado general de Uruguay.
Entre los creadores cuyas obras confluyen en la feria figuran las españolas Inés de Borbón, Monsa Domingo y Carmen Pombo, conocida por sus pinturas de arte abstracto, así como los colombianos Alberto Sojo y Walbert Pérez, los mexicanos José Sacal y Sergio Bustamante y el uruguayo Pablo Atchugarry.
También presentan obras artistas de Argentina, Honduras, Brasil y la República Dominicana.
Todos tienen la oportunidad de hacerse valer, sumando a su talento unos precios muy convincentes, en un mercado muy joven como el de los EAU, un país donde se mezclan el rápido desarrollo económico y el gran interés por la cultura y el arte.
La exhibición, que durará hasta el 22 de marzo, está organizada por "Contempo Corporat Art" en cooperación con "Art Andalus", y auspiciada por el Departamento de Cultura y Herencia de Abu Dhabi (DCHA), que ofreció la sala y apoyó financieramente la exposición.
La presencia de emiratíes y de miembros de las colonias hispanoamericanas en la inauguración es considerada por varios artistas consultados por Efe como de "buen augurio".
Algunos, como la española Monsa Domingo, se muestran convencidos de que sus obras se abrirán camino en un país que pudo convertir en pocas décadas un desierto en un centro de negocios y de atracción turística, e intenta serlo ahora también para el mundo cultural.
"El arte en los Emiratos parece ser que es una novedad para ellos, igual que los edificios y la arquitectura", dijo a Efe Monsa Domingo, que presenta tres obras, en los que se mezclan pintura y escultura en un estilo único y renovador.
Los precios de las obras, sean pintura, escultura o fotografía, oscilan entre 3.500 y 11.000 euros (entre 5.150 y 16.175 dólares).
"El objetivo es intentar promover a los artistas e invitar a la gente a invertir en el arte. Queremos que entiendan que eso es una buena inversión", dijo Natalia de la Figuera, directora de Art Andalus, que había organizado muestras en Dubai, la capital comercial de EAU, pero sólo de artistas españoles.
El crítico colombiano Eduardo Marceles Daconte, director de la feria y conservador del Queens Museum of Art de Nueva York, apuntó por su parte que se trata de "una manifestación de ricas y diversas expresiones de artistas contemporáneos hispanoamericanos, que han despertado el interés de los amantes del arte" en varios países del mundo.
La exposición atrajo también en su primer día a numerosos diplomáticos y responsables emiratíes, entre ellos el pintor Abdala Al Ameri, director del Departamento de Cultura y Arte, y número dos de la DCHA, quien subrayó que "ésta es la muestra iberoamericana más importante en Emiratos".
Ameri destacó que su institución ha apoyado financieramente la feria en el marco de un "plan estratégico para hacer de Abu Dhabi una capital de la cultura", y que auspiciará otros eventos artísticos, incluidos música y baile, de Asia, América Latina, Europa y los países árabes.
El embajador de España, Manuel Piñeiro, vinculó "esta presencia cultural iberoamericana" a "la creciente presencia diplomática de América Latina" en los Emiratos, en alusión a la reciente apertura en este país de la embajada venezolana y del consulado general de Uruguay.

Fuente: EFE

La primera colección de Botero en Canarias muestra la violencia que vive Colombia.

La primera colección de Fernando Botero que se exhibe en Canarias muestra desde hoy y hasta el 19 de abril en el Centro Cultural de La Caja de Canarias el horror de la violencia que vive Colombia, "Una Mirada Diferente", y muchos menos amable de lo habitual de su país natal.

La muestra, donada por Botero al Museo Nacional de Colombia entre 2004 y 2006 para que fuera itinerante, la conforman 70 obras "no comerciales" del artista en formato de dibujo y óleo y ya se ha exhibido en países de América Latina como Ecuador, Panamá, El Salvador o Brasil.
Hasta ahora Alicante había sido la única ciudad española que albergó esta colección, que, tras su paso por Las Palmas de Gran Canaria, llegará a Sevilla para regresar a Latinoamérica, explicó hoy la comisaria de la muestra, Marat Franch, en una rueda de prensa.
Con esta colección, dijo, el artista ha querido denunciar "sin pretensiones políticas", la violencia que vive su país en la actualidad; de ahí que en ella se muestre el desgarro de una madre que llora por la muerte de su hijo; personas asesinadas o torturadas; la trayectoria de balas que atraviesan cuerpos; escenas de masacres; un desfile de personas que portan ataúdes; los esqueletos de una madre amamantando a su bebé o coches bomba.
En estas obras Botero utiliza su estilo peculiar de personas gruesas que, en esta ocasión, no muestra en actitud despreocupada o apacible, sino sumidas en el dolor y la desgracia, individual y colectiva, que suscita un secuestro, una tortura o una agonía. Es su forma de expresar lo mucho que le duele Colombia pese a no residir allí desde hace más de 40 años.

Fuente: EFE

El Guggenheim de Nueva York presenta las asombrosas esculturas de Cai.

El museo Guggenheim de Nueva York presenta a partir del¡ este viernes las obras de Cai Guo-Qiang, un artista de origen chino que llenó la famosa rotonda de automóviles y lobos voladores.

La retrospectiva, la primera que organiza la institución neoyorquina de un artista chino, es considerada por su director, Thomas Krens, como "una de las más ambiciosas, si no la más ambiciosa de las instalaciones jamás presentada" por el museo.
Una de las obras más impresionantes, 'Inoportuno: grado 1', está integrada por nueve automóviles suspendidos y atravesados por decenas de tubos luminosos que dan la idea de explosión en el patio central del museo.
Entre las otras obras expuestas en la rampa en espiral del Guggenheim se destaca una fila de 99 lobos que vuelan y chocan contra una pared de vidrio.
Hasta el 28 de mayo, los visitantes podrán ver además fotos de acontencimientos puestos en escena por el artista chino, también responsable de los efectos especiales para las ceremonias de apertura y cierre de los Juegos Olímpicos Pekín-2008, en agosto.

Fuente: AFP.

Sesenta piezas compendian en Valladolid el arte conceptual de Joseph Beuys.

Una exposición compuesta por sesenta piezas en forma de postales, carteles, serigrafías, litografías y grabados compendia en Valladolid la obra del artista alemán Joseph Beuys (1921-1986), unánimemente considerado por la crítica como el padre del arte conceptual.

Polémico, pionero e influyente son algunos de los calificativos que sitúan al visitante en Beuys, su obra y en la exposición que, con el lema de "Elementos para una creación", puede verse en la capital vallisoletana hasta el 30 de marzo por iniciativa de la Fundación Municipal de Cultura y de la Fundación GACMA.
Beuys fundió arte y vida en su obra con un sentido antropológico, intención política y matiz reivindicativo, siempre en la búsqueda de unas mejores condiciones de vida para el ser humano, según han resumido en sendas intervenciones la concejala de Cultura, Mercedes Cantalapiedra, y Antonella Montinaro, de la Fundación GACMA.
Ésa es la definición del arte conceptual que Beuys alcanzó a partir de la toma en consideración de elementos mitológicos, filosóficos, médicos y religiosos que plasmó en sus creaciones como las tres 'suites' expuestas ahora en Valladolid, por primera vez en España según fuentes de la organización.
La exposición reúne sesenta piezas agrupadas en cinco áreas temáticas: ideas y materiales, colores e iconos, imágenes de animales, el cuerpo humano, y la cruz cristiana.
La variedad de obras mostradas remite a los símbolos discursivos de Beuys, quien con apenas 17 años fue reclutado por las Juventudes Hitlerianas y más tarde desempeñó misiones como bombardero de la 'Lutwaffe' (fuerzas armadas alemanas) y quien, destinado en el frente ruso, sufrió un accidente de aviación en Crimea del que salvó la vida en parte gracias a los cuidados de una tribu tártara.
Curó las heridas a base de aplicaciones de fieltro y grasa, dos elementos que posteriormente utilizó en sus creaciones y que, al igual que otros elementos, materiales y temáticas, "incorporó desde su propia biografía", ha dicho Montinaro.
"Creó sus propios colores a partir de la grasa y del hierro fundidos, y los vinculó a situaciones vitales", ha añadido Montinaro antes de consignar la afición de artista alemán por los animales: "era aficionado a la zoología y creó una partido político para la defensa de los animales".
El ciervo, el alce, al liebre y el coyote son algunos de los tótem que Beuys acuñó en forma de arte fruto de su experiencia vital y que puede apreciarse dentro de la exposición junto a pinturas con formas que remiten al cuerpo humano.
"Más que hombre y mujer, Beuys distinguió entre el principio masculino, que concibió más frío e intelectual, y el femenino, percibido como algo relacionado con el nacimiento, con la vida", ha señalado Montinaro.
Acerca de la cruz y de otra simbología cristiana, ha explicado cómo el creador alemán asimiló el arte "como una religión, como algo de lo que se valió para curar las heridas de la vida", dentro de lo que podría denominarse una visión terapéutica de la creatividad.

Fuente: EFE

Un taller descubre las claves del trabajo de Snow, el artista más influyente del cine experimental.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno ha presentado hoy un taller dedicado al canadiense Michael Snow, considerado uno de los artistas más influyentes del cine experimental del siglo pasado al cuestionar ideas de percepción y representación con obras que vinculan el cine con la pintura y la música.

El museo abre su temporada de talleres didácticos hoy con la presencia de Michael Snow, un creador visual y perceptivo desde cualquiera de las disciplinas artísticas, según ha señalado hoy en una conferencia de prensa la directora del museo, Consuelo Ciscar.
Ciscar acompañada de la comisaria e historiadora Gloria Maure, y el propio artista, Michael Snow, ha explicado a los medios que hoy comenzaba "un nuevo ciclo de los Talleres de Artistas con Michael Snow, y está dirigido a estudiantes de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia".
Ciscar ha dicho que "Snow propone desde hoy, lunes, hasta el viernes, impartir cuatro sesiones de discusión sobre su obra de carácter fuertemente experimental".
La responsable del IVAM ha señalado que "el deseo de participar al espectador se manifiesta en las diversas instalaciones que Snow ha producido en los últimos años, como también en sus películas, fotografías, pinturas, música y cualquier otra actividad artística que haya emprendido.
"Con sus obras pretende afectar nuestra lógica perceptiva, para que así reinterpretemos nuestro mundo enriquecidos por el estado meditativo en el que nos sumergen sus imágenes", ha dicho finalmente Ciscar.
Por su parte, la historiadora de arte Gloria Moure ha definido a Snow como "figura clave de la revolución artística de los años cincuenta del siglo pasado por algunas ideas sobre la percepción, representación y temporalidad en todo tipo de arte".
Moure ha señalado que su trayectoria se ha caracterizado por un constante "ir y venir de una técnica a otra" y haber desarrollado un "arte sin fronteras".
Ha intervenido finalmente Michael Snow, quien ha dicho que su trabajo lo ha desarrollado desde los años cincuenta hasta la actualidad en diversos medios, aunque ha sido en el cine y en la fotografía experimental donde es más conocido.
Cineasta, pintor, escultor, fotógrafo, escritor y músico, Michael Snow nació en Toronto (Canadá), en 1929.
El cine le ha permitido dar un espacio dramático a la visión, en una dimensión que pasa por la experiencia del espectador, que reconstruye el proceso de trabajo en el momento en que se va exponiendo.

Fuente: EFE

Bigas Luna exalta los placeres de los sentidos en el IVAM

La exaltación de los sentidos y la importancia del retorno al origen son algunos aspectos que inspiran el contenido de una exposición interdisciplinar del realizador catalán de cine Bigas Luna que, desde hoy martes hasta el 4 de mayo, se pueden contemplar en diversas salas del Instituto Valenciano de Arte Moderno.

"Bigas Luna. Ingestum-Los fluidos" es un proyecto que ofrece al espectador la oportunidad de contemplar las obsesiones que preocupan a Bigas Luna, un destacado cineasta que desarrolla también sus actividades creativas en el ámbito de las artes plásticas, la videocreación y la literatura.
La propuesta que ofrece Bigas Luna en este museo, y que posteriormente se exhibirá en China, tiene un gran valor debido a que se cruzan fronteras y materias de estudio tan diferentes como la biología, la medicina, el videoarte, la química, las performances, el arte en movimiento e incluso la gastronomía.
Así la ha descrito hoy en una conferencia de prensa la directora del IVAM, Consuelo Ciscar, a la que acompañaba el propio realizador, Bigas Luna, y el comisario Angel Kalenberg, crítico de arte uruguayo, en la presentación de esta muestra.
Ciscar ha indicado que, "a través de esta exposición, Bigas Luna quiere provocar el interés por conocer lo que tenemos dentro, qué es lo que comemos y cómo nos afectan los alimentos desde el punto de vista físico, psíquico e incluso espiritual".
Por su parte, el comisario de la muestra, Angel Kalenberg, ha recordado que Bigas Luna pertenece a la estirpe de artistas multidisciplinares que desarrollan su labor creativa en diversos campos, como es el cine,la literatura, las artes plásticas y el vídeoarte.
Ha recordado que, en todos sus trabajos creativos, el cineasta centra su interés por la ecología y el retorno al origen.
Por su parte, Bigas Luna ha explicado en su intervención que ha tratado de reflejar su preocupación por el retorno a la tierra desde una perspectiva ecológica.
Se ha declarado un defensor de todo aquello que representa la modernidad y ha confesado que en todas sus creaciones hay un deseo de ser lúdico y de que la gente se divierta.
El recorrido de la exposición se inicia en el exterior del museo, una zona cerrada por un muro de maderas donde el espectador puede ver proyectados en la fachada tres vídeos "Origenes Corbet", en los que se representan el origen de la vida.
Igualmente en la explanada se ha instalado una mesa-parrilla altar, donde el cocinero del restaurante la Sucursal, Jorge Bretón, cocinará en el acto inaugural de esta noche una gran parrillada para el público visitante.
El propio Bigas Luna hará de anfitrión y se encargará, como buen maestro de ceremonias, de acoger a todos los comensales y ofrecerles una peculiar velada.
En el vestíbulo del museo se encuentra la mesa "Ingestum" y se proyecta el vídeo "Collar de Moscas", mientras que a su lado se encuentra una instalación que demuestra que el agua es sensible a los sentimientos.
En la primera planta se encuentra la instalación CPS (centímetros por segundo), donde los visitantes pueden comprobar y conocer la velocidad a la que fluye su sangre cuando brota de su corazón.
En el laberinto de la Vía Láctea, instalado en la galería 8, se puede ver los primeros vídeos realizados por Luna relacionados con la leche materna y la lactancia.

Fuente: EFE

Un empresario espera ganar más de 270.000 euros con un grafiti de Banksy.

Un empresario británico del sector audiovisual confía en ganar más de 270.000 euros con la venta por internet de un grafiti del misterioso artista conocido sólo por su seudónimo de Banksy.

El grafiti, pintado en la pared de una productora en la calle Portobello Road, de Londres, muestra a un pintor de aire bohemio con una paleta en la mano que escribe con los grandes e irregulares caracteres propios de esas pintadas callejeras la palabra "Banksy".
Una mañana de domingo del pasado septiembre alguien colocó sin avisar un andamio junto al muro de la sede de la empresa de Luti Fagbenie y, cuando unas horas más tarde quitaron el andamio, apareció la obra de Banksy.
Con indudable vista para el negocio, Fagbenie cubrió con un plástico el grafiti y lo ofreció en internet a través de eBAy.
Según la BBC, hasta ahora se han recibido 68 ofertas por esa obra, de las que la mejor supera las 207.000 libras (unos 272.000 euros).
Aunque el artista, que ha sabido explotar como nadie el anonimato, no ha hecho ningún comentario sobre el negocio que supone la venta de ese trabajo callejero, un representante suyo confirmó que es auténtico.
Es muy poco lo que se sabe de Banksy aunque se cree que nació en 1974 cerca de Bristol, ciudad donde comenzó su actividad de grafitero a finales de los ochenta como parte de un grupo conocido como "DryBreadZ Crew".
Sus grafiti son con frecuencia mensajes abiertamente políticos, de carácter anárquico y provocador, con una fuerte carga de humor y subversivos del orden establecido.
Con frecuencia utiliza imágenes icónicas muy conocidas, muchas veces de la propia historia del arte, que manipula para darle un sentido muchas veces contrario al original.
Su obra ha crecido en popularidad desde que comenzaron a coleccionarla famosos del espectáculo como Brad Pitt o Christina Aguilera y Banksy recurrió a otros medios más tradicionales sin abandonar empero los grafiti.
En febrero del 2007, la casa de subastas Sotheby's vendió en Londres tres obras de Banksy y la titulada "Bombing Little England" alcanzó el precio más alto pagado hasta entonces por una pieza suya, 102.000 libras (134.000 euros al cambio de hoy).
En abril de ese mismo año, otra obra suya titulada "Space Girl & Bird" (Muchacha Espacial y Pájaro) estableció otro récord al venderse por 288.000 libras (378.000 euros) -veinte veces el precio estimado- en Bonhams, otra casa de subastas de la capital británica.

Fuente: EFE

El mexicano Montiel Klint acerca el humor negro que pinta con luz a Fotoencuentros en Murcia.

El artista mexicano Fernando Montiel Klint inauguró hoy su exposición "Espacio confinado" en el festival internacional de fotografía Fotoencuentros, de Murcia, al que ha traído el humor negro que dijo pintar con luz en sus imágenes, relativas "a la neurosis consumista y a las adicciones humanas".

En rueda de prensa, Montiel Klint, que expone en la sección oficial del certamen organizado por la fundación Cajamurcia y dedicado este año a los mundos creados con fotografías escenificadas, dijo que le interesa "captar los espacios interiores que abren la lectura" de sus imágenes, todas ellas "muy barrocas y con iconos contemporáneos que tienen mucho de cine y de pintura".
Realizadas en Ciudad de México y en otras provincias de este país durante dos años, tienen dos planos de lectura, uno que agrada y otro que desagrada, añadió, pero siempre con humor negro: "Sin humor no hay vida, no hay nada", asegura ante las "muy calculadas" escenografías que muestra en el Colegio de Arquitectos de Murcia.
Sus 20 imágenes están repletas de objetos de consumo, incluso las personas que en ellas aparecen son consideradas por el autor como tales, lo que le sirve "para construir parte del discurso sobre la cultura como consumo y la publicidad con la que nos invaden medios como la televisión".
Por su parte, el fotógrafo almeriense residente en Sevilla Rafael Perezcortés, que también inauguró hoy en el festival su muestra "Las mil y una hora", señaló que sus 35 fotos "juegan con el azar y el destino", usando como motivos relojes en los que los números de las horas son borrados por insectos, y personas "con mascarillas de preservación inútiles como expresión de la vulnerabilidad humana".
Dijo inspirarse en hechos violentos reales como las dos guerras mundiales, la de Irak, el atentado del 11-M en Madrid, la bomba atómica de Hiroshima, el conflicto palestino-israelí en Gaza, los feminicidios de Ciudad Juárez (México) o la matanza de 32 personas en la escuela estadounidense de Columbine, toponímicos éstos que sustituyen a los de la marca de los relojes surcados por insectos.

Fuente: EFE

Los pintores españoles Quejido y Gordillo se llevan su diálogo a La Habana.

Los pintores españoles Manuel Quejido y Luis Gordillo han trasladado a La Habana el particular "diálogo" que, según dicen, sostienen a través del arte, con una exposición conjunta que se muestra a partir de esta semana en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

La famosa obra de Quejido "Sin salida", latas de refresco convertidas en un multicolor mosaico de tótem, y una selección de 24 imágenes de su obra "El taco", compuesta por más de 400 piezas, están entre los trabajos que permanecerán en la isla hasta marzo, después de pasar por México y Venezuela.
Más allá de estar unidos por el hecho de ser ambos sevillanos radicados en Madrid, Quejido explicó a periodistas que con Gordillo, Premio Nacional Velázquez 2007, lo une una relación "muy especial", un intercambio al estilo "Matisse-Picasso".
"De algún modo seguimos en diálogo (...) él ha visto cosas mías, de algún modo nos contestamos", apuntó el pintor y añadió que tras conocer el arte de Gordillo tuvo "una especie de impronta, de sensación" de la pintura como experiencia estética que lo hizo su referente y lo llevó a plantearse una vuelta a la pintura.
Además, según confesó Quejido, su compañero compró las primera obras que vendió y de hecho dos de las piezas con su firma que incluye esta exposición son propiedad de Gordillo.
"Emocionadísimo" y "con los pelos de punta", Quejido relató el miércoles, en la inauguración de la muestra, que emprendió el viaje a Cuba por una "corazonada", echando a un lado su resistencia a "cruzar el charco" con el objetivo de acompañar la exhibición de 16 obras que auspicia la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX).
La selección, que tendrá su última parada en Brasil, dispone de forma intercalada los cuadros de los artistas y tiene como objetivo mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias formales, tienen una misma forma de entender el arte, según explicó a Efe el director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y comisario de la muestra, José Lebrero.
Lebrero apuntó que la idea de unirlos en una exposición permitía informar sobre la producción artística de Andalucía, pero también mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias generacionales, son "rebeldes", "eminentemente creadores" y "críticos frente a los discursos hegemónicos de su tiempo".
Con pocos ánimos para viajar y entregado totalmente a su trabajo, Quejido explicó que su viaje de cuatro días a La Habana estuvo cifrado por "eso que llamamos con una palabra que es corazón, es una corazonada, es un decir (...) no puede ser que no vaya".
"De Cuba desearía, con todo lo que me está dando, llevarme un buen taco de banderines de la bandera cubana", señaló Quejido en un texto hecho para la inauguración y que se negó a leer.
Respaldado por "En forma de fábula", uno de los enormes lienzos de Gordillo que integra la muestra, Quejido escuchó en silencio la lectura del mensaje, donde apuntó que se resiste a hablar en público desde que comenzó a escribir hace 10 años un texto de 23 folios y que si habla, "no podría ya parar de hablar".
Los banderines cubanos, dijo, se usarán como "respetado soporte" en un futuro trabajo sobre "la cuestión del mítico seminario de filosofía de Cruces" (asociación cultural con sede en Madrid que él ayudó a fundar), y que cuestiona "qué hacer hoy en día con nuestro deseo de revolución".
"Me voy con muchas cosas a las que voy a tener que darles vueltas", añadió.

Fuente: EFE

ARCO. La creación brasileña inundará los espacios artísticos madrileños.

La presencia de Brasil como país invitado en la feria de arte contemporáneo ARCO se extenderá por diferentes centros artísticos de Madrid, en los que se podrá contemplar la creación brasileña más actual.

La Sala Alcalá 31, bajo el título "Contradictorio-Panorama del Arte Brasileño" exhibirá una muestra de la XXX edición de la exposición "Panorama da Arte Brasileira", que cada dos años organiza el Museo de Arte Moderno de São Paulo.
La exposición plantea la expresión "Arte brasileño" en un ambiente donde se constata una acelerada internacionalización de la producción simbólica. Las obras de alrededor de treinta artistas en actividad, seleccionadas por el comisario Moacir dos Anjos, cuestionan lo que se considera propio de un lugar así como la idea de pertenencia.
"Coordenadas y apariciones", en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, muestra el proyecto en el que José Damasceno plantea distintas intervenciones creadas específicamente para los espacios públicos del edificio (pasillos, escaleras, jardín, patio, fachada, tienda de regalos y biblioteca), saliendo así del concepto ortodoxo de las salas de exposiciones.
Es ésta la primera vez que el museo ofrece un proyecto concebido en su totalidad a modo de diálogo entre los espacios, el arte y el visitante que transita fuera del marco expositivo. La muestra se compone de un total de nueve intervenciones que tienen en común "generar otros espacios a partir de los encontrados", según Damasceno.
El Departamento de Audiovisuales del Reina Sofía, bajo la dirección de la comisaria Berta Sichel y con la asesoría de Maria Helena Leitão y Raquel Hallak, ha organizado el ciclo "Braaaasiiiil" que abordará una amplia gama de temas del universo de la sociedad brasileña global y contemporánea.
De un total de 17 películas, entre largos y cortos, destacan "Diário de Cintra" (2007), de Paula Gaitán, y "Brilhante" (2003), de Conceição Senna, filmes documentales sobre realizadores clave dentro de la cultura brasileña.
Dominique Drefuys e Yves Billon realizan "Brasil: a revolução tropicalista" (2002) que investiga el fenómeno del tropicalismo, detonador de una revolución de las costumbres, del pensamiento y de la idea misma de identidad brasileña.
Además de los filmes, se proyectará un ciclo de vídeo comisariado por Vitoria Daniela Bousso (directora del Paço das Artes, São Paulo) que reunirá a un grupo de catorce creadores de vídeo brasileño.
El concierto de Jorge Antunes, realizado en colaboración con el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, y dos performances completan la programación del Reina Sofía.
El Canal Isabel II acogerá la muestra fotográfica y de vídeo arte "Suspensión y Fluidez" concebida especialmente para estos espacios por las artistas Rosângela Rennó y Eder Santos, mientras que en La Casa Encendida se podrá contemplar la instalación e intervención de Lucia Koch y Marcelo Cidade y la muestra de vídeos de Cao Guimarães así como una serie de actividades musicales.
"Abierto por obras" es el título de la instalación e intervención que las artistas Fernanda Gomes y Carmela Gross mostrarán en el Matadero Madrid, donde también el Colectivo GIA de Salvador de Bahía llevará a cabo una intervención urbana, una serie de encuentros con representantes de seis colectivos españoles y seis colectivos brasileños, además de una muestra fotográfica.
En la Arquería de Nuevos Ministerios se celebrará el seminario "São Paulo 300mm", en el que participarán Mariana Fix, Kazuo Nakano, Fernando de Mello Franco, Juan Freire, Martí Perán, Ecosistema Urbano y Javier Baeza Atienza.
Siete películas brasileñas de los últimos quince años, junto a una programación de cortometrajes y un ciclo de conferencias y debates con cineastas y actores brasileños y españoles forman la programación diseñada por Filmoteca Nacional con motivo de la presencia de Brasil en ARCO.

Fuente: EFE

El Cervantes de Belgrado inauguró una muestra sobre la obra de Santiago Calatrava.

La exposición de fotografía dedicada a la obra en Valencia del arquitecto español Santiago Calatrava, "Orgánico en la obra de Calatrava", de la fotógrafa española Luz Martín, fue inaugurada hoy en la galería del Instituto Cervantes de Belgrado.

"Me interesa mucho su parte orgánica, yo le llamo 'Calatrava orgánico', porque reconozco muchos elementos humanos, partes de animales, que él toma de Gaudí, que es una arquitectura con unas formas muy redondeadas, con espinas, con inspiración en animales y en formas orgánicas", declaró a Efe la fotógrafa.
Y además, matizó Martín, "los elementos como el agua, los azulejos rotos".
"Para mí (Calatrava) es muy mediterráneo, es de mi misma ciudad y visualmente siempre me ha interesado mucho. Me gusta mucho lo blanco de su obra, el revestimiento de azulejo, muy típico de Valencia", agregó.
La exposición, que muestra los edificios diseñados por Calatrava en Valencia, ciudad natal de ambos artistas, terminará en Belgrado el próximo 15 de febrero y después será llevada a las ciudades norteñas serbias de Novi Sad y Zrenjanin y de allí irá a Londres.
El famoso arquitecto diseñó en Valencia la Ciudad de las Artes y las Ciencias con el emblemático edificio de la Ópera, el teatro y pasacalles en un escenario futurista y mediterráneo.
Algunos de los principales proyectos llevados a cabo por Calatrava incluyen, entre otros, el aeropuerto Sondica de Bilbao, la ampliación del Museo del Arte en Milwaukee (EEUU), el Complejo Deportivo Olímpico de Atenas (Grecia) o el "Turning Torso" (Torso en giro), el edificio residencial más alto de Suecia.
Y entres sus proyectos actuales está el "Obelisco de la Caja" en Madrid, que será su primera obra en la capital española y que consiste en una columna de 90 metros de acero y bronce; la Terminal de Transportes en Nueva York, dentro de la reconstrucción del World Trade Center o la Fordham Spire Hill House en Chicago, que será el edificio más alto de EEUU.

Fuente: EFE

DEARTE iniciará el calendario de la temporada de ferias de arte contemporáneo.

Con DEARTE, feria de arte contemporáneo que inaugurará el próximo jueves el ministro de Cultura César Antonio Molina en el Palacio de Congresos, se inicia la intensa actividad que hará que Madrid se convierta en los próximos meses en centro de la creación vanguardista.

Treinta y tres galerías españolas y más de 300 artistas entre jóvenes creadores y nombres consagrados del arte español participarán en la feria que se celebra bajo el lema de "Arte para vivir" y cuyo objetivo es completar la labor de otros certámenes especializados, como ARCO y Estampa, y cubrir un amplio espacio artístico y cultural situándose entre ellas.
Agustín Medina, presidente de la Fundación DEARTE que desde hace tres ediciones organiza la feria, consideró que en su séptima cita con el arte contemporáneo el certamen está consolidado y cumple los objetivos de la fundación que son fomentar el arte español y hacerlo asequible para todos, prestando especial atención a los niños a los que van destinadas algunas de las actividades programadas.
"También los coleccionistas más modestos encontrarán en esta feria cantidad de oportunidades para desarrollar su afición, ya que tendrán acceso a un arte asequible tanto intelectual como económicamente", señaló Medina, para quien en esta cita no hay excentricidades, "sino arte que se pueda entender y que uno se puede llevar a su casa".
Aunque en la pasada edición los resultados fueron muy satisfactorios teniendo en cuenta que se trata de una feria pequeña en cuanto número de expositores- con un volumen de ventas de 800 obras y alrededor de un millón de euros- el director del certamen, Miguel Tugores, insistió en que su oferta se centra en la calidad.
La atención especial que en DEARTE se presta a los niños es una de las características que la hace ser una feria única, según Tugores. De la mano de profesores y expertos del Museo Infantil MUPAI, de la Universidad Complutense de Madrid, los más jóvenes juegan y aprenden.
El director recordó que en la pasada edición la Comunidad de Madrid adquirió obras de artistas jóvenes "ejemplo a seguir por otras instituciones públicas y privadas", e informó que de nuevo en el marco de la feria se concederán una serie de premios.
Las galerías presentarán sus apuestas en el stand de "Jóvenes maestros" y se otorgarán diferentes premios a varias de estas obras, como el "Madrilonia DEARTE", que supone la adquisición del trabajo, "Un Futuro DEARTE", cuyo ganador contará en la próxima edición de la feria con un espacio propio, o el que concederá el Hotel Silken Puerta América, que contempla que el galardonado podrá exponer su obra en las instalaciones y espacios del hotel durante un año.
También será reconocida la trayectoria de un artista veterano con "Una Vida DEARTE", premio otorgado por la Fundación sin ánimo de lucro DEARTE.

Fuente: EFE

Homenajean al artista colombiano Omar Rayo por sus 80 años de vida.

El pintor Omar Rayo, uno de los artistas vivos más importantes de Colombia, fue homenajeado hoy en Roldanillo, su población natal en el departamento del Valle del Cauca, al cumplir 80 años de edad.

Rayo, que sufre quebrantos de salud, también fue distinguido al cumplirse 27 años de actividades del Museo Rayo de Roldanillo, fundado por el artista y que se convirtió en atracción del municipio.
La celebración empezó hoy con una misa campal y la apertura de una exposición antológica de cien cuadros del maestro pintados desde la década de 1960.
Los actos, encabezados por la ministra de Cultura, Paula Marcela Moreno, seguirán durante el sábado y el domingo e incluyen la apertura de una exposición del obras del pintor peruano Fernando de Szyszlo.
La ministra Moreno declaró que "hablar de un artista como Omar Rayo es tan placentero como recorrer su museo, en el que se puede contemplar un acervo de más de 2.100 obras de su autoría".
En la obra de Rayo predominan los grabados de figuras geométricas, algunos de ellos elaborados al calor en la técnica en altorrelieve denominada por él "intaglio".
Omar Rayo vivió varios años en México y Nueva York, fundó en 1981 el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo y tres años más tarde dirigió el proyecto "Arte Vial", una serie de obras de artistas internacionales ubicadas en la carretera entre Roldanillo y Zarzal.

Fuente: EFE

Llega a México el Museo Nómada de fotografía del canadiense Gregory Colbert.

El Museo Nómada que expone la obra del fotógrafo canadiense Gregory Colbert, que explora "la interacción natural entre el hombre y los animales", llegó hoy al zócalo de la Ciudad de México.

La obra "Ashes and snow" (Cenizas y nieve) es fruto de más de 17 años de trabajo y diversas expediciones por India, Egipto, Birmania, Sri Lanka, Kenia, Etiopía, Namibia, Tonga, Las Azores, la Antártida, Borneo y Ecuador, explicó hoy el artista a la prensa.
El Museo Nómada (Nomadic Museum) ocupa 5.600 metros cuadrados, la mitad del espacio donde está situado, el zócalo capitalino, una de las plazas más grandes del mundo, epicentro de movimientos políticos del país y donde permanecerá abierto hasta el próximo 27 de abril.
Colbert (Toronto, 1960) confía en que esta plaza, en ocasiones un "lugar de conflicto", con la exposición se convierta en un espacio de "unión y armonía".
"Este es un museo demócrata, para todo el pueblo mexicano", dijo Colbert, al recordar que "la naturaleza no es ni de izquierda, ni de derecha, ni de centro. Trasciende a esas cosas".
El edificio, diseñado por el arquitecto colombiano Simón Vélez, está hecho de bambú y materiales reciclables y se compone de dos galerías y de tres teatros distintos.
En las galerías cuelgan 53 fotografías a gran escala sobre salientes de agua y columnas de bambú, así como tres pantallas con imágenes que Colbert filmó en 35 milímetros.
Según el fotógrafo, los animales no posaron para su lente, sino que "colaboraron", y ninguna imagen fue montada digitalmente ni superpuesta.
Cada fotografía se imprimió sobre un papel de arroz japonés, hecho a mano y con tonos sepia, mide aproximadamente 3,5 por 2,5 metros, y está montada sin texto explicativo para que así el espectador interactúe con la obra.
La pantalla principal para la proyección de las películas mide 11 metros de ancho por 6,5 de alto, y las otras dos tienen unas dimensiones de 4,9 metros de ancho por casi 3 de alto.
La capital mexicana es la quinta ciudad que se exhibe esta muestra, después de Venecia (Italia), Nueva York, Tokio y Santa Mónica (California, Estados Unidos).
Los organizadores confían en que en Ciudad de México se rompan todos los récords de visitas, ya que esperan a más de un millón de espectadores en estos tres meses.
Colbert anunció también que pasará los próximos seis meses en México, durante las cuales realizará cinco expediciones por todo el país para crear nuevo material e incluirlo en la próxima muestra.

Fuente: EFE