Tres artistas españoles montan "Jaleo" en Pekín.

Tres artistas españoles que viven y trabajan en Pekín -el zaragozano Jorge Usán, el castellonense Ramón Roig y el guipuzcoano Judas Arrieta- inauguraron hoy en las afueras de Pekín la exposición "Jaleo", en la que mostraron obras con las que reflejan cómo la cultura china ha influido en su devenir artístico.

La exposición, que además muestra obras del chileno Matías Kranh (también residente en Pekín), es pare del III Festival de Arte de Songzhuang, un pueblo al este de Pekín que se ha convertido en una suerte de Montmartre pequinés, pues en él viven decenas de artistas y ya se han construido en él numerosas galerías.
Los cuatro españoles se han aventurado a vivir en Pekín contagiados por el enorme número de "pueblos de artistas" que han nacido en los últimos años en las afueras, y entusiasmados por una urbe que es el centro del arte chino contemporáneo, llena de contradicciones y, por tanto, de inspiraciones para crear.
"Me gusta moverme dentro de este caos. La ciudad a veces se te come, es un jaleo", explica a Efe Jorge Usán, desvelando así una de las razones para el título de la exposición.
El zaragozano asegura que España es para él un sitio "muy plano" y dijo que prefiere un lugar en el que "muevan algo de tu interior": según él, China es el país ideal para ello, enfrascado en una época de cambio que suele irle bien a la creación artística.
Aunque Usán presenta en esta colección una serie con una temática muy española, llamada "El Paseíllo", usa técnicas chinas (tinta sobre blanco) acompañadas de algún que otro objeto desperdigado en el lienzo (pepitas de sandía y cajas de cerillas) para describir el mundo taurino y el ambiente que le rodea.
Ramón Roig, por su parte, presenta en la exposición obras en las que muestra su admiración por el arte tradicional de Oriente, a través de sus "bellezas tecno", en las que dibuja a bellas mujeres chinas -un motivo muy popular en las antiguas acuarelas chinas- pero transformadas por la tecnología moderna.
El pintor de Oropesa del Mar asegura que le fascina el arte chino "que desde los orígenes continúa evolucionando", y en cambio le chocan aquellos artistas del país asiático que intentan copiar lo occidental, obteniendo resultados para él "chocantes".
Roig, que también presenta su serie "Mrs Protenomic" y se atreve a pintar borgianos Alephs, llegó a Pekín en marzo, atraído según él por la vitalidad del arte de esa ciudad, que no encontró en otras metrópolis más cosmopolitas como Shanghai o Hong Kong.
Judas Arrieta, natural de Hondarribia, presenta por su parte la serie "Manhua-Sunwukong-Xiyouji", en la que transforma tres edredones tradicionales chinos -adornados con dragones y deseos de felicidad para los matrimonios que bajo ellos duermen- en lienzos para plasmar en ellos lo que a él le ha impactado de China.
"Mi idea al principio era convertirme en un artista 'chino'. Sé que es imposible, pero juego con esa idea", asegura el pintor vasco, quien usa muchos motivos orientales, según cuenta, "para que hagan de pequeños 'anzuelos' para el espectador chino y le provoquen".
Arrieta, como sus compañeros, considera a China "un lugar muy interesante para producir y trabajar, con muchas galerías y precios asequibles" a la hora, por ejemplo, de alquilar un estudio.
La exposición hispano-chilena ha sido organizada por la galerista china Wang Chunyan, quien también les ha preparado una segunda exposición el próximo sábado día 10: llevará por título "Jaleo-Ma" y mostrará de forma similar la pasión de los cuatro artistas hispanohablantes por el caos pequinés.

Fuente: EFE

El pintor francés Christophe Prat, primer premio del Salón de Plasencia.

Christophe Prat, un pintor de origen francés residente en Madrid, con la obra "M.2007,3", ha obtenido el primer premio del XXIX Salón de Otoño de Pintura de Plasencia, promovido por la entidad Caja de Extremadura para artistas de la Unión Europea e Iberoamérica, y dotado con 30.000 euros.

El galardón, denominado "Caja de Extremadura" ha sido entregado esta noche por el presidente de la entidad financiera, Jesús Medina, en el transcurso del acto oficial de publicación del fallo e inauguración de la exposición del XIX Salón de Otoño de Pintura, que tuvo lugar en la iglesia de San Martín de Plasencia (Cáceres).
El jurado de la presente edición ha estado compuesto por Juan Manuel Bonet, Martín Chirino, Tomás Paredes, José María Viñuela y José María Luna.
Además del primer premio, y según se ha dado a conocer en el acto de difusión del fallo, el jurado, de acuerdo con lo estipulado en las bases del certamen, ha propuesto a la Caja de Extremadura la adquisición de un total de cuatro obras presentadas a concurso, por un importe total de 33.000 euros.
Estas obras son "666.000 euros", de la que es autora Chus García Fraile, de Madrid; "Exterior 2004", de Thomas Jocher, natural de Saalfelden (Austria); "Verde pequeña madera", de Ruth Morán, de Badajoz; y "El día del Señor", obra de Paco Pomet, de Granada.
El autor de la obra ganadora, Christophe Prat, ha destacado que en su obra -acrílicos sobre tela- no hay figuración y no cuenta historias "sino que busca la belleza", y ha añadido que el cuadro "se ha hecho para mirar y para sentirlo".

Fuente: EFE

La Fundación de las Artes y los Artistas entrega los premios de la II Edición.

La Fundación de las Artes y los Artistas entregará esta noche al pintor Golucho y al escultor José Belmonte los premios correspondientes a la II edición del Concurso de Pintura y Escultura Figurativas.

En un acto que se celebrará en el Museo Thyssen-Bornemisza se podrán contemplar junto a las obras galardonadas las siete menciones de honor y treinta obras seleccionadas, entre las más de ochocientas presentadas, por un jurado compuesto por figuras del mundo del arte como Antonio López, Eduardo Naranjo, Manuel Parralo, Antonio Zambrana Lara o Julio López Hernández.
En esta segunda edición, en la que la dotación económica es de 200.000 euros destinados a premios y adquisición de obras, el ganador ha sido Golucho con su obra "Retrato de insomnio" y José Manuel Belmonte con "Hombre Pájaro".
La Fundación de las Artes y los Artistas es una entidad sin ánimo de lucro que nació a finales de 2005 de la mano del arquitecto José Manuel Infiesta con el objetivo de promover y fomentar el arte figurativo moderno y contemporáneo a través de varias vías, entre las que se encuentra la convocatoria de este concurso.

Fuente: EFE

Art Basel Miami Beach presentará una nueva sección con veinte galerías.

Art Basel Miami Beach, una de las principales ferias internacionales de arte moderno y contemporáneo, presentará este año una nueva sección que exhibirá una amplia colección de obras recién salidas de los talleres.

"Art Supernova" contará con veinte galerías de Alemania, Brasil, China, Dinamarca, Estados Unidos, Gran Bretaña, Italia, Noruega y Polonia, que mostrarán trabajos recientes de artistas emergentes que son parte de sus catálogos, informaron hoy los organizadores.
Art Basel Miami Beach, la hermana estadounidense de Art Basel en Suiza que es la exposición de arte anual más importante del mundo, abrirá sus puertas del 6 al 9 de diciembre próximo, en el sur del estado de Florida.
Se espera la participación de unas 200 galerías de Asia, America Latina, África, Europa y Norteamérica, que mostrarán las obras de cerca de 1.500 artistas.
La nueva sección fue concebida por el experimentado curador Simon Lamunière y el reconocido artista austríaco de los nuevos medios, Peter Kogler, encargado de crear un trabajo específicamente para esta área.
Su montaje digital de diversos motivos y bucles interrelacionados se imprimirá sobre una película plástica especial y se expondrá en el pasillo que lleva a «Art Supernova», la cual estará ubicada en un espacio separado adyacente a los salones de exhibición en el Miami Beach Convention Center.
Las prácticas pictóricas y gráficas que Kogler utiliza en su pieza basan su efecto en variaciones generadas por computadora de módulos emblemáticos activados por cambios de secuencia, emplazamiento y dimensión.
El concepto de "Art Supernova" ofrece una forma alternativa de presentación de galerías en el contexto de una exposición de arte, ya que en lugar de que cada galería tenga su pabellón, los expositores contarán con espacios de exhibición interconectados y un área de almacenamiento común.
También tendrán instalaciones compartidas para presentar trabajos sobre papel, vídeos, archivos de artistas, libros y catálogos. Además de un espacio colectivo de oficinas y una cafetería.
Entre las galerías y artistas que participarán en esta nueva sección están Art: Concept de Francia, Philippe Perrot y Gedi Sibony; Bortolami Gallery, Nueva York; The Breeder Projects, Grecia; Punto Gris de Puerto Rico, Dzine, Katie Holten y Mamiko Otsubo; y Marília Razuk Galería de Arte de Sao Paulo, Brasil, que presentará a Cabelo, Caetano Dias y Rodrigo Andrade.
Otra de las novedades de este año es la sociedad entre Art Basel, Art Basel Miami Beach y Cartier, una de las principales empresas de artículos de lujo, que creará el Cartier Dome en el Miami Beach Botanical Garden para albergar una colección de joyas y en donde se organizarán eventos en honor a las personalidades del mundo del arte.

Fuente: EFE

Guggenheim Bilbao muestra la obra reciente de doce jóvenes artistas vascos.

El Museo Guggenheim de Bilbao exhibirá desde mañana y hasta el próximo 17 de enero la exposición "Chacun á son goût" (Cada uno a su gusto) con obras creadas para la ocasión
por doce artistas vascos y con la que se completa la programación especial diseñada para celebrar el décimo aniversario del museo.
El director del Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, resaltó hoy, en una conferencia de prensa en la que presentó la muestra, que la exposición dedicada al arte vasco más actual pretende reflejar "una de las diferentes caras de la personalidad de la pinacoteca bilbaína, en este caso la más cercana, tanto en el sentido geográfico como temporal".
En la exposición participan los bilbaínos Aitor Ortiz, Ixone Sádaba y Abigail Lazkoz; los guipuzcoanos Ibon Aranberri, Maider López, Asier Mendizabal, Itziar Okariz, Sergio Prego y Juan Pérez Aguirregoikoa; el navarro Clemente Bernard, el santanderino Manu Arregui y la mexicana Elssie Ansareo.
Vidarte opinó que la comisaria de la exposición, Rosa Martínez, licenciada en Historia del Arte por la Universidad del Barcelona, "ha conseguido montar una muestra muy interesante que cumple el deseo del museo de proyectar hacia el exterior la realidad del arte vasco contemporáneo".
Recordó que es la quinta exposición que el Guggenheim bilbaíno dedica a artistas vascos (tres de ellas fueron monográficas, y las otras dos, entre las que se incluye la presentada hoy, colectivas),
de las 54 programadas en sus diez primeros años de andadura.
La comisaria de la muestra, Rosa Martínez, explicó que, a la hora de conformar la propuesta sobre el arte vasco más actual, el criterio que utilizó para elegir a los artistas fue el de que
hablasen "de las especificidades del lugar del que provienen, utilizando lenguajes artísticos internacionales".
La exposición, argumentó, aporta una visión del arte vasco desde la pluralidad de lenguajes artísticos, aunque con un claro predominio del fotográfico en sus diferentes estilos (desde el
documental o periodístico, al retrato o al fenomenológico) ya que es el utilizado por cuatro de los 12 artistas seleccionados: Elssie Ansareo, Clemente Bernard, Aitor Ortíz e Ixone Sádaba.
La nómina de lenguajes y estilos artísticos empleados en la exposición se completa con el mural (Abigail Lazkoz), el vídeo (Manu Arregui), el grito (Itziar Okariz), la pancarta y el dibujo (Juan
Pérez), la instalación escultórica (Maider López y Sergio Prego), el fuego (Asier Mendizabal) y las banderolas (Ibon Aranberri).

Fuente: EFE.

Viva la Muerte! explora la relación entre el mundo latino y la muerte.

¿La cultura de la muerte o la muerte en la cultura? Una exposición en Viena reúne obras de varios de los más prestigiosos artistas españoles y latinoamericanos contemporáneos en "¡Viva la Muerte!", que reflexiona sobre la violencia y la relación con la muerte en la sociedades hispánicas.

"¡Viva la Muerte! ofrece artistas que usan el culto, el ritual y la metáfora de la muerte como punto de partida para la exploración de estéticas personales", indica el catálogo de la exposición que se inaugura hoy en la Kunsthalle de Viena.
La exposición se divide en "obras sobre los rituales de la muerte -especialmente en México-, el uso de la muerte como instrumento de la violencia política y los crímenes anónimos en latinoamericana", dijo a Efe el comisario de la muestra, Thomas Miessgang.
La muestra reúne obras de 23 artistas de indudable prestigio como los españoles Santiago Sierra y Cristina García-Rodero, el brasileño Cildo Meireles, el colombiano Juan Manuel Echavarría y la mexicana Teresa Margolles.
Las formas y los enfoques con los que los creadores afrontan la muerte y la violencia en su obra es diversa -su arte se plasma en vídeos, instalaciones, fotografías, esculturas o lienzos-, pero a todos les une la crítica social.
El artista belga residente en México Francis Alÿs es el primero en recibir al visitante de la exposición con un vídeo en el que pasea con una pistola por Ciudad de México antes de ser detenido.
La proyección se divide en dos: una en la que muestra la detención real hecha por la policía y un simulacro, en un intento de reflexionar sobre el sentido de la violencia en la realidad y la ficción.
El colombiano Juan Manuel Echavarría presenta una serie conceptual de 32 fotografías en blanco y negro en la que huesos humanos son representadas con formas de flores botánicas.
Gran parte de la obras trata de denunciar atrocidades políticas y sociales como el vídeo "¿Quién puede borrar las huellas?", de la guatemalteca Regina José Galindo, ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia de Arte en 2005 en la categoría de artista joven.
Galindo lleva una palangana llena de sangre que cada cierto tiempo deja en el suelo para introducir sus pies, y luego deja sus huellas rojas en el tramo que va desde el Tribunal Constitucional hasta el Palacio Nacional de Guatemala, en una crítica contra la dictadura de Efraín Ríos Montt (1982-1983).
Entre las piezas que forman la muestra se puede encontrar una instalación de Cildo Meireles, figura mayor del arte brasileño, en la que se representan huesos humanos que parecen flotar sobre un suelo cubierto de monedas y obleas de comunión para denunciar la conexión entre poder, espiritualidad y muerte.
Otras de las piezas de la exposición están dedicadas al culto a la "Santa Muerte" en México, con esculturas de Pedro Reyes y fotografías de Stephan Lugbauer.
Los devotos de la Muerte empezaron siendo presidiarios, criminales o narcotraficantes que piden la muerte de sus enemigos, pero su culto se ha extendido de tal manera que ya no conoce de barreras sociales.
México, con sus "panes de muerto" por el Día de los Muertos, una festividad que coincide con el Día de Todos los Santos y tiene raíces prehispánicas, es uno de los países destacados en la exposición.
El sincretismo, la pervivencia de cultos precolombinos, el rigor del catolicismo hispano, la violencia durante la Conquista y algunas tradiciones traídas por los esclavos africanos son algunos de los motivos que utilizó Miessgang para explicar la aceptación de la muerte.
También se destacan las fotografías de la prensa de "nota roja" de Enrique Metinides, en la que se muestran con frialdad el rastro de la destrucción en las víctimas de accidentes de tráfico, electrocuciones, ahogos y suicidios.
La española Cristina García-Rodero, Premio Nacional de Fotografía en España, está presentada por algunas de las fotografías de su serie "España Oculta" en la que refleja su austera visión de algunas tradiciones religiosas españolas de la Semana Santa.
El polémico artista español Santiago Sierra muestra un vídeo titulado "3.000 agujeros", cavados en Vejer de la Frontera (Cádiz, España) para representar a los inmigrantes ahogados al intentar cruzar el estrecho de Gibraltar.
La mayor parte de los fondos proceden de la colección Daros de Zúrich (Suiza) y a partir de abril se podrán visitar en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria.
"Es una visión, por primera vez realizada no por comisarios latinoamericanos, sino por comisarios de Centroeuropa, y es muy interesante cómo desde Centroeuropa ven todo el mundo latino", aseguró a Efe el conservador jefe del CAAM, Álvaro Rodríguez Fominaya.

Fuente: EFE

Chile y China "cosidas" en su primera exposición conjunta de arte vanguardia.

(Nicolás Grum, captado en pleno proceso de construcción del vehículo, sostiene en su mano la maqueta de la obra. Foto: TRAUDY GUITAL )

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Doce artistas chilenos y otros tantos chinos han reunido sus obras en la primera gran exposición conjunta de arte de vanguardia de ambos países que, bajo el título "Sewn (Cosidos)", se puede ver desde hoy en Pekín.
"No hay una temática específica sino artistas que se dedican al arte contemporáneo y han mantenido una honestidad con su trabajo", explicaron a Efe los responsables de la muestra: la pareja de artistas chilenos Nicoykatiushka.
Patinadores sobre una rampa creada por el chileno Nicolás Grum o una proyección en la que el chino Chen Xinpeng fuma en una habitación, ataviado con una mascarilla de oxígeno, hasta que el humo lo hace desaparecer.
"Lo importante es generar esa unión entre arte y deporte, y como objeto la rampa me parece muy escultórico", dijo a Efe Grum.
En otra obra, Nicoykatiushka explotan las nuevas tecnologías para representar un duelo a muerte en el que acaban fundidos en un solo cuerpo.
"Nuestros últimos cuatro proyectos han sido sobre la relación sexual. Con este rematamos el ciclo y ya no queda nada más con el sexo. Ahora vamos a trabajar con la muerte", afirmaron.
La exposición recoge también pinturas, esculturas, collages y fotografías, entre estas últimas las de María Luisa Murillo, inmersa en el retrato de grandes espacios urbanos vacíos.
"Al principio trabajaba con personajes pero luego desaparecieron y el espacio vacío fue el que empezó a hablar sobre las personas", relató Murillo, quien durante su estancia en Pekín ha conseguido sortear las avalanchas de turistas y retratar la Ciudad Prohibida en soledad.
Organizada por la Embajada de Chile, la exposición, que irá después a Shangai y Santiago de Chile, está instalada en un enorme espacio de la firma china "Elements Museum" situado en una de las aldeas de artistas de la capital china.
Además de los 24 autores chinos y chilenos, tiene como invitados especiales a cuatro artistas extranjeros afincados en Pekín, entre ellos el español Judas Arrieta.
"Esta exposición abre las puertas de las relaciones del arte del siglo XXI entre China y Chile. Tenemos mucho que construir entre estos dos lados del Pacífico con una mirada moderna, audaz, creativa, sorprendente", subrayó Fernando Reyes Matta, embajador chileno en China.
A su juicio, la muestra es algo "definitivo" en la que se lleva "la calle a la galería", así como un exponente de la vivacidad de la nueva generación de artistas chilenos que ha superado los "resabios pinochetistas".
"El arte contemporáneo chileno tiene algo que ver con el juego, con disfrutar del arte. En esta exposición casi ninguna obra está relacionada con la política", afirma Elisita Punto.
La omnipresente figura del general chileno Augusto Pinochet sólo está presente en las fotografías de Manuela Viera Gallo, en las que la cabeza del dictador aparece quemada.
A pesar de que el 50 por ciento de los artistas chilenos todavía viven en el extranjero, las oportunidades en Chile están creciendo y "aunque no se puede comparar con Nueva York o Londres, hay un avance", manifestó Murillo.

Fuente: EFE.

Obra de un artista español sobre el calentamiento global se exhibirá seis meses más.

La instalación del artista español Angel Orensanz "El jardín antes de la serpiente" sobre el desafío del cambio climático permanecerá otros seis meses expuesta en las inmediaciones de la sede de Naciones Unidas en Nueva York.

Aunque la obra, en un principio, debía haberse retirado este mes, el Departamento de Parques de la ciudad de Nueva York decidió ampliar hasta marzo de 2008 el período de exhibición de la obra "debido el entusiasmo del público", informó la Fundación Orensanz.
El grupo de 10 esculturas verticales en forma de tótem es una invitación a cuestionar los conceptos utópicos de la naturaleza y plantea una visión crítica de sus limitaciones.
El título de la obra, lo tomó Orensanz de un clásico del pintor naif francés Henri Rousseau y con ella el artista español trata de advertir al público sobre el calentamiento global y la fragilidad de la naturaleza.
La colocación de la obra en la Plaza Dag Hammarskjold en la isla de Manhattan, próxima a la sede de la ONU, fue a petición del Consejo Mundial de los Pueblos de las Naciones Unidas, una organización humanitaria de Nueva York.
Su instalación inicial coincidió con los debates de Naciones Unidas sobre el cambio climático.

Fuente: EFE

Los estamentos artísticos creen que el museo despertó el gusto de los bilbaínos por el arte moderno.

Miembros de los distintos estamentos artísticos existentes en la capital vizcaína han opinado que la puesta en marcha del Museo Guggenheim de Bilbao hace 10 años ha contribuido a despertar el interés de los bilbaínos por el arte moderno y contemporáneo.

El crítico de arte y profesor de Teoría e Historia del Arte en el Siglo XX de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, Javier San Martín Martínez, ha declarado a EFE con motivo de la celebración del décimo aniversario del Guggenheim que, "sin duda", la ubicación de este museo en Bilbao ha fomentado el conocimiento y gusto de los bilbaínos por el arte moderno.
"Hace diez años -ha agregado-, el sector artístico en Bilbao era minúsculo y, aunque solo fuera por los 15.000 amigos del museo, se ha creado una importante base de acercamiento al arte de los últimos cincuenta años".
La responsable de la galería Vanguardia de Bilbao y representante de la Asociación Bilbao Contemporáneo, que agrupa a ocho galerías de la capital vizcaína que trabajan con arte moderno, Petra Pérez, ha opinado que la apertura del Guggenheim en Bilbao "ha despertado el interés, pero el conocimiento de este tipo de arte requiere esfuerzo por parte del espectador y eso solo se conseguirá con el tiempo".
El pintor bilbaíno y profesor titular del Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, Adolfo (Fito) Ramírez Escudero, ha considerado que "un posible efecto de ese mayor interés por el arte contemporáneo por parte de los bilbaínos se podría haber traducido en un desarrollo de 'la industria del arte', en forma de ventas de obras, lo que, aparentemente, no ha sido así, ya que son más las galerías que han cerrado que las que han abierto en estos 10 últimos años".
Cuestionados estos tres miembros del mundo artístico bilbaíno sobre si el Museo Guggenheim ha contribuido a dar mayor vitalidad al panorama artístico de la capital vizcaína en particular y el vasco, en general, Javier San Martín ha señalado que "no solo ha revitalizado la escena artística, sino también la ciudad y la región".
"El Guggenheim -ha indicado- es un museo de arte de última generación cuyas competencias sobrepasan con mucho el terreno del arte para abarcar el campo más general de la industria del ocio".
La portavoz de los galeristas de arte contemporáneo de Bilbao ha respaldado esta impresión de San Martín, aunque ha precisado que cree que "ha repercutido muy poco en el resto de la comunidad autónoma vasca en general".
El pintor "Fito" Ramírez Escudero ha señalado que "la vitalidad artística la encontramos más en iniciativas de carácter alternativo de colectivos y entidades como Amaste, Periferiak, Amatau, DKMuralismo, Anti-Funky proyects, Rebublicarrak, Consonny, Abisal, Fundación Rodriguez, Epelde y Mardaras, que en iniciativas de carácter institucional como las que protagonizan museos como el Guggenheim".
Javier San Martín ha admitido que en esta década su percepción sobre la utilidad de esta iniciativa ha cambiado "profundamente" ya que "hace diez años era contrario al proyecto y ahora creo que es positivo, y, aunque no comparto muchos aspectos de organización, programación, política editorial, etc., acudo al museo más o menos una vez por semana".
Su compañero de docencia en la Facultad de Bellas Artes, "Fito" Ramírez Escudero ha asegurado que dicha percepción no ha cambiado mucho respecto a la que tenía en 1997 porque "la utilidad artística y cultural del proyecto era, y creo que sigue siendo, una incógnita".
Petra Pérez ha manifestado que su percepción sobre la utilidad del Guggenheim no ha cambiado en lo fundamental porque "el Museo no puede hacer milagros si no hay un plan más amplio de concienciación hacia el arte y la cultura en general".

Fuente: EFE

Joven juzgada por besar la obra de un artista.

(La abogada del demandante, Agnès Tricoire, presenta a la Corte una reproducción del beso dado)

El Ministerio Fiscal francés ha pedido una multa de 4.500 euros contra una joven juzgada en Aviñón por haber besado con carmín rojo en los labios un lienzo del pintor americano Cy Twombly, estimando que la mujer había demostrado una especie de "canibalismo" o "parasitismo".

El juicio se espera para el próximo 16 de noviembre.
Hacia finales de julio, durante una exposición en Aviñón consagrada a este artista de renombre internacional por la Colección Lambert, Rindy Sam, una joven de 30 años y habitante de esta región posó sus labios pintados de rojo sobre un lienzo blanco inmaculado que forma parte de un tríptico valorado en dos millones de euros.
Visiblemente consternada por la magnitud de las repercusiones de su gesto, la joven, de nacionalidad camboyana, declaró que se trataba de "un gesto de amor": "cuando lo abracé, no reflexioné, pensaba que el artista lo comprendería..."
El quid de la cuestión es que a Cy Twombly le horrorizó el beso de Rindy Sam, según su abogada Agnès Tricoire.

Fuente: AFP.

NET-ART. Artista EEUU reflexiona sobre límites privacidad a través cámaras vigilancia.

La artista estadounidense Natalie Bookchin explora nuevas formas estéticas y visuales a partir de su investigación con cámaras de seguridad, con las que pretende reflexionar sobre los límites de lo público y lo privado sin establecer ninguna conclusión cerrada ni criticar la instalación de
estos aparatos de vigilancia.
Bookchin (Nueva York, 1962) pronunció una conferencia en la Sala Parpalló de Valencia en la que se proyectaron imágenes de "Location Insecure", el último proyecto de esta pionera del lamado net-art o arte electrónico en el que utiliza grabaciones de cámaras de seguridad obtenidas a través de Internet.
En una entrevista concedida a EFE, esta artista afincada en Los Ángeles, donde imparte clases en el Instituto de las Artes de California, señaló que el proyecto se inspira en la película de
Dziga Vertov "Man with the movie-camera" (1929) que, según explicó, relata un día en la vida de la ciudad a modo de filme documental.
Ahora, Bookchin pretende "documentar" con la ayuda de Internet no sólo una ciudad, sino el mundo actual, a través de un objetivo automático por el que, a diferencia de lo que ocurría en la película del director ruso, nadie mira y, por tanto, nadie puede ver si la lluvia o el polvo han ensuciado la lente.
Sin embargo, la artista considera que "la única manera de entender el impacto que ha tenido Internet en el mundo actual es salir" de la Red, y por ello expone en pantallas grandes las
imágenes que en el ordenador son sólo un pequeño cuadrado, de forma que el espectador se pueda enfrentar a esa realidad "con todo su cuerpo".
Con este trabajo "conceptual y visual", la artista pretende analizar cómo el espacio, el tiempo y la distancia se transforman en la sociedad actual movidos por la velocidad que imprime Internet,
que pone el mundo a disposición del usuario y crea una red global en la que se imbrican los espacios públicos y los privados.
"Se trata de una pregunta, no de una respuesta; nunca trabajo con una respuesta, porque para mí ése no es el rol de un artista, sólo quiero seguir preguntándome cosas", señaló Bookchin, que en sus anteriores proyectos ha revisado cuestiones sobre la interfaz persona-ordenador y la naturaleza del videojuego.
Además, la banda sonora de "Location Insecure" incorpora grabaciones secretas de onservaciones telefónicas del ex presidente de Estados Unidos Lindon Johnson, así como fragmentos de programas radiofónicos en los que los oyentes participan y cuentan historias
personales.
Las obras de Bookchin, que entre 1998 y 2000 fue miembro del colectivo RTMark que apoya la alteración de productos corporativos, se han exhibido en el MACBA de Barcelona, la General Foundation de Viena, el Walker Arts Center y el Whitney Musel de EEUU, y la Tate Gallery de Londres, entre otros museos.

FUENTE: EFE

El Instituto Cervantes inaugurará su sede de Brasilia con una muestra de obras del Artium.

El Instituto Cervantes inaugurará el próximo día 17 de julio su sede en la capital de Brasil con la exposición "Mientras Brasilia nacía", una selección de obras de la colección del Artium, el museo de arte contemporáneo de Vitoria (norte de España), informó hoy este centro.

La muestra recorrerá durante seis meses Brasilia, Sao Paulo y Río de Janeiro e ilustra los caminos de la creación artística española en la década de los cincuenta, los años en los que se diseñaba y construía la capital brasileña.
Javier González de Durana, director del Artium y comisario de la exposición, ha seleccionado 17 obras de la colección del museo, que cuentan con algunos de los protagonistas de la renovación del arte español en una época en los que los brotes de libertad eran más bien escasos: Óscar Domínguez, Luis Feito, Equipo 57, Manuel Millares, Gerardo Rueda, Antonio Saura o Jorge Oteiza, entre otros.
"Mientras Brasilia nacía" permanecerá en la capital brasileña desde el 17 de julio hasta el 17 de septiembre y después se expondrá en Río de Janeiro, en octubre y noviembre, y en Sao Paulo, en diciembre de 2007 y enero de 2008.
La nueva sede del Cervantes en Brasilia será inaugurada el 17 del julio por el Príncipe Felipe (heredero de la Corona española), quien tiene prevista una visita a la exposición.
El Instituto Cervantes es una institución pública creada en 1991 para la promoción y la enseñanza de la lengua española y para la difusión de la cultura española e hispanoamericana.
Actualmente cuenta con cerca de 60 centros en casi 40 países de todo el mundo.

FUENTE: EFE

Bernardí Roig estrena sus "pensamientos emocionales" con ocho instalaciones.

El artista español Bernardí Roig presenta por primera vez en Roma sus "pensamientos emocionales", con ocho instalaciones que componen "Light never Lies" (La luz nunca miente), que podrá visitarse en el Museo Carlo Bilotti desde hoy hasta el 16 de septiembre.
Cuerpos tridimensionales, diseños en grafiti, imágenes de vídeo y la intensa luz de barras fosforescentes conforman la exposición que "intenta construir imágenes que representan la carga vital obsesiva" de Roig, según explicó el artista a Efe.
En sus creaciones, que se presentan sin una estructura, aparece la luz, referencias al teatro, el cine y la literatura, además de cuerpos tridimensionales en tamaño real de color blanco que dan la sensación de ligereza, mientras pesan cerca de doscientos kilos.
El artista, de 42 años, juega con el espacio del museo, de forma que el visitante descubre en cada ángulo cuerpos que representan personas cercanas a Roig, que se mezclan con la luz y vídeos.
Es el caso del padre del artista a tamaño natural, que aparece colgado de la palabra "Strauch!" en letras luminosas, en referencia al personaje principal de la obra de Thomas Bernard "Frost".
Un hombre colgado del techo cuyo movimiento pendular de pies se refleja en una televisión ubicada en el suelo de la que se recitan los versos de una película de David Lynch conforma "Reflection Exercises", una obra que pretende "dislocar la mirada", señaló Roig.
El artista también presenta su autorretrato en un tríptico en el que aparece su cuerpo vestido que juega con su cráneo, lo que quiere representar a "la cabeza como el núcleo de la persona".
"Repulsion Excersices" es una "obra ausente" que representa a un hombre con la mirada perdida que no quiere ver las imágenes que tiene delante, en un vídeo en el que aparece un mujer dando patadas a su cabeza.
Un narrador exhausto de espaldas al público y apoyado en un muro de intensa luz fluorescente en "Sound Exercises" (2004) simboliza "el fin del relato y de la palabra", explicó.
Bernard Roig, natural de Palma de Mallorca, es un artista autodidacta que ha expuesto su obra en distintas ciudades como Milán, Praga, París, Lisboa, Colonia, Nueva York, Mónaco o Venezuela.
Entre los galardones que ha recibido están el Premio oficial de la XXI Bienal Internacional de Arte Grafica de Liubliana, el Premio Oficial de la XXI Bienal de Alejandría y el 37 Premio de Arte Contemporáneo de la Fundación Princesa Grace de Mónaco.
FUENTE: EFE

Alberto Schommer muestra una nueva interpretación del desnudo.

El fotógrafo Alberto Schommer ofrece "una nueva interpretación del desnudo" en su última exposición, formada por trece fotografías en blanco y negro y color, que se muestra en la galería Alexandra Irigoyen de Madrid hasta el próximo día 30.
En las fotografías reunidas en "Composiciones desnudas", los límites de los cuerpos se desdibujan, creando una imagen "más cercana a la abstracción y al barroco", explicó Schommer a Efe horas antes de la inauguración de su exposición.
Las trece composiciones expuestas, seleccionadas de entre más de noventa que Schommer ha realizado durante varios meses, representan un paso más en la experimentación, utilizando técnicas tan inusuales como pintar directamente sobre el negativo, como en "La modelo", una de las fotografías seleccionadas para la exposición.
Mediante la superposición de imágenes y otras técnicas, el fotógrafo se aleja de lo concreto de los cuerpos para acercarse a su esencia y a su lado más puro.
"El arte se intelectualiza demasiado y, con ello, pierde interés. Por eso prefiero dar un concepto plástico, más que intelectual, abierto a la interpretación personal", explicó el autor.
Un ejemplo de la abstracción que caracteriza esta muestra es la composición titulada "El misterio", en la que resulta prácticamente imposible distinguir las partes del cuerpo que se superponen y cuyo contenido es, sin embargo, inequívocamente humano.
En las obras expuestas, las imágenes se confunden y se entrelazan con distintas texturas conseguidas a través de la aplicación de la técnica y el lenguaje fotográficos, creando un ambiente en el que lo clásico encaja con lo vanguardista.
A primera vista, las fotografías de Schommer pueden parecer muy cercanas a la pintura pero, tal y como afirma su autor, su fotografía "no tiene nada de pictórico", pese a las influencias mutuas que, para él, existen entre ambas ramas artísticas, "aunque ambas han evolucionado por distintos caminos".
El polifacético autor, que estudió Fotografía y Arquitectura, además de trabajar en cine, pintura, arquitectura y colaborar como fotógrafo en prensa, es uno de los fotógrafos españoles más representativos y, pese a sus 78 años, su ritmo de trabajo no decae y no deja de idear proyectos para el futuro.
El más inmediato será la exposición de cuarenta y cuatro obras bajo el título "Paisajes Negros", que exhibirá el año que viene en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, "uno de los mejores museos españoles", según Schommer.
FUENTE: EFE

El Arte Asequible

El arte asequible son una serie de exposiciones a través de las cuales el Patronato Martínez Guerricabeitia quiere mostrar su colección de obra gráfica, partiendo de la base de que estas técnicas de reproducción han permitido una popularización del arte al crearse diversas copias de la misma obra.

Esta exposición está abierta al publico hasta el 2 de septiembre de 2007 en la Sala Martinez Guerricabeitia sita en la calle La Nau.

El horario de visita es el Siguiente: de martes a sábado de 10 a 13.30 h y de 16 a 20 h. Domingos de 10 a 14 h.

Precio de la entrada: ENTRADA LIBRE



Fuente: http://www.uv.es/cultura/c/docs/expartassequible2007cast.htm

OBRA DE ARTE POLÉMICA: "TEATRO DEL MUNDO".

Retiran una obra formada por insectos vivos acusada de crueldad.

(El artista franco-chino Huang Yong Ping posa delante de su obra 'Un hombre, nueve animales', el 12 de abril en la localidad francesa de Caen).

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Una composición artística de un franco-chino que pone en escena una serie de insectos y de reptiles vivocos se retiró el domingo de una galería de arte de Vancouver después de haber sido acusada de crueldad por los defensores de los animales.
Titulada 'Teatro del mundo', la obra del franco-chino Huang Yong Ping reunía saltamontes, cucarachas, tarántulas, ciempiés, lagartos, eslizones y escorpiones bajo una cúpula en forma de caparazón de tortuga. Esta obra representa, según los comisarios de la exposición, "un microcosmos de los conflictos mundiales" e "incita a la gente a reflexionar seriamente sobre las dinámicas del poder en la sociedad contemporánea".
La decisión de la retirada viene a continuación de una queja de la Sociedad de Colombia-Británica para la prevención de la crueldad hacia los animales (SPCA).
Los militantes de los derechos de los animales "estaban preocupados por el hecho de que diferentes especies coexistiesen en ese hábitat", afirma Lorie Chortyk, portavoz de la SPCA, que había reclamado que los escorpiones y las tarántulas fuesen retirados de la instalación, y que se le diese agua y refugio a los animales encerrados.
Pero Huang decidió "retirar todos los animales del 'Teatro del Mundo' y dejar la estructura física vacia, en señal de protesta".
Lamenta que sus detractores hayan "ignorado el concepto y la ideología de esta obra de arte (en el nombre) de unos pretendidos 'derechos de los animales' que se oponen violentamente a los derechos de una obra de arte de ser libremente expuesta en un museo de arte".
La exposición fue ya presentada en los Estados Unidos, en Minnesota (norte) y Massachusetts (noreste), sin suscitar críticas.
Pero la presentación del 'Teatro del Mundo' ya había sido prohibida en 1994, en el centro George Pompidou, en París.

Fuente: AFP

Exposición de Arte Contemporáneo en la Asociación de amigos del pintor Manaut

Ana Pastor Serrano, colaboradora habitual de la sección de arte contemporáneo de la Fundación Mare Nostrum, ha inaugurado recientemente una exposición en la Asociación de amigos del pintor Manaut, en Valencia.

"Evocando" (así se ha nombrado esta exposicion), muestra las visiones artísticas particulares de dos pintoras de la Comunitat Valenciana del momento: Gema Ibáñez y Ana Pastor.

La exposición podrá visitarse durante el mes de Marzo en:

C/ Santa Teresa, nº 5 (Junto a la Estación de Pont de Fusta)

Bienvenidos a la seccion de ARTE CONTEMPORANEO de la Fundacion