Un empresario espera ganar más de 270.000 euros con un grafiti de Banksy.

Un empresario británico del sector audiovisual confía en ganar más de 270.000 euros con la venta por internet de un grafiti del misterioso artista conocido sólo por su seudónimo de Banksy.

El grafiti, pintado en la pared de una productora en la calle Portobello Road, de Londres, muestra a un pintor de aire bohemio con una paleta en la mano que escribe con los grandes e irregulares caracteres propios de esas pintadas callejeras la palabra "Banksy".
Una mañana de domingo del pasado septiembre alguien colocó sin avisar un andamio junto al muro de la sede de la empresa de Luti Fagbenie y, cuando unas horas más tarde quitaron el andamio, apareció la obra de Banksy.
Con indudable vista para el negocio, Fagbenie cubrió con un plástico el grafiti y lo ofreció en internet a través de eBAy.
Según la BBC, hasta ahora se han recibido 68 ofertas por esa obra, de las que la mejor supera las 207.000 libras (unos 272.000 euros).
Aunque el artista, que ha sabido explotar como nadie el anonimato, no ha hecho ningún comentario sobre el negocio que supone la venta de ese trabajo callejero, un representante suyo confirmó que es auténtico.
Es muy poco lo que se sabe de Banksy aunque se cree que nació en 1974 cerca de Bristol, ciudad donde comenzó su actividad de grafitero a finales de los ochenta como parte de un grupo conocido como "DryBreadZ Crew".
Sus grafiti son con frecuencia mensajes abiertamente políticos, de carácter anárquico y provocador, con una fuerte carga de humor y subversivos del orden establecido.
Con frecuencia utiliza imágenes icónicas muy conocidas, muchas veces de la propia historia del arte, que manipula para darle un sentido muchas veces contrario al original.
Su obra ha crecido en popularidad desde que comenzaron a coleccionarla famosos del espectáculo como Brad Pitt o Christina Aguilera y Banksy recurrió a otros medios más tradicionales sin abandonar empero los grafiti.
En febrero del 2007, la casa de subastas Sotheby's vendió en Londres tres obras de Banksy y la titulada "Bombing Little England" alcanzó el precio más alto pagado hasta entonces por una pieza suya, 102.000 libras (134.000 euros al cambio de hoy).
En abril de ese mismo año, otra obra suya titulada "Space Girl & Bird" (Muchacha Espacial y Pájaro) estableció otro récord al venderse por 288.000 libras (378.000 euros) -veinte veces el precio estimado- en Bonhams, otra casa de subastas de la capital británica.

Fuente: EFE

El mexicano Montiel Klint acerca el humor negro que pinta con luz a Fotoencuentros en Murcia.

El artista mexicano Fernando Montiel Klint inauguró hoy su exposición "Espacio confinado" en el festival internacional de fotografía Fotoencuentros, de Murcia, al que ha traído el humor negro que dijo pintar con luz en sus imágenes, relativas "a la neurosis consumista y a las adicciones humanas".

En rueda de prensa, Montiel Klint, que expone en la sección oficial del certamen organizado por la fundación Cajamurcia y dedicado este año a los mundos creados con fotografías escenificadas, dijo que le interesa "captar los espacios interiores que abren la lectura" de sus imágenes, todas ellas "muy barrocas y con iconos contemporáneos que tienen mucho de cine y de pintura".
Realizadas en Ciudad de México y en otras provincias de este país durante dos años, tienen dos planos de lectura, uno que agrada y otro que desagrada, añadió, pero siempre con humor negro: "Sin humor no hay vida, no hay nada", asegura ante las "muy calculadas" escenografías que muestra en el Colegio de Arquitectos de Murcia.
Sus 20 imágenes están repletas de objetos de consumo, incluso las personas que en ellas aparecen son consideradas por el autor como tales, lo que le sirve "para construir parte del discurso sobre la cultura como consumo y la publicidad con la que nos invaden medios como la televisión".
Por su parte, el fotógrafo almeriense residente en Sevilla Rafael Perezcortés, que también inauguró hoy en el festival su muestra "Las mil y una hora", señaló que sus 35 fotos "juegan con el azar y el destino", usando como motivos relojes en los que los números de las horas son borrados por insectos, y personas "con mascarillas de preservación inútiles como expresión de la vulnerabilidad humana".
Dijo inspirarse en hechos violentos reales como las dos guerras mundiales, la de Irak, el atentado del 11-M en Madrid, la bomba atómica de Hiroshima, el conflicto palestino-israelí en Gaza, los feminicidios de Ciudad Juárez (México) o la matanza de 32 personas en la escuela estadounidense de Columbine, toponímicos éstos que sustituyen a los de la marca de los relojes surcados por insectos.

Fuente: EFE

Los pintores españoles Quejido y Gordillo se llevan su diálogo a La Habana.

Los pintores españoles Manuel Quejido y Luis Gordillo han trasladado a La Habana el particular "diálogo" que, según dicen, sostienen a través del arte, con una exposición conjunta que se muestra a partir de esta semana en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

La famosa obra de Quejido "Sin salida", latas de refresco convertidas en un multicolor mosaico de tótem, y una selección de 24 imágenes de su obra "El taco", compuesta por más de 400 piezas, están entre los trabajos que permanecerán en la isla hasta marzo, después de pasar por México y Venezuela.
Más allá de estar unidos por el hecho de ser ambos sevillanos radicados en Madrid, Quejido explicó a periodistas que con Gordillo, Premio Nacional Velázquez 2007, lo une una relación "muy especial", un intercambio al estilo "Matisse-Picasso".
"De algún modo seguimos en diálogo (...) él ha visto cosas mías, de algún modo nos contestamos", apuntó el pintor y añadió que tras conocer el arte de Gordillo tuvo "una especie de impronta, de sensación" de la pintura como experiencia estética que lo hizo su referente y lo llevó a plantearse una vuelta a la pintura.
Además, según confesó Quejido, su compañero compró las primera obras que vendió y de hecho dos de las piezas con su firma que incluye esta exposición son propiedad de Gordillo.
"Emocionadísimo" y "con los pelos de punta", Quejido relató el miércoles, en la inauguración de la muestra, que emprendió el viaje a Cuba por una "corazonada", echando a un lado su resistencia a "cruzar el charco" con el objetivo de acompañar la exhibición de 16 obras que auspicia la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX).
La selección, que tendrá su última parada en Brasil, dispone de forma intercalada los cuadros de los artistas y tiene como objetivo mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias formales, tienen una misma forma de entender el arte, según explicó a Efe el director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y comisario de la muestra, José Lebrero.
Lebrero apuntó que la idea de unirlos en una exposición permitía informar sobre la producción artística de Andalucía, pero también mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias generacionales, son "rebeldes", "eminentemente creadores" y "críticos frente a los discursos hegemónicos de su tiempo".
Con pocos ánimos para viajar y entregado totalmente a su trabajo, Quejido explicó que su viaje de cuatro días a La Habana estuvo cifrado por "eso que llamamos con una palabra que es corazón, es una corazonada, es un decir (...) no puede ser que no vaya".
"De Cuba desearía, con todo lo que me está dando, llevarme un buen taco de banderines de la bandera cubana", señaló Quejido en un texto hecho para la inauguración y que se negó a leer.
Respaldado por "En forma de fábula", uno de los enormes lienzos de Gordillo que integra la muestra, Quejido escuchó en silencio la lectura del mensaje, donde apuntó que se resiste a hablar en público desde que comenzó a escribir hace 10 años un texto de 23 folios y que si habla, "no podría ya parar de hablar".
Los banderines cubanos, dijo, se usarán como "respetado soporte" en un futuro trabajo sobre "la cuestión del mítico seminario de filosofía de Cruces" (asociación cultural con sede en Madrid que él ayudó a fundar), y que cuestiona "qué hacer hoy en día con nuestro deseo de revolución".
"Me voy con muchas cosas a las que voy a tener que darles vueltas", añadió.

Fuente: EFE

ARCO. La creación brasileña inundará los espacios artísticos madrileños.

La presencia de Brasil como país invitado en la feria de arte contemporáneo ARCO se extenderá por diferentes centros artísticos de Madrid, en los que se podrá contemplar la creación brasileña más actual.

La Sala Alcalá 31, bajo el título "Contradictorio-Panorama del Arte Brasileño" exhibirá una muestra de la XXX edición de la exposición "Panorama da Arte Brasileira", que cada dos años organiza el Museo de Arte Moderno de São Paulo.
La exposición plantea la expresión "Arte brasileño" en un ambiente donde se constata una acelerada internacionalización de la producción simbólica. Las obras de alrededor de treinta artistas en actividad, seleccionadas por el comisario Moacir dos Anjos, cuestionan lo que se considera propio de un lugar así como la idea de pertenencia.
"Coordenadas y apariciones", en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, muestra el proyecto en el que José Damasceno plantea distintas intervenciones creadas específicamente para los espacios públicos del edificio (pasillos, escaleras, jardín, patio, fachada, tienda de regalos y biblioteca), saliendo así del concepto ortodoxo de las salas de exposiciones.
Es ésta la primera vez que el museo ofrece un proyecto concebido en su totalidad a modo de diálogo entre los espacios, el arte y el visitante que transita fuera del marco expositivo. La muestra se compone de un total de nueve intervenciones que tienen en común "generar otros espacios a partir de los encontrados", según Damasceno.
El Departamento de Audiovisuales del Reina Sofía, bajo la dirección de la comisaria Berta Sichel y con la asesoría de Maria Helena Leitão y Raquel Hallak, ha organizado el ciclo "Braaaasiiiil" que abordará una amplia gama de temas del universo de la sociedad brasileña global y contemporánea.
De un total de 17 películas, entre largos y cortos, destacan "Diário de Cintra" (2007), de Paula Gaitán, y "Brilhante" (2003), de Conceição Senna, filmes documentales sobre realizadores clave dentro de la cultura brasileña.
Dominique Drefuys e Yves Billon realizan "Brasil: a revolução tropicalista" (2002) que investiga el fenómeno del tropicalismo, detonador de una revolución de las costumbres, del pensamiento y de la idea misma de identidad brasileña.
Además de los filmes, se proyectará un ciclo de vídeo comisariado por Vitoria Daniela Bousso (directora del Paço das Artes, São Paulo) que reunirá a un grupo de catorce creadores de vídeo brasileño.
El concierto de Jorge Antunes, realizado en colaboración con el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, y dos performances completan la programación del Reina Sofía.
El Canal Isabel II acogerá la muestra fotográfica y de vídeo arte "Suspensión y Fluidez" concebida especialmente para estos espacios por las artistas Rosângela Rennó y Eder Santos, mientras que en La Casa Encendida se podrá contemplar la instalación e intervención de Lucia Koch y Marcelo Cidade y la muestra de vídeos de Cao Guimarães así como una serie de actividades musicales.
"Abierto por obras" es el título de la instalación e intervención que las artistas Fernanda Gomes y Carmela Gross mostrarán en el Matadero Madrid, donde también el Colectivo GIA de Salvador de Bahía llevará a cabo una intervención urbana, una serie de encuentros con representantes de seis colectivos españoles y seis colectivos brasileños, además de una muestra fotográfica.
En la Arquería de Nuevos Ministerios se celebrará el seminario "São Paulo 300mm", en el que participarán Mariana Fix, Kazuo Nakano, Fernando de Mello Franco, Juan Freire, Martí Perán, Ecosistema Urbano y Javier Baeza Atienza.
Siete películas brasileñas de los últimos quince años, junto a una programación de cortometrajes y un ciclo de conferencias y debates con cineastas y actores brasileños y españoles forman la programación diseñada por Filmoteca Nacional con motivo de la presencia de Brasil en ARCO.

Fuente: EFE

El Cervantes de Belgrado inauguró una muestra sobre la obra de Santiago Calatrava.

La exposición de fotografía dedicada a la obra en Valencia del arquitecto español Santiago Calatrava, "Orgánico en la obra de Calatrava", de la fotógrafa española Luz Martín, fue inaugurada hoy en la galería del Instituto Cervantes de Belgrado.

"Me interesa mucho su parte orgánica, yo le llamo 'Calatrava orgánico', porque reconozco muchos elementos humanos, partes de animales, que él toma de Gaudí, que es una arquitectura con unas formas muy redondeadas, con espinas, con inspiración en animales y en formas orgánicas", declaró a Efe la fotógrafa.
Y además, matizó Martín, "los elementos como el agua, los azulejos rotos".
"Para mí (Calatrava) es muy mediterráneo, es de mi misma ciudad y visualmente siempre me ha interesado mucho. Me gusta mucho lo blanco de su obra, el revestimiento de azulejo, muy típico de Valencia", agregó.
La exposición, que muestra los edificios diseñados por Calatrava en Valencia, ciudad natal de ambos artistas, terminará en Belgrado el próximo 15 de febrero y después será llevada a las ciudades norteñas serbias de Novi Sad y Zrenjanin y de allí irá a Londres.
El famoso arquitecto diseñó en Valencia la Ciudad de las Artes y las Ciencias con el emblemático edificio de la Ópera, el teatro y pasacalles en un escenario futurista y mediterráneo.
Algunos de los principales proyectos llevados a cabo por Calatrava incluyen, entre otros, el aeropuerto Sondica de Bilbao, la ampliación del Museo del Arte en Milwaukee (EEUU), el Complejo Deportivo Olímpico de Atenas (Grecia) o el "Turning Torso" (Torso en giro), el edificio residencial más alto de Suecia.
Y entres sus proyectos actuales está el "Obelisco de la Caja" en Madrid, que será su primera obra en la capital española y que consiste en una columna de 90 metros de acero y bronce; la Terminal de Transportes en Nueva York, dentro de la reconstrucción del World Trade Center o la Fordham Spire Hill House en Chicago, que será el edificio más alto de EEUU.

Fuente: EFE

DEARTE iniciará el calendario de la temporada de ferias de arte contemporáneo.

Con DEARTE, feria de arte contemporáneo que inaugurará el próximo jueves el ministro de Cultura César Antonio Molina en el Palacio de Congresos, se inicia la intensa actividad que hará que Madrid se convierta en los próximos meses en centro de la creación vanguardista.

Treinta y tres galerías españolas y más de 300 artistas entre jóvenes creadores y nombres consagrados del arte español participarán en la feria que se celebra bajo el lema de "Arte para vivir" y cuyo objetivo es completar la labor de otros certámenes especializados, como ARCO y Estampa, y cubrir un amplio espacio artístico y cultural situándose entre ellas.
Agustín Medina, presidente de la Fundación DEARTE que desde hace tres ediciones organiza la feria, consideró que en su séptima cita con el arte contemporáneo el certamen está consolidado y cumple los objetivos de la fundación que son fomentar el arte español y hacerlo asequible para todos, prestando especial atención a los niños a los que van destinadas algunas de las actividades programadas.
"También los coleccionistas más modestos encontrarán en esta feria cantidad de oportunidades para desarrollar su afición, ya que tendrán acceso a un arte asequible tanto intelectual como económicamente", señaló Medina, para quien en esta cita no hay excentricidades, "sino arte que se pueda entender y que uno se puede llevar a su casa".
Aunque en la pasada edición los resultados fueron muy satisfactorios teniendo en cuenta que se trata de una feria pequeña en cuanto número de expositores- con un volumen de ventas de 800 obras y alrededor de un millón de euros- el director del certamen, Miguel Tugores, insistió en que su oferta se centra en la calidad.
La atención especial que en DEARTE se presta a los niños es una de las características que la hace ser una feria única, según Tugores. De la mano de profesores y expertos del Museo Infantil MUPAI, de la Universidad Complutense de Madrid, los más jóvenes juegan y aprenden.
El director recordó que en la pasada edición la Comunidad de Madrid adquirió obras de artistas jóvenes "ejemplo a seguir por otras instituciones públicas y privadas", e informó que de nuevo en el marco de la feria se concederán una serie de premios.
Las galerías presentarán sus apuestas en el stand de "Jóvenes maestros" y se otorgarán diferentes premios a varias de estas obras, como el "Madrilonia DEARTE", que supone la adquisición del trabajo, "Un Futuro DEARTE", cuyo ganador contará en la próxima edición de la feria con un espacio propio, o el que concederá el Hotel Silken Puerta América, que contempla que el galardonado podrá exponer su obra en las instalaciones y espacios del hotel durante un año.
También será reconocida la trayectoria de un artista veterano con "Una Vida DEARTE", premio otorgado por la Fundación sin ánimo de lucro DEARTE.

Fuente: EFE

Homenajean al artista colombiano Omar Rayo por sus 80 años de vida.

El pintor Omar Rayo, uno de los artistas vivos más importantes de Colombia, fue homenajeado hoy en Roldanillo, su población natal en el departamento del Valle del Cauca, al cumplir 80 años de edad.

Rayo, que sufre quebrantos de salud, también fue distinguido al cumplirse 27 años de actividades del Museo Rayo de Roldanillo, fundado por el artista y que se convirtió en atracción del municipio.
La celebración empezó hoy con una misa campal y la apertura de una exposición antológica de cien cuadros del maestro pintados desde la década de 1960.
Los actos, encabezados por la ministra de Cultura, Paula Marcela Moreno, seguirán durante el sábado y el domingo e incluyen la apertura de una exposición del obras del pintor peruano Fernando de Szyszlo.
La ministra Moreno declaró que "hablar de un artista como Omar Rayo es tan placentero como recorrer su museo, en el que se puede contemplar un acervo de más de 2.100 obras de su autoría".
En la obra de Rayo predominan los grabados de figuras geométricas, algunos de ellos elaborados al calor en la técnica en altorrelieve denominada por él "intaglio".
Omar Rayo vivió varios años en México y Nueva York, fundó en 1981 el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo y tres años más tarde dirigió el proyecto "Arte Vial", una serie de obras de artistas internacionales ubicadas en la carretera entre Roldanillo y Zarzal.

Fuente: EFE

Llega a México el Museo Nómada de fotografía del canadiense Gregory Colbert.

El Museo Nómada que expone la obra del fotógrafo canadiense Gregory Colbert, que explora "la interacción natural entre el hombre y los animales", llegó hoy al zócalo de la Ciudad de México.

La obra "Ashes and snow" (Cenizas y nieve) es fruto de más de 17 años de trabajo y diversas expediciones por India, Egipto, Birmania, Sri Lanka, Kenia, Etiopía, Namibia, Tonga, Las Azores, la Antártida, Borneo y Ecuador, explicó hoy el artista a la prensa.
El Museo Nómada (Nomadic Museum) ocupa 5.600 metros cuadrados, la mitad del espacio donde está situado, el zócalo capitalino, una de las plazas más grandes del mundo, epicentro de movimientos políticos del país y donde permanecerá abierto hasta el próximo 27 de abril.
Colbert (Toronto, 1960) confía en que esta plaza, en ocasiones un "lugar de conflicto", con la exposición se convierta en un espacio de "unión y armonía".
"Este es un museo demócrata, para todo el pueblo mexicano", dijo Colbert, al recordar que "la naturaleza no es ni de izquierda, ni de derecha, ni de centro. Trasciende a esas cosas".
El edificio, diseñado por el arquitecto colombiano Simón Vélez, está hecho de bambú y materiales reciclables y se compone de dos galerías y de tres teatros distintos.
En las galerías cuelgan 53 fotografías a gran escala sobre salientes de agua y columnas de bambú, así como tres pantallas con imágenes que Colbert filmó en 35 milímetros.
Según el fotógrafo, los animales no posaron para su lente, sino que "colaboraron", y ninguna imagen fue montada digitalmente ni superpuesta.
Cada fotografía se imprimió sobre un papel de arroz japonés, hecho a mano y con tonos sepia, mide aproximadamente 3,5 por 2,5 metros, y está montada sin texto explicativo para que así el espectador interactúe con la obra.
La pantalla principal para la proyección de las películas mide 11 metros de ancho por 6,5 de alto, y las otras dos tienen unas dimensiones de 4,9 metros de ancho por casi 3 de alto.
La capital mexicana es la quinta ciudad que se exhibe esta muestra, después de Venecia (Italia), Nueva York, Tokio y Santa Mónica (California, Estados Unidos).
Los organizadores confían en que en Ciudad de México se rompan todos los récords de visitas, ya que esperan a más de un millón de espectadores en estos tres meses.
Colbert anunció también que pasará los próximos seis meses en México, durante las cuales realizará cinco expediciones por todo el país para crear nuevo material e incluirlo en la próxima muestra.

Fuente: EFE