Un taller descubre las claves del trabajo de Snow, el artista más influyente del cine experimental.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno ha presentado hoy un taller dedicado al canadiense Michael Snow, considerado uno de los artistas más influyentes del cine experimental del siglo pasado al cuestionar ideas de percepción y representación con obras que vinculan el cine con la pintura y la música.

El museo abre su temporada de talleres didácticos hoy con la presencia de Michael Snow, un creador visual y perceptivo desde cualquiera de las disciplinas artísticas, según ha señalado hoy en una conferencia de prensa la directora del museo, Consuelo Ciscar.
Ciscar acompañada de la comisaria e historiadora Gloria Maure, y el propio artista, Michael Snow, ha explicado a los medios que hoy comenzaba "un nuevo ciclo de los Talleres de Artistas con Michael Snow, y está dirigido a estudiantes de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia".
Ciscar ha dicho que "Snow propone desde hoy, lunes, hasta el viernes, impartir cuatro sesiones de discusión sobre su obra de carácter fuertemente experimental".
La responsable del IVAM ha señalado que "el deseo de participar al espectador se manifiesta en las diversas instalaciones que Snow ha producido en los últimos años, como también en sus películas, fotografías, pinturas, música y cualquier otra actividad artística que haya emprendido.
"Con sus obras pretende afectar nuestra lógica perceptiva, para que así reinterpretemos nuestro mundo enriquecidos por el estado meditativo en el que nos sumergen sus imágenes", ha dicho finalmente Ciscar.
Por su parte, la historiadora de arte Gloria Moure ha definido a Snow como "figura clave de la revolución artística de los años cincuenta del siglo pasado por algunas ideas sobre la percepción, representación y temporalidad en todo tipo de arte".
Moure ha señalado que su trayectoria se ha caracterizado por un constante "ir y venir de una técnica a otra" y haber desarrollado un "arte sin fronteras".
Ha intervenido finalmente Michael Snow, quien ha dicho que su trabajo lo ha desarrollado desde los años cincuenta hasta la actualidad en diversos medios, aunque ha sido en el cine y en la fotografía experimental donde es más conocido.
Cineasta, pintor, escultor, fotógrafo, escritor y músico, Michael Snow nació en Toronto (Canadá), en 1929.
El cine le ha permitido dar un espacio dramático a la visión, en una dimensión que pasa por la experiencia del espectador, que reconstruye el proceso de trabajo en el momento en que se va exponiendo.

Fuente: EFE

Bigas Luna exalta los placeres de los sentidos en el IVAM

La exaltación de los sentidos y la importancia del retorno al origen son algunos aspectos que inspiran el contenido de una exposición interdisciplinar del realizador catalán de cine Bigas Luna que, desde hoy martes hasta el 4 de mayo, se pueden contemplar en diversas salas del Instituto Valenciano de Arte Moderno.

"Bigas Luna. Ingestum-Los fluidos" es un proyecto que ofrece al espectador la oportunidad de contemplar las obsesiones que preocupan a Bigas Luna, un destacado cineasta que desarrolla también sus actividades creativas en el ámbito de las artes plásticas, la videocreación y la literatura.
La propuesta que ofrece Bigas Luna en este museo, y que posteriormente se exhibirá en China, tiene un gran valor debido a que se cruzan fronteras y materias de estudio tan diferentes como la biología, la medicina, el videoarte, la química, las performances, el arte en movimiento e incluso la gastronomía.
Así la ha descrito hoy en una conferencia de prensa la directora del IVAM, Consuelo Ciscar, a la que acompañaba el propio realizador, Bigas Luna, y el comisario Angel Kalenberg, crítico de arte uruguayo, en la presentación de esta muestra.
Ciscar ha indicado que, "a través de esta exposición, Bigas Luna quiere provocar el interés por conocer lo que tenemos dentro, qué es lo que comemos y cómo nos afectan los alimentos desde el punto de vista físico, psíquico e incluso espiritual".
Por su parte, el comisario de la muestra, Angel Kalenberg, ha recordado que Bigas Luna pertenece a la estirpe de artistas multidisciplinares que desarrollan su labor creativa en diversos campos, como es el cine,la literatura, las artes plásticas y el vídeoarte.
Ha recordado que, en todos sus trabajos creativos, el cineasta centra su interés por la ecología y el retorno al origen.
Por su parte, Bigas Luna ha explicado en su intervención que ha tratado de reflejar su preocupación por el retorno a la tierra desde una perspectiva ecológica.
Se ha declarado un defensor de todo aquello que representa la modernidad y ha confesado que en todas sus creaciones hay un deseo de ser lúdico y de que la gente se divierta.
El recorrido de la exposición se inicia en el exterior del museo, una zona cerrada por un muro de maderas donde el espectador puede ver proyectados en la fachada tres vídeos "Origenes Corbet", en los que se representan el origen de la vida.
Igualmente en la explanada se ha instalado una mesa-parrilla altar, donde el cocinero del restaurante la Sucursal, Jorge Bretón, cocinará en el acto inaugural de esta noche una gran parrillada para el público visitante.
El propio Bigas Luna hará de anfitrión y se encargará, como buen maestro de ceremonias, de acoger a todos los comensales y ofrecerles una peculiar velada.
En el vestíbulo del museo se encuentra la mesa "Ingestum" y se proyecta el vídeo "Collar de Moscas", mientras que a su lado se encuentra una instalación que demuestra que el agua es sensible a los sentimientos.
En la primera planta se encuentra la instalación CPS (centímetros por segundo), donde los visitantes pueden comprobar y conocer la velocidad a la que fluye su sangre cuando brota de su corazón.
En el laberinto de la Vía Láctea, instalado en la galería 8, se puede ver los primeros vídeos realizados por Luna relacionados con la leche materna y la lactancia.

Fuente: EFE

Un empresario espera ganar más de 270.000 euros con un grafiti de Banksy.

Un empresario británico del sector audiovisual confía en ganar más de 270.000 euros con la venta por internet de un grafiti del misterioso artista conocido sólo por su seudónimo de Banksy.

El grafiti, pintado en la pared de una productora en la calle Portobello Road, de Londres, muestra a un pintor de aire bohemio con una paleta en la mano que escribe con los grandes e irregulares caracteres propios de esas pintadas callejeras la palabra "Banksy".
Una mañana de domingo del pasado septiembre alguien colocó sin avisar un andamio junto al muro de la sede de la empresa de Luti Fagbenie y, cuando unas horas más tarde quitaron el andamio, apareció la obra de Banksy.
Con indudable vista para el negocio, Fagbenie cubrió con un plástico el grafiti y lo ofreció en internet a través de eBAy.
Según la BBC, hasta ahora se han recibido 68 ofertas por esa obra, de las que la mejor supera las 207.000 libras (unos 272.000 euros).
Aunque el artista, que ha sabido explotar como nadie el anonimato, no ha hecho ningún comentario sobre el negocio que supone la venta de ese trabajo callejero, un representante suyo confirmó que es auténtico.
Es muy poco lo que se sabe de Banksy aunque se cree que nació en 1974 cerca de Bristol, ciudad donde comenzó su actividad de grafitero a finales de los ochenta como parte de un grupo conocido como "DryBreadZ Crew".
Sus grafiti son con frecuencia mensajes abiertamente políticos, de carácter anárquico y provocador, con una fuerte carga de humor y subversivos del orden establecido.
Con frecuencia utiliza imágenes icónicas muy conocidas, muchas veces de la propia historia del arte, que manipula para darle un sentido muchas veces contrario al original.
Su obra ha crecido en popularidad desde que comenzaron a coleccionarla famosos del espectáculo como Brad Pitt o Christina Aguilera y Banksy recurrió a otros medios más tradicionales sin abandonar empero los grafiti.
En febrero del 2007, la casa de subastas Sotheby's vendió en Londres tres obras de Banksy y la titulada "Bombing Little England" alcanzó el precio más alto pagado hasta entonces por una pieza suya, 102.000 libras (134.000 euros al cambio de hoy).
En abril de ese mismo año, otra obra suya titulada "Space Girl & Bird" (Muchacha Espacial y Pájaro) estableció otro récord al venderse por 288.000 libras (378.000 euros) -veinte veces el precio estimado- en Bonhams, otra casa de subastas de la capital británica.

Fuente: EFE

El mexicano Montiel Klint acerca el humor negro que pinta con luz a Fotoencuentros en Murcia.

El artista mexicano Fernando Montiel Klint inauguró hoy su exposición "Espacio confinado" en el festival internacional de fotografía Fotoencuentros, de Murcia, al que ha traído el humor negro que dijo pintar con luz en sus imágenes, relativas "a la neurosis consumista y a las adicciones humanas".

En rueda de prensa, Montiel Klint, que expone en la sección oficial del certamen organizado por la fundación Cajamurcia y dedicado este año a los mundos creados con fotografías escenificadas, dijo que le interesa "captar los espacios interiores que abren la lectura" de sus imágenes, todas ellas "muy barrocas y con iconos contemporáneos que tienen mucho de cine y de pintura".
Realizadas en Ciudad de México y en otras provincias de este país durante dos años, tienen dos planos de lectura, uno que agrada y otro que desagrada, añadió, pero siempre con humor negro: "Sin humor no hay vida, no hay nada", asegura ante las "muy calculadas" escenografías que muestra en el Colegio de Arquitectos de Murcia.
Sus 20 imágenes están repletas de objetos de consumo, incluso las personas que en ellas aparecen son consideradas por el autor como tales, lo que le sirve "para construir parte del discurso sobre la cultura como consumo y la publicidad con la que nos invaden medios como la televisión".
Por su parte, el fotógrafo almeriense residente en Sevilla Rafael Perezcortés, que también inauguró hoy en el festival su muestra "Las mil y una hora", señaló que sus 35 fotos "juegan con el azar y el destino", usando como motivos relojes en los que los números de las horas son borrados por insectos, y personas "con mascarillas de preservación inútiles como expresión de la vulnerabilidad humana".
Dijo inspirarse en hechos violentos reales como las dos guerras mundiales, la de Irak, el atentado del 11-M en Madrid, la bomba atómica de Hiroshima, el conflicto palestino-israelí en Gaza, los feminicidios de Ciudad Juárez (México) o la matanza de 32 personas en la escuela estadounidense de Columbine, toponímicos éstos que sustituyen a los de la marca de los relojes surcados por insectos.

Fuente: EFE

Los pintores españoles Quejido y Gordillo se llevan su diálogo a La Habana.

Los pintores españoles Manuel Quejido y Luis Gordillo han trasladado a La Habana el particular "diálogo" que, según dicen, sostienen a través del arte, con una exposición conjunta que se muestra a partir de esta semana en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

La famosa obra de Quejido "Sin salida", latas de refresco convertidas en un multicolor mosaico de tótem, y una selección de 24 imágenes de su obra "El taco", compuesta por más de 400 piezas, están entre los trabajos que permanecerán en la isla hasta marzo, después de pasar por México y Venezuela.
Más allá de estar unidos por el hecho de ser ambos sevillanos radicados en Madrid, Quejido explicó a periodistas que con Gordillo, Premio Nacional Velázquez 2007, lo une una relación "muy especial", un intercambio al estilo "Matisse-Picasso".
"De algún modo seguimos en diálogo (...) él ha visto cosas mías, de algún modo nos contestamos", apuntó el pintor y añadió que tras conocer el arte de Gordillo tuvo "una especie de impronta, de sensación" de la pintura como experiencia estética que lo hizo su referente y lo llevó a plantearse una vuelta a la pintura.
Además, según confesó Quejido, su compañero compró las primera obras que vendió y de hecho dos de las piezas con su firma que incluye esta exposición son propiedad de Gordillo.
"Emocionadísimo" y "con los pelos de punta", Quejido relató el miércoles, en la inauguración de la muestra, que emprendió el viaje a Cuba por una "corazonada", echando a un lado su resistencia a "cruzar el charco" con el objetivo de acompañar la exhibición de 16 obras que auspicia la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX).
La selección, que tendrá su última parada en Brasil, dispone de forma intercalada los cuadros de los artistas y tiene como objetivo mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias formales, tienen una misma forma de entender el arte, según explicó a Efe el director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y comisario de la muestra, José Lebrero.
Lebrero apuntó que la idea de unirlos en una exposición permitía informar sobre la producción artística de Andalucía, pero también mostrar a dos pintores que, a pesar de sus diferencias generacionales, son "rebeldes", "eminentemente creadores" y "críticos frente a los discursos hegemónicos de su tiempo".
Con pocos ánimos para viajar y entregado totalmente a su trabajo, Quejido explicó que su viaje de cuatro días a La Habana estuvo cifrado por "eso que llamamos con una palabra que es corazón, es una corazonada, es un decir (...) no puede ser que no vaya".
"De Cuba desearía, con todo lo que me está dando, llevarme un buen taco de banderines de la bandera cubana", señaló Quejido en un texto hecho para la inauguración y que se negó a leer.
Respaldado por "En forma de fábula", uno de los enormes lienzos de Gordillo que integra la muestra, Quejido escuchó en silencio la lectura del mensaje, donde apuntó que se resiste a hablar en público desde que comenzó a escribir hace 10 años un texto de 23 folios y que si habla, "no podría ya parar de hablar".
Los banderines cubanos, dijo, se usarán como "respetado soporte" en un futuro trabajo sobre "la cuestión del mítico seminario de filosofía de Cruces" (asociación cultural con sede en Madrid que él ayudó a fundar), y que cuestiona "qué hacer hoy en día con nuestro deseo de revolución".
"Me voy con muchas cosas a las que voy a tener que darles vueltas", añadió.

Fuente: EFE

ARCO. La creación brasileña inundará los espacios artísticos madrileños.

La presencia de Brasil como país invitado en la feria de arte contemporáneo ARCO se extenderá por diferentes centros artísticos de Madrid, en los que se podrá contemplar la creación brasileña más actual.

La Sala Alcalá 31, bajo el título "Contradictorio-Panorama del Arte Brasileño" exhibirá una muestra de la XXX edición de la exposición "Panorama da Arte Brasileira", que cada dos años organiza el Museo de Arte Moderno de São Paulo.
La exposición plantea la expresión "Arte brasileño" en un ambiente donde se constata una acelerada internacionalización de la producción simbólica. Las obras de alrededor de treinta artistas en actividad, seleccionadas por el comisario Moacir dos Anjos, cuestionan lo que se considera propio de un lugar así como la idea de pertenencia.
"Coordenadas y apariciones", en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, muestra el proyecto en el que José Damasceno plantea distintas intervenciones creadas específicamente para los espacios públicos del edificio (pasillos, escaleras, jardín, patio, fachada, tienda de regalos y biblioteca), saliendo así del concepto ortodoxo de las salas de exposiciones.
Es ésta la primera vez que el museo ofrece un proyecto concebido en su totalidad a modo de diálogo entre los espacios, el arte y el visitante que transita fuera del marco expositivo. La muestra se compone de un total de nueve intervenciones que tienen en común "generar otros espacios a partir de los encontrados", según Damasceno.
El Departamento de Audiovisuales del Reina Sofía, bajo la dirección de la comisaria Berta Sichel y con la asesoría de Maria Helena Leitão y Raquel Hallak, ha organizado el ciclo "Braaaasiiiil" que abordará una amplia gama de temas del universo de la sociedad brasileña global y contemporánea.
De un total de 17 películas, entre largos y cortos, destacan "Diário de Cintra" (2007), de Paula Gaitán, y "Brilhante" (2003), de Conceição Senna, filmes documentales sobre realizadores clave dentro de la cultura brasileña.
Dominique Drefuys e Yves Billon realizan "Brasil: a revolução tropicalista" (2002) que investiga el fenómeno del tropicalismo, detonador de una revolución de las costumbres, del pensamiento y de la idea misma de identidad brasileña.
Además de los filmes, se proyectará un ciclo de vídeo comisariado por Vitoria Daniela Bousso (directora del Paço das Artes, São Paulo) que reunirá a un grupo de catorce creadores de vídeo brasileño.
El concierto de Jorge Antunes, realizado en colaboración con el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, y dos performances completan la programación del Reina Sofía.
El Canal Isabel II acogerá la muestra fotográfica y de vídeo arte "Suspensión y Fluidez" concebida especialmente para estos espacios por las artistas Rosângela Rennó y Eder Santos, mientras que en La Casa Encendida se podrá contemplar la instalación e intervención de Lucia Koch y Marcelo Cidade y la muestra de vídeos de Cao Guimarães así como una serie de actividades musicales.
"Abierto por obras" es el título de la instalación e intervención que las artistas Fernanda Gomes y Carmela Gross mostrarán en el Matadero Madrid, donde también el Colectivo GIA de Salvador de Bahía llevará a cabo una intervención urbana, una serie de encuentros con representantes de seis colectivos españoles y seis colectivos brasileños, además de una muestra fotográfica.
En la Arquería de Nuevos Ministerios se celebrará el seminario "São Paulo 300mm", en el que participarán Mariana Fix, Kazuo Nakano, Fernando de Mello Franco, Juan Freire, Martí Perán, Ecosistema Urbano y Javier Baeza Atienza.
Siete películas brasileñas de los últimos quince años, junto a una programación de cortometrajes y un ciclo de conferencias y debates con cineastas y actores brasileños y españoles forman la programación diseñada por Filmoteca Nacional con motivo de la presencia de Brasil en ARCO.

Fuente: EFE

El Cervantes de Belgrado inauguró una muestra sobre la obra de Santiago Calatrava.

La exposición de fotografía dedicada a la obra en Valencia del arquitecto español Santiago Calatrava, "Orgánico en la obra de Calatrava", de la fotógrafa española Luz Martín, fue inaugurada hoy en la galería del Instituto Cervantes de Belgrado.

"Me interesa mucho su parte orgánica, yo le llamo 'Calatrava orgánico', porque reconozco muchos elementos humanos, partes de animales, que él toma de Gaudí, que es una arquitectura con unas formas muy redondeadas, con espinas, con inspiración en animales y en formas orgánicas", declaró a Efe la fotógrafa.
Y además, matizó Martín, "los elementos como el agua, los azulejos rotos".
"Para mí (Calatrava) es muy mediterráneo, es de mi misma ciudad y visualmente siempre me ha interesado mucho. Me gusta mucho lo blanco de su obra, el revestimiento de azulejo, muy típico de Valencia", agregó.
La exposición, que muestra los edificios diseñados por Calatrava en Valencia, ciudad natal de ambos artistas, terminará en Belgrado el próximo 15 de febrero y después será llevada a las ciudades norteñas serbias de Novi Sad y Zrenjanin y de allí irá a Londres.
El famoso arquitecto diseñó en Valencia la Ciudad de las Artes y las Ciencias con el emblemático edificio de la Ópera, el teatro y pasacalles en un escenario futurista y mediterráneo.
Algunos de los principales proyectos llevados a cabo por Calatrava incluyen, entre otros, el aeropuerto Sondica de Bilbao, la ampliación del Museo del Arte en Milwaukee (EEUU), el Complejo Deportivo Olímpico de Atenas (Grecia) o el "Turning Torso" (Torso en giro), el edificio residencial más alto de Suecia.
Y entres sus proyectos actuales está el "Obelisco de la Caja" en Madrid, que será su primera obra en la capital española y que consiste en una columna de 90 metros de acero y bronce; la Terminal de Transportes en Nueva York, dentro de la reconstrucción del World Trade Center o la Fordham Spire Hill House en Chicago, que será el edificio más alto de EEUU.

Fuente: EFE

DEARTE iniciará el calendario de la temporada de ferias de arte contemporáneo.

Con DEARTE, feria de arte contemporáneo que inaugurará el próximo jueves el ministro de Cultura César Antonio Molina en el Palacio de Congresos, se inicia la intensa actividad que hará que Madrid se convierta en los próximos meses en centro de la creación vanguardista.

Treinta y tres galerías españolas y más de 300 artistas entre jóvenes creadores y nombres consagrados del arte español participarán en la feria que se celebra bajo el lema de "Arte para vivir" y cuyo objetivo es completar la labor de otros certámenes especializados, como ARCO y Estampa, y cubrir un amplio espacio artístico y cultural situándose entre ellas.
Agustín Medina, presidente de la Fundación DEARTE que desde hace tres ediciones organiza la feria, consideró que en su séptima cita con el arte contemporáneo el certamen está consolidado y cumple los objetivos de la fundación que son fomentar el arte español y hacerlo asequible para todos, prestando especial atención a los niños a los que van destinadas algunas de las actividades programadas.
"También los coleccionistas más modestos encontrarán en esta feria cantidad de oportunidades para desarrollar su afición, ya que tendrán acceso a un arte asequible tanto intelectual como económicamente", señaló Medina, para quien en esta cita no hay excentricidades, "sino arte que se pueda entender y que uno se puede llevar a su casa".
Aunque en la pasada edición los resultados fueron muy satisfactorios teniendo en cuenta que se trata de una feria pequeña en cuanto número de expositores- con un volumen de ventas de 800 obras y alrededor de un millón de euros- el director del certamen, Miguel Tugores, insistió en que su oferta se centra en la calidad.
La atención especial que en DEARTE se presta a los niños es una de las características que la hace ser una feria única, según Tugores. De la mano de profesores y expertos del Museo Infantil MUPAI, de la Universidad Complutense de Madrid, los más jóvenes juegan y aprenden.
El director recordó que en la pasada edición la Comunidad de Madrid adquirió obras de artistas jóvenes "ejemplo a seguir por otras instituciones públicas y privadas", e informó que de nuevo en el marco de la feria se concederán una serie de premios.
Las galerías presentarán sus apuestas en el stand de "Jóvenes maestros" y se otorgarán diferentes premios a varias de estas obras, como el "Madrilonia DEARTE", que supone la adquisición del trabajo, "Un Futuro DEARTE", cuyo ganador contará en la próxima edición de la feria con un espacio propio, o el que concederá el Hotel Silken Puerta América, que contempla que el galardonado podrá exponer su obra en las instalaciones y espacios del hotel durante un año.
También será reconocida la trayectoria de un artista veterano con "Una Vida DEARTE", premio otorgado por la Fundación sin ánimo de lucro DEARTE.

Fuente: EFE

Homenajean al artista colombiano Omar Rayo por sus 80 años de vida.

El pintor Omar Rayo, uno de los artistas vivos más importantes de Colombia, fue homenajeado hoy en Roldanillo, su población natal en el departamento del Valle del Cauca, al cumplir 80 años de edad.

Rayo, que sufre quebrantos de salud, también fue distinguido al cumplirse 27 años de actividades del Museo Rayo de Roldanillo, fundado por el artista y que se convirtió en atracción del municipio.
La celebración empezó hoy con una misa campal y la apertura de una exposición antológica de cien cuadros del maestro pintados desde la década de 1960.
Los actos, encabezados por la ministra de Cultura, Paula Marcela Moreno, seguirán durante el sábado y el domingo e incluyen la apertura de una exposición del obras del pintor peruano Fernando de Szyszlo.
La ministra Moreno declaró que "hablar de un artista como Omar Rayo es tan placentero como recorrer su museo, en el que se puede contemplar un acervo de más de 2.100 obras de su autoría".
En la obra de Rayo predominan los grabados de figuras geométricas, algunos de ellos elaborados al calor en la técnica en altorrelieve denominada por él "intaglio".
Omar Rayo vivió varios años en México y Nueva York, fundó en 1981 el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo y tres años más tarde dirigió el proyecto "Arte Vial", una serie de obras de artistas internacionales ubicadas en la carretera entre Roldanillo y Zarzal.

Fuente: EFE

Llega a México el Museo Nómada de fotografía del canadiense Gregory Colbert.

El Museo Nómada que expone la obra del fotógrafo canadiense Gregory Colbert, que explora "la interacción natural entre el hombre y los animales", llegó hoy al zócalo de la Ciudad de México.

La obra "Ashes and snow" (Cenizas y nieve) es fruto de más de 17 años de trabajo y diversas expediciones por India, Egipto, Birmania, Sri Lanka, Kenia, Etiopía, Namibia, Tonga, Las Azores, la Antártida, Borneo y Ecuador, explicó hoy el artista a la prensa.
El Museo Nómada (Nomadic Museum) ocupa 5.600 metros cuadrados, la mitad del espacio donde está situado, el zócalo capitalino, una de las plazas más grandes del mundo, epicentro de movimientos políticos del país y donde permanecerá abierto hasta el próximo 27 de abril.
Colbert (Toronto, 1960) confía en que esta plaza, en ocasiones un "lugar de conflicto", con la exposición se convierta en un espacio de "unión y armonía".
"Este es un museo demócrata, para todo el pueblo mexicano", dijo Colbert, al recordar que "la naturaleza no es ni de izquierda, ni de derecha, ni de centro. Trasciende a esas cosas".
El edificio, diseñado por el arquitecto colombiano Simón Vélez, está hecho de bambú y materiales reciclables y se compone de dos galerías y de tres teatros distintos.
En las galerías cuelgan 53 fotografías a gran escala sobre salientes de agua y columnas de bambú, así como tres pantallas con imágenes que Colbert filmó en 35 milímetros.
Según el fotógrafo, los animales no posaron para su lente, sino que "colaboraron", y ninguna imagen fue montada digitalmente ni superpuesta.
Cada fotografía se imprimió sobre un papel de arroz japonés, hecho a mano y con tonos sepia, mide aproximadamente 3,5 por 2,5 metros, y está montada sin texto explicativo para que así el espectador interactúe con la obra.
La pantalla principal para la proyección de las películas mide 11 metros de ancho por 6,5 de alto, y las otras dos tienen unas dimensiones de 4,9 metros de ancho por casi 3 de alto.
La capital mexicana es la quinta ciudad que se exhibe esta muestra, después de Venecia (Italia), Nueva York, Tokio y Santa Mónica (California, Estados Unidos).
Los organizadores confían en que en Ciudad de México se rompan todos los récords de visitas, ya que esperan a más de un millón de espectadores en estos tres meses.
Colbert anunció también que pasará los próximos seis meses en México, durante las cuales realizará cinco expediciones por todo el país para crear nuevo material e incluirlo en la próxima muestra.

Fuente: EFE

Tres artistas españoles montan "Jaleo" en Pekín.

Tres artistas españoles que viven y trabajan en Pekín -el zaragozano Jorge Usán, el castellonense Ramón Roig y el guipuzcoano Judas Arrieta- inauguraron hoy en las afueras de Pekín la exposición "Jaleo", en la que mostraron obras con las que reflejan cómo la cultura china ha influido en su devenir artístico.

La exposición, que además muestra obras del chileno Matías Kranh (también residente en Pekín), es pare del III Festival de Arte de Songzhuang, un pueblo al este de Pekín que se ha convertido en una suerte de Montmartre pequinés, pues en él viven decenas de artistas y ya se han construido en él numerosas galerías.
Los cuatro españoles se han aventurado a vivir en Pekín contagiados por el enorme número de "pueblos de artistas" que han nacido en los últimos años en las afueras, y entusiasmados por una urbe que es el centro del arte chino contemporáneo, llena de contradicciones y, por tanto, de inspiraciones para crear.
"Me gusta moverme dentro de este caos. La ciudad a veces se te come, es un jaleo", explica a Efe Jorge Usán, desvelando así una de las razones para el título de la exposición.
El zaragozano asegura que España es para él un sitio "muy plano" y dijo que prefiere un lugar en el que "muevan algo de tu interior": según él, China es el país ideal para ello, enfrascado en una época de cambio que suele irle bien a la creación artística.
Aunque Usán presenta en esta colección una serie con una temática muy española, llamada "El Paseíllo", usa técnicas chinas (tinta sobre blanco) acompañadas de algún que otro objeto desperdigado en el lienzo (pepitas de sandía y cajas de cerillas) para describir el mundo taurino y el ambiente que le rodea.
Ramón Roig, por su parte, presenta en la exposición obras en las que muestra su admiración por el arte tradicional de Oriente, a través de sus "bellezas tecno", en las que dibuja a bellas mujeres chinas -un motivo muy popular en las antiguas acuarelas chinas- pero transformadas por la tecnología moderna.
El pintor de Oropesa del Mar asegura que le fascina el arte chino "que desde los orígenes continúa evolucionando", y en cambio le chocan aquellos artistas del país asiático que intentan copiar lo occidental, obteniendo resultados para él "chocantes".
Roig, que también presenta su serie "Mrs Protenomic" y se atreve a pintar borgianos Alephs, llegó a Pekín en marzo, atraído según él por la vitalidad del arte de esa ciudad, que no encontró en otras metrópolis más cosmopolitas como Shanghai o Hong Kong.
Judas Arrieta, natural de Hondarribia, presenta por su parte la serie "Manhua-Sunwukong-Xiyouji", en la que transforma tres edredones tradicionales chinos -adornados con dragones y deseos de felicidad para los matrimonios que bajo ellos duermen- en lienzos para plasmar en ellos lo que a él le ha impactado de China.
"Mi idea al principio era convertirme en un artista 'chino'. Sé que es imposible, pero juego con esa idea", asegura el pintor vasco, quien usa muchos motivos orientales, según cuenta, "para que hagan de pequeños 'anzuelos' para el espectador chino y le provoquen".
Arrieta, como sus compañeros, considera a China "un lugar muy interesante para producir y trabajar, con muchas galerías y precios asequibles" a la hora, por ejemplo, de alquilar un estudio.
La exposición hispano-chilena ha sido organizada por la galerista china Wang Chunyan, quien también les ha preparado una segunda exposición el próximo sábado día 10: llevará por título "Jaleo-Ma" y mostrará de forma similar la pasión de los cuatro artistas hispanohablantes por el caos pequinés.

Fuente: EFE

El pintor francés Christophe Prat, primer premio del Salón de Plasencia.

Christophe Prat, un pintor de origen francés residente en Madrid, con la obra "M.2007,3", ha obtenido el primer premio del XXIX Salón de Otoño de Pintura de Plasencia, promovido por la entidad Caja de Extremadura para artistas de la Unión Europea e Iberoamérica, y dotado con 30.000 euros.

El galardón, denominado "Caja de Extremadura" ha sido entregado esta noche por el presidente de la entidad financiera, Jesús Medina, en el transcurso del acto oficial de publicación del fallo e inauguración de la exposición del XIX Salón de Otoño de Pintura, que tuvo lugar en la iglesia de San Martín de Plasencia (Cáceres).
El jurado de la presente edición ha estado compuesto por Juan Manuel Bonet, Martín Chirino, Tomás Paredes, José María Viñuela y José María Luna.
Además del primer premio, y según se ha dado a conocer en el acto de difusión del fallo, el jurado, de acuerdo con lo estipulado en las bases del certamen, ha propuesto a la Caja de Extremadura la adquisición de un total de cuatro obras presentadas a concurso, por un importe total de 33.000 euros.
Estas obras son "666.000 euros", de la que es autora Chus García Fraile, de Madrid; "Exterior 2004", de Thomas Jocher, natural de Saalfelden (Austria); "Verde pequeña madera", de Ruth Morán, de Badajoz; y "El día del Señor", obra de Paco Pomet, de Granada.
El autor de la obra ganadora, Christophe Prat, ha destacado que en su obra -acrílicos sobre tela- no hay figuración y no cuenta historias "sino que busca la belleza", y ha añadido que el cuadro "se ha hecho para mirar y para sentirlo".

Fuente: EFE

La Fundación de las Artes y los Artistas entrega los premios de la II Edición.

La Fundación de las Artes y los Artistas entregará esta noche al pintor Golucho y al escultor José Belmonte los premios correspondientes a la II edición del Concurso de Pintura y Escultura Figurativas.

En un acto que se celebrará en el Museo Thyssen-Bornemisza se podrán contemplar junto a las obras galardonadas las siete menciones de honor y treinta obras seleccionadas, entre las más de ochocientas presentadas, por un jurado compuesto por figuras del mundo del arte como Antonio López, Eduardo Naranjo, Manuel Parralo, Antonio Zambrana Lara o Julio López Hernández.
En esta segunda edición, en la que la dotación económica es de 200.000 euros destinados a premios y adquisición de obras, el ganador ha sido Golucho con su obra "Retrato de insomnio" y José Manuel Belmonte con "Hombre Pájaro".
La Fundación de las Artes y los Artistas es una entidad sin ánimo de lucro que nació a finales de 2005 de la mano del arquitecto José Manuel Infiesta con el objetivo de promover y fomentar el arte figurativo moderno y contemporáneo a través de varias vías, entre las que se encuentra la convocatoria de este concurso.

Fuente: EFE

Art Basel Miami Beach presentará una nueva sección con veinte galerías.

Art Basel Miami Beach, una de las principales ferias internacionales de arte moderno y contemporáneo, presentará este año una nueva sección que exhibirá una amplia colección de obras recién salidas de los talleres.

"Art Supernova" contará con veinte galerías de Alemania, Brasil, China, Dinamarca, Estados Unidos, Gran Bretaña, Italia, Noruega y Polonia, que mostrarán trabajos recientes de artistas emergentes que son parte de sus catálogos, informaron hoy los organizadores.
Art Basel Miami Beach, la hermana estadounidense de Art Basel en Suiza que es la exposición de arte anual más importante del mundo, abrirá sus puertas del 6 al 9 de diciembre próximo, en el sur del estado de Florida.
Se espera la participación de unas 200 galerías de Asia, America Latina, África, Europa y Norteamérica, que mostrarán las obras de cerca de 1.500 artistas.
La nueva sección fue concebida por el experimentado curador Simon Lamunière y el reconocido artista austríaco de los nuevos medios, Peter Kogler, encargado de crear un trabajo específicamente para esta área.
Su montaje digital de diversos motivos y bucles interrelacionados se imprimirá sobre una película plástica especial y se expondrá en el pasillo que lleva a «Art Supernova», la cual estará ubicada en un espacio separado adyacente a los salones de exhibición en el Miami Beach Convention Center.
Las prácticas pictóricas y gráficas que Kogler utiliza en su pieza basan su efecto en variaciones generadas por computadora de módulos emblemáticos activados por cambios de secuencia, emplazamiento y dimensión.
El concepto de "Art Supernova" ofrece una forma alternativa de presentación de galerías en el contexto de una exposición de arte, ya que en lugar de que cada galería tenga su pabellón, los expositores contarán con espacios de exhibición interconectados y un área de almacenamiento común.
También tendrán instalaciones compartidas para presentar trabajos sobre papel, vídeos, archivos de artistas, libros y catálogos. Además de un espacio colectivo de oficinas y una cafetería.
Entre las galerías y artistas que participarán en esta nueva sección están Art: Concept de Francia, Philippe Perrot y Gedi Sibony; Bortolami Gallery, Nueva York; The Breeder Projects, Grecia; Punto Gris de Puerto Rico, Dzine, Katie Holten y Mamiko Otsubo; y Marília Razuk Galería de Arte de Sao Paulo, Brasil, que presentará a Cabelo, Caetano Dias y Rodrigo Andrade.
Otra de las novedades de este año es la sociedad entre Art Basel, Art Basel Miami Beach y Cartier, una de las principales empresas de artículos de lujo, que creará el Cartier Dome en el Miami Beach Botanical Garden para albergar una colección de joyas y en donde se organizarán eventos en honor a las personalidades del mundo del arte.

Fuente: EFE

Guggenheim Bilbao muestra la obra reciente de doce jóvenes artistas vascos.

El Museo Guggenheim de Bilbao exhibirá desde mañana y hasta el próximo 17 de enero la exposición "Chacun á son goût" (Cada uno a su gusto) con obras creadas para la ocasión
por doce artistas vascos y con la que se completa la programación especial diseñada para celebrar el décimo aniversario del museo.
El director del Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, resaltó hoy, en una conferencia de prensa en la que presentó la muestra, que la exposición dedicada al arte vasco más actual pretende reflejar "una de las diferentes caras de la personalidad de la pinacoteca bilbaína, en este caso la más cercana, tanto en el sentido geográfico como temporal".
En la exposición participan los bilbaínos Aitor Ortiz, Ixone Sádaba y Abigail Lazkoz; los guipuzcoanos Ibon Aranberri, Maider López, Asier Mendizabal, Itziar Okariz, Sergio Prego y Juan Pérez Aguirregoikoa; el navarro Clemente Bernard, el santanderino Manu Arregui y la mexicana Elssie Ansareo.
Vidarte opinó que la comisaria de la exposición, Rosa Martínez, licenciada en Historia del Arte por la Universidad del Barcelona, "ha conseguido montar una muestra muy interesante que cumple el deseo del museo de proyectar hacia el exterior la realidad del arte vasco contemporáneo".
Recordó que es la quinta exposición que el Guggenheim bilbaíno dedica a artistas vascos (tres de ellas fueron monográficas, y las otras dos, entre las que se incluye la presentada hoy, colectivas),
de las 54 programadas en sus diez primeros años de andadura.
La comisaria de la muestra, Rosa Martínez, explicó que, a la hora de conformar la propuesta sobre el arte vasco más actual, el criterio que utilizó para elegir a los artistas fue el de que
hablasen "de las especificidades del lugar del que provienen, utilizando lenguajes artísticos internacionales".
La exposición, argumentó, aporta una visión del arte vasco desde la pluralidad de lenguajes artísticos, aunque con un claro predominio del fotográfico en sus diferentes estilos (desde el
documental o periodístico, al retrato o al fenomenológico) ya que es el utilizado por cuatro de los 12 artistas seleccionados: Elssie Ansareo, Clemente Bernard, Aitor Ortíz e Ixone Sádaba.
La nómina de lenguajes y estilos artísticos empleados en la exposición se completa con el mural (Abigail Lazkoz), el vídeo (Manu Arregui), el grito (Itziar Okariz), la pancarta y el dibujo (Juan
Pérez), la instalación escultórica (Maider López y Sergio Prego), el fuego (Asier Mendizabal) y las banderolas (Ibon Aranberri).

Fuente: EFE.

Viva la Muerte! explora la relación entre el mundo latino y la muerte.

¿La cultura de la muerte o la muerte en la cultura? Una exposición en Viena reúne obras de varios de los más prestigiosos artistas españoles y latinoamericanos contemporáneos en "¡Viva la Muerte!", que reflexiona sobre la violencia y la relación con la muerte en la sociedades hispánicas.

"¡Viva la Muerte! ofrece artistas que usan el culto, el ritual y la metáfora de la muerte como punto de partida para la exploración de estéticas personales", indica el catálogo de la exposición que se inaugura hoy en la Kunsthalle de Viena.
La exposición se divide en "obras sobre los rituales de la muerte -especialmente en México-, el uso de la muerte como instrumento de la violencia política y los crímenes anónimos en latinoamericana", dijo a Efe el comisario de la muestra, Thomas Miessgang.
La muestra reúne obras de 23 artistas de indudable prestigio como los españoles Santiago Sierra y Cristina García-Rodero, el brasileño Cildo Meireles, el colombiano Juan Manuel Echavarría y la mexicana Teresa Margolles.
Las formas y los enfoques con los que los creadores afrontan la muerte y la violencia en su obra es diversa -su arte se plasma en vídeos, instalaciones, fotografías, esculturas o lienzos-, pero a todos les une la crítica social.
El artista belga residente en México Francis Alÿs es el primero en recibir al visitante de la exposición con un vídeo en el que pasea con una pistola por Ciudad de México antes de ser detenido.
La proyección se divide en dos: una en la que muestra la detención real hecha por la policía y un simulacro, en un intento de reflexionar sobre el sentido de la violencia en la realidad y la ficción.
El colombiano Juan Manuel Echavarría presenta una serie conceptual de 32 fotografías en blanco y negro en la que huesos humanos son representadas con formas de flores botánicas.
Gran parte de la obras trata de denunciar atrocidades políticas y sociales como el vídeo "¿Quién puede borrar las huellas?", de la guatemalteca Regina José Galindo, ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia de Arte en 2005 en la categoría de artista joven.
Galindo lleva una palangana llena de sangre que cada cierto tiempo deja en el suelo para introducir sus pies, y luego deja sus huellas rojas en el tramo que va desde el Tribunal Constitucional hasta el Palacio Nacional de Guatemala, en una crítica contra la dictadura de Efraín Ríos Montt (1982-1983).
Entre las piezas que forman la muestra se puede encontrar una instalación de Cildo Meireles, figura mayor del arte brasileño, en la que se representan huesos humanos que parecen flotar sobre un suelo cubierto de monedas y obleas de comunión para denunciar la conexión entre poder, espiritualidad y muerte.
Otras de las piezas de la exposición están dedicadas al culto a la "Santa Muerte" en México, con esculturas de Pedro Reyes y fotografías de Stephan Lugbauer.
Los devotos de la Muerte empezaron siendo presidiarios, criminales o narcotraficantes que piden la muerte de sus enemigos, pero su culto se ha extendido de tal manera que ya no conoce de barreras sociales.
México, con sus "panes de muerto" por el Día de los Muertos, una festividad que coincide con el Día de Todos los Santos y tiene raíces prehispánicas, es uno de los países destacados en la exposición.
El sincretismo, la pervivencia de cultos precolombinos, el rigor del catolicismo hispano, la violencia durante la Conquista y algunas tradiciones traídas por los esclavos africanos son algunos de los motivos que utilizó Miessgang para explicar la aceptación de la muerte.
También se destacan las fotografías de la prensa de "nota roja" de Enrique Metinides, en la que se muestran con frialdad el rastro de la destrucción en las víctimas de accidentes de tráfico, electrocuciones, ahogos y suicidios.
La española Cristina García-Rodero, Premio Nacional de Fotografía en España, está presentada por algunas de las fotografías de su serie "España Oculta" en la que refleja su austera visión de algunas tradiciones religiosas españolas de la Semana Santa.
El polémico artista español Santiago Sierra muestra un vídeo titulado "3.000 agujeros", cavados en Vejer de la Frontera (Cádiz, España) para representar a los inmigrantes ahogados al intentar cruzar el estrecho de Gibraltar.
La mayor parte de los fondos proceden de la colección Daros de Zúrich (Suiza) y a partir de abril se podrán visitar en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria.
"Es una visión, por primera vez realizada no por comisarios latinoamericanos, sino por comisarios de Centroeuropa, y es muy interesante cómo desde Centroeuropa ven todo el mundo latino", aseguró a Efe el conservador jefe del CAAM, Álvaro Rodríguez Fominaya.

Fuente: EFE

Chile y China "cosidas" en su primera exposición conjunta de arte vanguardia.

(Nicolás Grum, captado en pleno proceso de construcción del vehículo, sostiene en su mano la maqueta de la obra. Foto: TRAUDY GUITAL )

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Doce artistas chilenos y otros tantos chinos han reunido sus obras en la primera gran exposición conjunta de arte de vanguardia de ambos países que, bajo el título "Sewn (Cosidos)", se puede ver desde hoy en Pekín.
"No hay una temática específica sino artistas que se dedican al arte contemporáneo y han mantenido una honestidad con su trabajo", explicaron a Efe los responsables de la muestra: la pareja de artistas chilenos Nicoykatiushka.
Patinadores sobre una rampa creada por el chileno Nicolás Grum o una proyección en la que el chino Chen Xinpeng fuma en una habitación, ataviado con una mascarilla de oxígeno, hasta que el humo lo hace desaparecer.
"Lo importante es generar esa unión entre arte y deporte, y como objeto la rampa me parece muy escultórico", dijo a Efe Grum.
En otra obra, Nicoykatiushka explotan las nuevas tecnologías para representar un duelo a muerte en el que acaban fundidos en un solo cuerpo.
"Nuestros últimos cuatro proyectos han sido sobre la relación sexual. Con este rematamos el ciclo y ya no queda nada más con el sexo. Ahora vamos a trabajar con la muerte", afirmaron.
La exposición recoge también pinturas, esculturas, collages y fotografías, entre estas últimas las de María Luisa Murillo, inmersa en el retrato de grandes espacios urbanos vacíos.
"Al principio trabajaba con personajes pero luego desaparecieron y el espacio vacío fue el que empezó a hablar sobre las personas", relató Murillo, quien durante su estancia en Pekín ha conseguido sortear las avalanchas de turistas y retratar la Ciudad Prohibida en soledad.
Organizada por la Embajada de Chile, la exposición, que irá después a Shangai y Santiago de Chile, está instalada en un enorme espacio de la firma china "Elements Museum" situado en una de las aldeas de artistas de la capital china.
Además de los 24 autores chinos y chilenos, tiene como invitados especiales a cuatro artistas extranjeros afincados en Pekín, entre ellos el español Judas Arrieta.
"Esta exposición abre las puertas de las relaciones del arte del siglo XXI entre China y Chile. Tenemos mucho que construir entre estos dos lados del Pacífico con una mirada moderna, audaz, creativa, sorprendente", subrayó Fernando Reyes Matta, embajador chileno en China.
A su juicio, la muestra es algo "definitivo" en la que se lleva "la calle a la galería", así como un exponente de la vivacidad de la nueva generación de artistas chilenos que ha superado los "resabios pinochetistas".
"El arte contemporáneo chileno tiene algo que ver con el juego, con disfrutar del arte. En esta exposición casi ninguna obra está relacionada con la política", afirma Elisita Punto.
La omnipresente figura del general chileno Augusto Pinochet sólo está presente en las fotografías de Manuela Viera Gallo, en las que la cabeza del dictador aparece quemada.
A pesar de que el 50 por ciento de los artistas chilenos todavía viven en el extranjero, las oportunidades en Chile están creciendo y "aunque no se puede comparar con Nueva York o Londres, hay un avance", manifestó Murillo.

Fuente: EFE.

Obra de un artista español sobre el calentamiento global se exhibirá seis meses más.

La instalación del artista español Angel Orensanz "El jardín antes de la serpiente" sobre el desafío del cambio climático permanecerá otros seis meses expuesta en las inmediaciones de la sede de Naciones Unidas en Nueva York.

Aunque la obra, en un principio, debía haberse retirado este mes, el Departamento de Parques de la ciudad de Nueva York decidió ampliar hasta marzo de 2008 el período de exhibición de la obra "debido el entusiasmo del público", informó la Fundación Orensanz.
El grupo de 10 esculturas verticales en forma de tótem es una invitación a cuestionar los conceptos utópicos de la naturaleza y plantea una visión crítica de sus limitaciones.
El título de la obra, lo tomó Orensanz de un clásico del pintor naif francés Henri Rousseau y con ella el artista español trata de advertir al público sobre el calentamiento global y la fragilidad de la naturaleza.
La colocación de la obra en la Plaza Dag Hammarskjold en la isla de Manhattan, próxima a la sede de la ONU, fue a petición del Consejo Mundial de los Pueblos de las Naciones Unidas, una organización humanitaria de Nueva York.
Su instalación inicial coincidió con los debates de Naciones Unidas sobre el cambio climático.

Fuente: EFE

Los estamentos artísticos creen que el museo despertó el gusto de los bilbaínos por el arte moderno.

Miembros de los distintos estamentos artísticos existentes en la capital vizcaína han opinado que la puesta en marcha del Museo Guggenheim de Bilbao hace 10 años ha contribuido a despertar el interés de los bilbaínos por el arte moderno y contemporáneo.

El crítico de arte y profesor de Teoría e Historia del Arte en el Siglo XX de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, Javier San Martín Martínez, ha declarado a EFE con motivo de la celebración del décimo aniversario del Guggenheim que, "sin duda", la ubicación de este museo en Bilbao ha fomentado el conocimiento y gusto de los bilbaínos por el arte moderno.
"Hace diez años -ha agregado-, el sector artístico en Bilbao era minúsculo y, aunque solo fuera por los 15.000 amigos del museo, se ha creado una importante base de acercamiento al arte de los últimos cincuenta años".
La responsable de la galería Vanguardia de Bilbao y representante de la Asociación Bilbao Contemporáneo, que agrupa a ocho galerías de la capital vizcaína que trabajan con arte moderno, Petra Pérez, ha opinado que la apertura del Guggenheim en Bilbao "ha despertado el interés, pero el conocimiento de este tipo de arte requiere esfuerzo por parte del espectador y eso solo se conseguirá con el tiempo".
El pintor bilbaíno y profesor titular del Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, Adolfo (Fito) Ramírez Escudero, ha considerado que "un posible efecto de ese mayor interés por el arte contemporáneo por parte de los bilbaínos se podría haber traducido en un desarrollo de 'la industria del arte', en forma de ventas de obras, lo que, aparentemente, no ha sido así, ya que son más las galerías que han cerrado que las que han abierto en estos 10 últimos años".
Cuestionados estos tres miembros del mundo artístico bilbaíno sobre si el Museo Guggenheim ha contribuido a dar mayor vitalidad al panorama artístico de la capital vizcaína en particular y el vasco, en general, Javier San Martín ha señalado que "no solo ha revitalizado la escena artística, sino también la ciudad y la región".
"El Guggenheim -ha indicado- es un museo de arte de última generación cuyas competencias sobrepasan con mucho el terreno del arte para abarcar el campo más general de la industria del ocio".
La portavoz de los galeristas de arte contemporáneo de Bilbao ha respaldado esta impresión de San Martín, aunque ha precisado que cree que "ha repercutido muy poco en el resto de la comunidad autónoma vasca en general".
El pintor "Fito" Ramírez Escudero ha señalado que "la vitalidad artística la encontramos más en iniciativas de carácter alternativo de colectivos y entidades como Amaste, Periferiak, Amatau, DKMuralismo, Anti-Funky proyects, Rebublicarrak, Consonny, Abisal, Fundación Rodriguez, Epelde y Mardaras, que en iniciativas de carácter institucional como las que protagonizan museos como el Guggenheim".
Javier San Martín ha admitido que en esta década su percepción sobre la utilidad de esta iniciativa ha cambiado "profundamente" ya que "hace diez años era contrario al proyecto y ahora creo que es positivo, y, aunque no comparto muchos aspectos de organización, programación, política editorial, etc., acudo al museo más o menos una vez por semana".
Su compañero de docencia en la Facultad de Bellas Artes, "Fito" Ramírez Escudero ha asegurado que dicha percepción no ha cambiado mucho respecto a la que tenía en 1997 porque "la utilidad artística y cultural del proyecto era, y creo que sigue siendo, una incógnita".
Petra Pérez ha manifestado que su percepción sobre la utilidad del Guggenheim no ha cambiado en lo fundamental porque "el Museo no puede hacer milagros si no hay un plan más amplio de concienciación hacia el arte y la cultura en general".

Fuente: EFE

Joven juzgada por besar la obra de un artista.

(La abogada del demandante, Agnès Tricoire, presenta a la Corte una reproducción del beso dado)

El Ministerio Fiscal francés ha pedido una multa de 4.500 euros contra una joven juzgada en Aviñón por haber besado con carmín rojo en los labios un lienzo del pintor americano Cy Twombly, estimando que la mujer había demostrado una especie de "canibalismo" o "parasitismo".

El juicio se espera para el próximo 16 de noviembre.
Hacia finales de julio, durante una exposición en Aviñón consagrada a este artista de renombre internacional por la Colección Lambert, Rindy Sam, una joven de 30 años y habitante de esta región posó sus labios pintados de rojo sobre un lienzo blanco inmaculado que forma parte de un tríptico valorado en dos millones de euros.
Visiblemente consternada por la magnitud de las repercusiones de su gesto, la joven, de nacionalidad camboyana, declaró que se trataba de "un gesto de amor": "cuando lo abracé, no reflexioné, pensaba que el artista lo comprendería..."
El quid de la cuestión es que a Cy Twombly le horrorizó el beso de Rindy Sam, según su abogada Agnès Tricoire.

Fuente: AFP.