El nuevo proyecto para el jardín del MuVIM incluye un auditorio que contribuirá a "mejorar su imagen.

El Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM) contará con un auditorio si se lleva a cabo la modificación del proyecto de acondicionamiento del jardín que ha realizado el arquitecto Guillermo Vázquez Consuegra y que debe de autorizar la Dirección General de Patrimonio. Sería una obra "muy importante" para el centro cultural, puesto que puede contribuir a diversificar sus actividades y a mejorar su imagen.

Así lo ha asegurado el director del museo, Javier Varela, en una entrevista concedida a Europa Press, en la que también ha detallado que el auditorio está proyectado en la esquina del jardín del MuVIM con la avenida Guillén de Castro.

"Quiero hacer cosas allí, cine y otras actividades. De hecho, hay pensada una exposición sobre canción de autor en España que casi no hemos cerrado a expensas de que esa obra se realice y poder completar la muestra con un recital de algún artista importante", ha revelado.

Varela ha reconocido que un asunto que le preocupa es "el tema de la imagen del museo" y ha considerado que "hace falta poner el MuVIM en la geografía mental de Valencia y a eso nos va a ayudar mucho la rehabilitación del jardín".

En este sentido, ha destacado que entre las primeras cosas que hizo al asumir su cargo fue conocer el proyecto de adecuación e "instar a que se lleve adelante para cerrarlo cuanto antes".

El responsable del espacio ha recordado que hubo un primer proyecto del arquitecto del MuVIM, Vázquez Consuegra, que ha tenido que cambiarse después de que apareciera, "como era lógico", unos hallazgos arqueológicos en la zona.

Por este motivo, el arquitecto ha elaborado una modificación del proyecto original para recuperar esos elementos e incorporarlos al conjunto del jardín, así como añadir un nuevo auditorio.

"Ese proyecto ya se presentó ante la Conselleria de Infraestructuras y ahora está en Patrimonio, que debe hacer un doble informe arqueológico y arquitectónico que, según mis noticias, está a punto de culminar", ha señalado Varela, que ha añadido que, "una vez culminado el proceso de diagnosis y de autorización por parte de Patrimonio tendrán que retomarse las obras", previsiblemente el próximo mes de octubre.

SANEAMIENTO DE LA ZONA

El director ha remarcado que esta obra es clave para la ciudad de Valencia, ya que el MuVIM se encuentra en un lugar "céntrico y magnífico y es importante para continuar el saneamiento de la zona, no es de recibo que una zona como esta de usos culturales y residenciales sea un área, por ejemplo, de prostitución".

"Es importante para el barrio, para la ciudad y para el MuVIM que esas obras se hagan y vamos a hacer lo posible por solucionar esto porque ya es hora, después de un año y pico con las obras paradas", ha subrayado.

Fuente: EUROPA PRESS

Esperanza D'Ors aegura que "en este tiempo se produce un arte feo".

La artista madrileña Esperanza D'Ors ha reivindicado hoy en León la "belleza" como "transformadora del alma humana", frente a las tendencias artísticas actuales de "este tiempo", en el que se "produce un arte feo, con obras muy torturadas" y que denominó "feísmo". Seguir leyendo el arículo.

En este contexto actual, en el que la crisis económica está presente y en el que "vivimos una nueva edad media tan cínica y brutal", la artista ha opinado que "ahora es más necesaria que nunca la belleza para consuelo de nuestro alma y la vida".
Así lo ha manifestado hoy a EFE en León después del acto inaugural de una escultura creada por ella titulada "Los cuatro elementos de la naturaleza", con los que hace una reflexión de la condición humana, una obra con la que se pretende conmemorar el cien aniversario de la Cámara de Comercio de León.
En sintonía con esto, la artista ha defendido la creación de obras "hermosas", que cumplan la función que "debe tener el arte", a su juicio, en el sentido de que "debe ser un alimento del espíritu y transformador de nuestra vida".
En esta época en la que vivimos de "crisis", la artista ha reivindicado "el hombre como centro del universo", algo que no ha ocurrido en la época en que le ha tocado vivir, según ha explicado la artista.
Se considera una escultora "neoclásica y postmoderna a la vez", ya que defiende un concepto clásico de la escultura, pero "siempre con la visión del hoy y que invite a la reflexión".
A su juicio, "el arte es un vehículo de ideas y emociones y si no cumple esta función no nos sirve de nada".
En la escultura que hoy ha inaugurado en la capital leonesa, la autora recrea una vez más su universo mitológico, a través de Prometeo, Sísifo, Ícaro y Narciso, en este caso Narcisa, para que también haya una figura humana de mujer.
En consonancia con el título de la obra, la artista saca a relucir también los cuatro elementos naturales, ya que Prometeo simboliza el fuego, Sisifo la tierra, Narciso el agua e Ícaro el aire.
Ha confesado que usa los mitos "porque son los que hablan de la aventura humana" y reflejan cómo es el hombre, que, a su juicio, "no ha cambiado".
Para ella, "todos somos Prometeo porque estamos encadenados a la tierra donde tenemos que desarrollar nuestro destino; somos Sísifo porque cada día cargamos con una piedra para llegar a la cima, con nuestro trabajo; somos Narciso, porque en el espejo de la vida nos preguntamos quiénes somos; y también Ícaro, porque continuamente intentamos volar con nuestros sueños".
La obra de D'Ors está ubicada sobre una plataforma de nueve metros de largo y consta de cuatro esculturas, todas ellas figuras humanas, que incorporan cada uno de los cuatro elementos naturales, alguna de las cuales llega a medir hasta 4 metros de altura.
Además, se ha instalado a este conjunto escultórico una iluminación activa que funcionará durante ocho minutos a las horas en punto y que variará para favorecer el dinamismo de la procesión de elementos.
Sobre si afecta la crisis a los artistas, ha afirmado que ella sí lo nota sobretodo en lo que concierne a la obra pública.
Ha afirmado que "ha habido unos años buenos", ya que "las ciudades han sido devueltas al ciudadano, se han peatonalizado los cascos antiguos y nació la necesidad de hacer esculturas como lugar de encuentro".
"Ahora espero que la crisis no haga dar marcha atrás", ha afirmado.

Fuente: EFE

La obra gráfica de Eduardo Chillida llega a Colonia.

Una exposición en Colonia acoge desde hoy una extensa muestra de la obra gráfica del artista español Eduardo Chillida (1924-2002), que recorre los últimos cuarenta años de su producción a través de un centenar de piezas.

La galería Boisserée presenta una amplia colección del trabajo gráfico de Chillida, uno de los artistas españoles contemporáneos más internacionales, que supo trasladar la fuerza expresiva de su actividad escultórica al medio bidimensional.
En total, se exponen un centenar de obras gráficas entre aguafuertes, xilografías, litografías, grabados y las por él denominadas "gravitaciones", dibujos que adquieren una tercera dimensión sobre el papel.
Destacan un aguafuerte de 1968 de la serie "Inguru" y los cinco grabados realizados un año más tarde de la serie "Beltza".
Por su gran calidad plástica también sobresalen dieciséis trabajos de la serie "Más allá", que datan de 1973, así como la sucesión de nueve aguatintas para los poemas del autor catalán Joan Brossa integrados en "A Peu pel Llibre", de 1994.
Con motivo de la exposición, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 11 de octubre, se ha editado un catálogo con las fotografías en color de todas las obras exhibidas, que va acompañado de un prefacio de Ignacio Chillida, hijo del artista.

Fuente:EFE

Una muestra repasa en el Museo Würth la figura de José de Guimaraes y su relación con el arte africano.

El Museo Würth de La Rioja acoge desde hoy y hasta 2 de noviembre una retrospectiva del creador luso José María Fernandes Marques, mas conocido como José de Guimaraes, en la que se indaga fundamentalmente en la influencia que ha tenido el arte africano en su obra artística.

Esta es la primera vez en la trayectoria de este artista, autor del logotipo turístico de su país, en la que se ha establecido un diálogo entre su propia obra y las piezas que han influido en ella.
Entre las mismas figuras obras de culturas tan diversas como los Bamileke y los Koko, de Camerún, los Kota y Mumuye, de Nigeria, los Dogon, de Mali, o los Fang, de Gabón, que al artista ha ido coleccionando a lo largo de su vida con un único criterio estético.
La muestra lleva por título "José de Guimaraes. Mundos, cuerpo y alma" y esta compuesta por 130 obras, de las que 67 de ellas son piezas escultóricas africanas, la mayoría utilizados con fines mágicos.
La exposición, que ha sido inaugurada en presencia del propio artista por el director general de Würth España, Juan Ramírez, y por el consejero de Cultura de La Rioja, Luis Alegre, también hace un repaso por la obra más reciente del artista luso y por sus series dedicadas al arte asiático y al mundo mortuorio mexicano.
En esta parte se incluyen obras aún no vistas en España de la serie "Imperios del Fin", como el gran lienzo 'Madrid-Atocha 2004', dedicado a los atentados islamistas en los que fallecieron 191 personas o la reciente 'Favela', "una metáfora sobre la inmigración y la interculturalidad", según ha confesado el artista.
Nacido en 1939 en la localidad de Guimaraes, de la que ha tomado su nombre artístico, el artista luso tuvo su primer contacto con África en 1967, cuando llegó a este país para hacer su servicio militar en la antigua colonia portuguesa de Angola.
"Lo que pensé que iba a ser un desastre, se convirtió en una de las experiencias más positivas que he tenido desde el punto de vista creativo", ha confesado el artista.
Guimaraes quedó maravillado por la métodos expresivos que allí vio y se lanzó a reproducir aquellos modelos desde una óptica propia.
Fruto de ello fueron las 132 piezas que componen su primera gran obra maestra, "Alfabeto africano", elaboradas entre 1972 y 1974, y que también pueden verse en la exposición.
El artista se inspiró para ello en una tribu que utilizaba pequeñas estampas que el marido regalaba a la mujer y que iban más allá de la propia escritura, por cuanto que con un pequeño dibujo, a manera de ideograma, eran capaces de transmitir distintas sensaciones y estados de emoción.
"Mi alfabeto tiene una autonomía y una simbología propia, aunque parte del entendimiento de estas artes", ha afirmado el artista, quien luego repetiría este particular código de comunicación con otras culturas.
Guimaraes se marchó de Angola en 1974 y desde entonces sigue creando obras influidas por los distintos estilos africanos allí presentes, como "El gran fetiche rojo" o "Totem", ambas de 1990 que también se puede verse en la muestra.

Fuente: EFE

Banksy convocó a grafiteros de todo el mundo para exposición bajo un túnel.

Un lóbrego túnel ferroviario de la línea Eurostar, los trenes que unen Londres con el continente, se convertirán mañana en una de las atracciones artísticas de la capital británica gracias a una exposición de grafiteros de todo el mundo organizada por Banksy.

El misterioso grafitero británico de ese nombre, cuyas obras alcanzan últimamente elevados precios en las subastas de Londres o Nueva York, ha reunido a cuarenta cultivadores de ese tipo de arte urbano para convertir un oscuro túnel del sur de la capital británica en una singular exposición.
El propio Banksy ha contribuido con varias obras, entre ellas una que representa a un encapuchado que se autolesiona, un buda con un collar ortopédico y un empleado municipal que intenta borrar unas supuestas pinturas rupestres, según informa hoy el diario "The Times", que publica algunas de las imágenes.
El artista noruego Dolk ha pintado al Papa al estilo de la imagen icónica de Marilyn Monroe sonriendo en plan coqueto mientras la túnica parece revolotearle.
Los grafiteros han llegado de todas las partes del mundo, incluidos Estados Unidos y Argentina.
Según el argentino Federico, del colectivo de arte urbano "Run Dont Walk, "todo ocurrió muy rápido. Nos dijeron que reservásemos nuestros vuelos. Es estupendo encontrarse aquí con gente de todo el mundo. No es una galería, sino algo muy especial".
Leon, artista británico residente en Los Ángeles, explica que aunque "es tradicional que los artistas del grafiti colaboren, es algo que no había ocurrido antes a esa escala".
"Siempre he pensado que cualquiera que sea capaz de pintar debería tener al menos tanto que decir sobre la estética de nuestras ciudades como los arquitectos y los publicitarios", afirma Banksy en declaraciones al periódico.
"Cubrir una calle entera de grafiti es la realización de un sueño aunque algunas personas hablarían más bien de una completa pesadilla", afirma Banksy.
El diario "The Times" se comprometió a no revelar el lugar exacto donde se encuentra el túnel hasta las 22.30 de esta noche, aunque a partir del lunes todo el mundo podrá visitarlo y hacer sus propias pintadas.
"Los grafiti no siempre estropean los edificios. Muchas veces incluso los mejoran. En unas pocas horas y con ayuda de unos cuantos botes de pintura es posible transformar un agujero inmundo en un bello oasis artístico", explica Banksy.
Se trata de la primera exposición organizada en el Reino Unido por Banksy desde la bautizada "Crude Oils" en el 2005, cuando expuso 164 ratas vivas y estropeó copias de cuadros famosos de Van Gogh y Edward Hopper.

Fuente: EFE

Artistas españolas presentan "The neverstarting story" en la Fiesta España 08.

Cuatro creadoras españolas presentaron hoy en Bogotá el proyecto escénico "The neverstarting story" ("La historia que nunca empieza"), en el marco de la Fiesta España 08.

Cristina Blanco, Cuqui Jerez, María Jerez y Amaia Urra explicaron en un encuentro gratuito de qué forma se configura su propuesta, de la que surgen tres piezas escénicas y una película.
A partir de una serie de preguntas y del principio de "no propiedad" de las ideas, estas artistas, que normalmente trabajan por separado, buscan la manera de conjugar sus trabajos sin necesidad de llegar a un consenso.
Bajo esta premisa investigativa surgieron "El Montaje", de Cristina Blanco; "El Ensayo", de Cuqui Jerez, y "La Cosa", de Amaia Urra, así como la película llamada "La Peli", de María Jerez, y un cortometraje de título "Cinthy Tuloh".
Fiesta España 08 es un evento de jóvenes creadores ibéricos de los campos de las artes visuales, la arquitectura, el cine, las artes escénicas, la literatura y la música que empezó el 1 de mayo pasado e irá hasta el 6 de junio.
Este proyecto, que busca intercambiar experiencias y conocimientos entre Colombia y España, se presenta en museos, universidades, teatros, auditorios y otros espacios de Bogotá.
A lo largo de Fiesta España 08 también habrá espacio para otras propuestas escénicas, como la "Primera convención de amos y esclavos. I have a dream", de Juan Navarro, y "Tres acciones de Angelica Liddell", una pieza relativa a la decisión de la artista de autolesionar su esencia humana.
En el ámbito de las artes visuales están programadas la exposición "Ibérica", del fotógrafo vasco Ricky Dávila, y una serie de encuentros y talleres con creadores y comisarios de arte contemporáneo.
Otra de las propuestas de Fiesta España 08 es la presentación de dos jóvenes arquitectos españoles, Andrés Jaque y Nerea Calvillo, que indagan en los límites de la disciplina desde una perspectiva social y experimental.
En cuanto a las letras, España 08 aprovecha la presencia en la reciente XXI Feria del Libro de Bogotá de los escritores Andrés Barba, autor de "La ceremonia del porno", y del zaragozano Félix Romeo, para ofrecer encuentros literarios con los autores.
La Fiesta se unirá también al Cine del Museo de Arte Moderno, la Dirección Nacional de Cinematografía del Ministerio de Cultura y la Universidad Nacional de Colombia para proyectar una muestra de las últimas películas de los jóvenes creadores más importantes del panorama peninsular.
Finalmente, en el apartado de la música, la banda de pop-rock Marlango, liderada por la cantante y actriz almodovariana Leonor Watling, presentará su último trabajo, "The electrical morning", con la presencia del grupo colombiano Estados Alterados, uno de los más reconocidos de la década de los 80 y los 90.
Alrededor de este acontecimiento cultural también se desarrollan numerosas mesas redondas con la participación de los reconocidos creadores, así como otros jóvenes españoles destacados en el terreno de las artes contemporáneas.
Fiesta España 08 cuenta con la colaboración de la embajada española en Colombia y del Ministerio de Cultura del país anfitrión.

Fuente: EFE

El arquitecto Frank Gehry expondrá por primera vez en Londres.

Gran Bretaña acogerá por primera vez una obra del genial arquitecto estadounidense Frank Gehry, quien fue escogido para diseñar el próximo pabellón veraniego de la Serpentine, anunció el martes la célebre galería de arte instalada en los jardines de Hyde Park, en Londres.

Gehry, que diseñó el museo Guggenheim de Bilbao, entre otros edificios innovadores, ha ideado una estructura asimétrica de planchas de madera y de cristal, que se levantará en el sitio de la galería, en medio del parque londinense.
El monumental pabellón, que será inaugurado en julio, hasta octubre, "es como un anfiteatro, diseñado para acoger eventos en vivo, música, actuaciones de diverso tipo y debates", explicó el arquitecto nacido en Canadá hace 79 años.
"Baldaquines de cristal protegen el interior del viento y la lluvia y dan sombra en día soleados", explicó Gehry, que ha sido galardonado con el premio Pritzker, el Nobel de la arquitectura
Al igual que otro gran arquitecto norteamericano, Richard Meir -el más joven ganador en la historia del Pritzker- Gehry jamás ha construido un edificio en Gran Bretaña.
En años anteriores, la galería de arte contemporáneo escogió para diseñar su pabellón veraniego al brasileño Oscar Niemeyer, al holandés Rem Koolhaas, a la británica Zaha Hadid y al estadounidense Daniel Libeskind.

Fuente: AFP

El pintor sevillano Eufemiano Sánchez, protagonista de un gran proyecto de investigación.

La fecunda obra del pintor Eufemiano Sánchez es el objeto de un gran proyecto de investigación presentado hoy por el conservador del Museo del Prado Matías Díaz, quien ha definido a este artista sevillano como "un pintor de raza, independiente, auténtico y en compromiso con su yo".

El proyecto, organizado por la Fundación Solventia y por la Gerencia del Legado de este pintor, ha inventariado ya cerca de 800 obras del artista, que, como ha resaltado Díaz en el Círculo de Bellas Artes, recorrió Andalucía, Marruecos, Argentina y Madrid, lo que influyó en la temática de sus óleos, dibujos y grabados.
Díaz ha visto en Eufemiano Sánchez (Marchena, 1921-Madrid, 1995) alguna "analogía" con Zuloaga, sin romper con "las raíces de la más auténtica pintura española del siglo XVII, donde se cuentan Velázquez, Zurbarán, Cano y los maestros de la naturaleza muerta".
La evolución del arte de Eufemiano es paralela a sus viajes. Así, el conservador del Prado ha diferenciado entre el período de Sevilla (1931-1945) con retratos realistas y "los ecos de Velázquez" asomando en los fondos oscuros, y el contacto durante dos años con Marruecos que le llevan a la pintura orientalista.
De vuelta a Sevilla, el pintor "cultiva el costumbrismo andaluz, retratando gitanas con la misma dignidad que le es propia".
En Argentina (1951-1962) Eufemiano adquiere notoriedad y Matías Díaz destaca de ese periodo el retrato de su hijo "Eufemiano con perro".
Los bodegones de este pintor también han sido resaltados por Díaz, "en la línea de Zurbarán y Velázquez, y bajo influencia de Caravaggio", evitando las flores y pintando jarras, libros, mandarinas, nueces abiertas, cajas y latas.
Ya en Madrid (1962-1995), el pintor encuentra, según el conservador, su aspecto más original en los maniquíes, los cuales "nos inquietan al pintarse los ojos y los labios, ya que parecen tener vida".
"Las corazas de hierro son una constante en toda su producción madura", explica Díaz, que ha finalizado mostrando su admiración por un pintor que nunca se doblegó a las modas.
En el Círculo también se ha podido escuchar la disertación del director del Proyecto de Estudio sobre Eufemiano, el profesor y licenciado en Arte e Historia Eloy González.
Se trata de "un trabajo de ordenación y contextualización de la producción de Eufemiano: desde sus primeros trabajos hasta el periodo de mayor producción", según González, que ha dicho que el inventariado se encuentra muy avanzado gracias a la labor de los cuatro hijos del pintor.
Sin embargo, con la difusión del proyecto se espera que "los coleccionistas anónimos contacten con la Gerencia del Legado y podamos así incorporar sus obras al catálogo", ha afirmado Eloy González.

Fuente: EFE

Una exposición de un artista español aborda en China el tema de la muerte.

El artista plástico español Miguel Villarino acaba de iniciar su primera exposición individual en China abordando, con un lenguaje muy directo, el tema de la muerte, que en el país asiático no es un tabú tan dramático como en Occidente, pero toma tintes de superstición.

Villarino (Morales de Rey, Zamora, 1959) se ocupa de este tema en parte de una muestra, "Obras sobre papel. 1993-2008", organizada por la galería de arte española "Espacio Versátil", de Shanghai, ubicada en Taikang Lu, uno de los antiguos "xiao qu", o vecindarios, rehabilitados para albergar barrios artísticos de moda en la ciudad.
Entre las piezas, expuestas hasta el 14 de abril, hay cinco xilografías y un aguatinta de su serie "Exodus Vitae" (1993), término latino que significa "salida de la vida", que se utiliza en los hospitales para designar a las personas fallecidas, según explicó a Efe el autor.
En 1993 un hijo del artista, recién nacido, tuvo que ser ingresado en la unidad de cuidados intensivos de un hospital madrileño, donde permaneció de manera intermitente durante dos años, lo que causó tal impresión al pintor que acabó solicitando trabajar de celador, "después de mucho insistir", en el mismo hospital.
"Allí elegí los sitios más duros para ver, con la mirada de artista, si se puede decir: lugares extremos como las zonas de urgencias, la UVI, el mortuorio", explicó. "De ahí salió esta serie trabajada sólo en blanco y negro, dos colores extremos, despejada de todo artificio, que para mí fue un renacer en mi trabajo plástico".
Junto con estas seis piezas de un lenguaje muy simplificado, en las que aparecen series de esquemáticos cuerpos amortajados, la exposición se completa con otros seis dibujos originales y cuatro xilografías a color de su trilogía "El ajedrez y el tiempo".
Al público chino "es más fácil que les entre el color", en comparación con las obras de "Exitus Vitae", reconoció la galerista organizadora de la muestra, Patricia Portillo.
Además está la dificultad que pueden experimentar algunos visitantes chinos ante una exposición tan directa del tema de la muerte, cuya presencia en la galería es toda una apuesta, en un país que tiende a evitar el número cuatro sólo porque se pronuncia en chino igual que esa palabra tabú.
Sin embargo, para algunos "el hecho de que esté pintando muertos no es algo tan importante", dijo a Efe el pintor Han Yuguang tras visitar la exposición. "Lo interesante es su manera de presentar esa idea, con un lenguaje muy puro, muy perfecto, un lenguaje simbólico y absoluto", precisó.
"Además presenta la idea de manera muy expresiva, sólo con blanco y negro, como en una dualidad entre la vida y la muerte, parecida a los opuestos de los principios chinos del 'yin' y el 'yang' del taoísmo", indicó. "Hay un vínculo cultural que nos hace más fácil entendernos".

Fuente: EFE

Hipotéticos marcianos examinan arte contemporáneo como haría un antropólogo.

Una exposición que se inaugura este jueves en la Barbican Gallery londinense parte del divertido supuesto de una expedición de antropólogos marcianos que llegan a nuestro planeta para estudiar su cultura y en especial un aspecto con el que no están en absoluto familiarizados: el arte contemporáneo.

Sus comisarios, la estadounidense Lydia Lee y el italiano Francesco Manacorda, se inspiraron en la obra del filósofo belga Thierry de Duve "Kant después de Duchamp", en la que éste imagina a un antropólogo venido del espacio exterior para hacer un inventario de los más dispares artefactos humanos que llamamos arte.
Otro referente señalado a Efe por Lee es el "Museo de Arte Moderno. Departamento las Águilas", creado a finales de los sesenta por el artista belga Marcel Broodthaers, que reunió todo tipo de objetos e imágenes de águilas encontrados en los depósitos de decenas de museos de artes aplicadas o etnografía.
Cada objeto de aquel museo ficticio iba acompañado de la leyenda "Esto no es una obra de arte", evocadora del espíritu de Magritte (Esto no es una Pipa) y de los "readymades" u "objets trouvés" (objetos encontrados) de Marcel Duchamp.
Esa mirada externa abre el arte de nuestros días a nuevas interpretaciones no exentas de ironía: las piezas reunidas para la exposición de la Barbican son interpretadas como artefactos u objetos que tienen una función real o simbólica.
Así se crean extraños agrupamientos de objetos y originales yuxtaposiciones, parodiando en cierto modo la forma en la que los antropólogos occidentales han interpretado desde su particular perspectiva las culturas de los pueblos sin historia.
Dispuestos en ese supuesto museo marciano de acuerdo con la función o el uso, a veces totalmente disparatado, que se les atribuye, los artefactos son clasificados en amplias categorías como parentesco y filiación, magia y creencia, ritual y comunicación.
Agrupadas luego en subcategorías -veneración de los antepasados, reliquias y espíritus, objetos ceremoniales y contactos culturales- las piezas reunidas se colocan sobre plintos, en vitrinas o se cuelgan de la pared, según los casos.
Así se exhiben máscaras, trajes y objetos utilizados en supuestas ceremonias de los terrícolas, se documentan formas de intercambio como son los regalos o se muestran lo que se califica de intentos de comunicar con seres de otros planetas.
En la sección dedicada a los antepasados, los antropólogos marcianos explican cómo los humanos creen que los muertos no han muerto del todo y sus espíritus influyen positiva o negativamente en las generaciones posteriores.
Hay allí tótems dedicados a Duchamp, sin cuyo concepto del "readymade" habría sido inconcebible una exposición como la presente, pero también están Andy Warhol, o Picasso y Roy Lichtenstein, homenajeados ambos por Maurizio Cattelan.
Hay un gran tótem de madera en forma de homenaje al fundador del suprematismo ruso, Kazimir Malevich, otro está hecho con bolsas de golf, pero también buitres y águilas que penden del techo como las famosas esculturas de Alexander Calder y un "árbol de familia" en el que cuelgan prendas de todos los colores.
No podría faltar entre los antepasados el alemán Joseph Beuys, profeta de la ecología y seguidor del chamanismo, con sus famosas pizarras y una bombilla alimentada por un sencillo limón.
En comunión con su espíritu, el argentino Víctor Grippo presenta una obra titulada energía de la patata, muy oportuna en el año dedicado a ese universal tubérculo, mientras que el norteamericano nacido en Panamá Matthew Day Jackson viste a un astronauta con fieltro, ese humilde material tan querido de Beuys.
Por un altavoz suenan los nombres difícilmente distinguibles de artistas de vanguardia como Vito Acconci, Sandro Chia, Ansel Kiefer, Cy Twombly o Francesco Clemente, todos ellos piados por aves que parecen habitar una selva tropical.
Una escultura en forma de ovillo transmite el libro "Contra natura" de J. K. Huysmans en código Morse convertido en pulsaciones lumínicas que podrían descifrarse desde otros planetas.
Y hay finalmente una sala dedicada a las últimas adquisiciones, llena de objetos que los supuestos antropólogos marcianos no han podido aún descifrar aunque no desesperan de poder hacerlo un día.

Fuente: EFE

El pintor formalista José María González Cuasante gana el Premio de las Artes 2007.

El pintor burgalés José María González Cuasante, de 63 años y estética formalista, ha sido galardonado hoy con el Premio Castilla y León de las Artes 2007, dotado con 18.500, convocado por el Gobierno de esa comunidad autónoma y fallado este mediodía en la ciudad de Valladolid.

La coherente y personal trayectoria del artista distinguido, encuadrada en el nuevo realismo surgido en España a partir de los años setenta del pasado siglo, ha destacado en su fallo un jurado presidido el pintor José Sánchez-Carralero y del que también ha formado parte Rafael Doctor, director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).
En su unánime decisión, el jurado también ha valorado la "destacada y dilatada actividad docente e investigadora" que en el campo del color ha protagonizado González Cuasante, nacido hace 63 años en Fresno de la Losa (Burgos) y que en la actualidad es catedrático de Pintura en la Universidad Complutense de Madrid.
"Me considero un pintor formalista porque me interesan más las formas que los temas. Me atrae mucho más el color y la luz, la fuerte e intensa impresión cromática, mientras que la temática la dejo en un plano secundario aunque sin llegar al abstracto, que algunas veces lo he tocado", ha explicado el artista a la Efe.
Su obra, añade el acta que también ha firmado el pintor José María Mezquita -galardonado en la edición anterior-, "está imbricada desde la fotografía, pudiendo denominarla como fotorrealismo, no exenta de connotaciones próximas al movimiento del realismo Pop más americano que europeo".
De acuerdo con esa definición, González Cuasante ha precisado no obstante que en sus cuadros de exteriores utiliza una técnica "más fotorrealista", mientras que para los interiores suele reservar una aplicación "no tan fría, sino más jugosa en la pasta y en textura".
La vida contemporánea, la cotidianeidad son los argumentos sobre los que sostiene una visión figurativa de la misma que plasma en sus obras "muchas veces vinculada al ocio", en el caso de los exteriores, con carteles u otros iconos más próximos a la publicidad que a la información.
Enlaza así dentro de esa visión con artistas como Wesselman, Hamilton, Warhol o Linchestein, y de ellos ha dado cuenta en la mayor parte de las 63 exposiciones individuales y más de 120 colectivas de que consta su trayectoria, con obra propia catalogada en veinticinco museos y grandes colecciones desde el IVAM en Valencia (España), hasta el Chase Manhattan Bank de Nueva York o el Museo de Arte Reina Sofía.
Casi cuatro décadas dedicadas a la docencia acumula hasta la fecha González Cuasante, desde 1973 como profesor de la entonces Escuela Superior de Bellas Artes y a partir de 1979 en la nueva Facultad de la Universidad Complutense de Madrid, donde aún imparte sus conocimientos.
"No quiero decir que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero antes había menos alumnos y más disciplina y trabajo, aunque bastante rutina en la estrategia", ha explicado el artista ahora acerca de su faceta docente que también ha materializado en la edición, hace dos años, del libro "Introducción al color" y próximamente en "El color de la pintura", a punto de salir.
Compositores e intérpretes y artistas plásticos engrosan mayoritariamente la amplia nómina de galardonados con el Premio Castilla y León de las Artes desde que en 1984, año en que fue instituido, abrió esa selecta relación el pintor Juan Manuel Díaz Caneja, a quien han seguido músicos como Antonio Baciero (1985), Cristóbal Halffter (1986), los monjes benedictinos de Santo Domingo de Silos (1993) y Amancio Prada (2005).
Entre los artistas figuran el escultor Baltasar Lobo (1985), el pintor José Vela-Zanetti (1987), el arquitecto Antonio Fernández Alba (1988), el fotógrafo José Núñez Larraz (1991) y el dramaturgo y director escénico Fernando Urdiales (2004).

Fuente: EFE

El Centro de Arte Contemporáneo de Huarte inicia una nueva temporada.

El Centro de Arte Contemporáneo de Huarte ha presentado la programación de su nueva temporada con tres exposiciones que pretenden involucrar al espectador y hacerle interactuar con las obras y que se podrán ver de manera gratuita hasta el 25 de mayo.

El artista portugués Hugo Canoilas ha creado específicamente para este centro 'Endless killing', una pintura mural sobre papel de cien metros que representa 'el deseo de eliminar al otro' mediante una sucesión de cuarenta hombres blancos desnudos que se matan por la espalda, ha explicado en una rueda de prensa la comisaria de la exposición, Chus Martínez.

Canoilas ha dicho haberse inspirado en las obras de propaganda política y en los murales mejicanos pero su mayor influencia 'viene del principio de la humanidad'.Huarte también acoge tres videoinstalaciones de Keren Cytter en las que el israelí reflexiona sobre las relaciones humanas y la confusión y las contradicciones de la identidad a través de cortos de factura casera con inspiración en la Nouvelle Vague francesa.Otro de los montajes es el proyecto que se ha realizado en colaboración con la Universidad Pública de Navarra, 'Esto no es una exposición', un compendio de obras de varios artistas internacionales con la misión pedagógica de 'devolver la exposición al ideal de servicio público' y de que 'el usuario debata sobre los distintos materiales', ha comentado el comisario del montaje, Carles Guerra.Por su parte, Roberto Aguirrezabala, que desde hace diez años trabaja con nuevos medios e internet, ha presentado su obra de net.art 'Easyfriend', en la que el usuario configura su perfil y el de un amigo virtual y con la que quiere transmitir 'de manera irónica' cómo las relaciones son 'frustrantes y llenas de continuas equivocaciones', en palabras del propio artista.

Fuente: EFE

Obra de artista que denuncia brutalidad policial en EE.UU. genera polémica.

El mayor sindicato policial de la ciudad de Nueva York criticó hoy la obra del artista estadounidense Dread Scott "The Blue Wall of Violence" (El muro azul de violencia) que denuncia los casos de brutalidad policial en Estados Unidos.

La instalación forma parte de una exposición más amplia titulada "Dread Scott: Welcome to America" (Dread Scott: Bienvenido a Estados Unidos), que se exhibe desde hoy hasta el próximo 1 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo de la Diáspora Africana (MoCADA), del barrio de Brooklyn en Nueva York.
La exposición de Scott, cuya obra es "gráfica y visceral" según el museo, critica el poder de Estados Unidos en general y en esta obra en concreto los abusos policiales.
En "El muro azul de la violencia" las víctimas de la violencia policial son representadas como las dianas que se utilizan para practicar el tiro con forma de silueta humana negra, mientras un mecanismo hace que tres porras policiales den continuos golpes contra una caja de madera situada debajo de algunas de las dianas.
La Patrolmen's Benevolent Asociation de la ciudad de Nueva York (NYC PBA, en sus siglas en inglés) se ha mostrado "indignada" por la instalación de Scott, con la que el artista denuncia varios casos de brutalidad policial, entre ellos, el asesinato del inmigrante africano Amadou Diallo en Nueva York en 1999.
Diallo, que iba desarmado, murió acribillado por 19 de los 41 disparos que efectuaron contra él cuatro policías neoyorquinos de raza blanca, que fueron posteriormente absueltos.
Además la muestra coincide con el inicio el pasado 25 de febrero del juicio a tres policías neoyorquinos por la muerte de Sean Bell, un afroamericano también desarmado que murió durante un tiroteo en noviembre de 2006 horas antes de casarse en los alrededores de un club nocturno del barrio de Queens donde había celebrado su despedida de soltero.
La dotación policial que intervino en aquel suceso disparó más de medio centenar de tiros contra los sospechosos, todos de raza negra, lo que suscitó de inmediato una gran conmoción y rabia en esa comunidad y en otros ámbitos de la sociedad neoyorquina.
Esta no es la primera vez que el artista Dread Scott se encuentra en el centro de la polémica por una de sus obras.
En 1989, el entonces presidente George Bush criticó al artista por quemar la bandera estadounidense en una exposición "vergonzosa" titulada "¿Cuál es la manera apropiada de mostrar la bandera de Estados Unidos?".

Fuente: EFE

Un costarricense será el primer artista en exponer obras modernas en el Foro Romano.

El escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia será el primer artista en exponer sus obras contemporáneas en el Foro Romano y otros sitios arqueológicos de Italia, confirmó el artista a la prensa local, que publica la noticia hoy.

Jiménez, quien fue además el primer escultor latinoamericano en colocar una obra en la Basílica de San Pedro, en el Vaticano, expondrá el próximo año un total de 60 piezas de mármol y bronce en diversos puntos de la capital italiana.
La exposición del costarricense radicado en Italia se llamará "La ruta de la paz" y será parte de los atractivos de Roma para el verano de 2009, por lo que se espera que más de un millón de visitantes puedan observarla.
Las obras de Jiménez Deredia, según él mismo explicó al periódico La Nación, que hoy publica sus declaraciones, se ubicarán en espacios al aire libre del Palacio Altmeps, del Museo Nacional Romano, en las afueras del Coliseo, en diversos puntos del Foro Romano como al frente del templo de Venus, en la Vía Sacra y en el interior del Palacio de las Exposiciones.
En los diversos sitios se podrán apreciar piezas de gran tamaño como tótems de más de cinco metros del alto y algunos conjuntos escultóricos de hasta nueve metros de largo, pero también obras pequeñas y maquetas, añadió el artista.
El costarricense, de 53 años, reconoce que esta será su muestra más importante hasta ahora, a pesar de que es el autor de la escultura de Marcelino de Champagnat, que se exhibe en la Basílica de San Pedro.
"Es una exposición muy significativa porque nunca habían abierto el Foro Romano para una exposición contemporánea. Sin duda dará mucho de qué hablar, habrá mucha polémica. Estoy asumiendo todos los riesgos que esto trae, a la vez, una gran repercusión mundial", comentó Jiménez.
El autor detalló que utilizará 500 toneladas de mármol en estas esculturas y que la mayor parte de ellas ya están casi listas, pero que ahora debe concentrarse en trabajar en los detalles de cada una.

Fuente: EFE

El escultor polaco Igor Mitoraj inaugura un ciclo de Arte en la calle de CaixaForum.

Las monumentales esculturas del polaco Igor Mitoraj han inaugurado hoy en el Paseo del Prado de Madrid el programa Arte en la calle, organizado por CaixaForum.

Al acto de inauguración han asistido el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, el director general de la Fundación "La Caixa", José F. de Conrado, e Igor Mitoraj, junto con dos centenares de ciudadanos que han ido descubriendo las esculturas, de hasta tres metros de altura.
Mitoraj, calificado como "el mejor escultor del momento por los críticos de arte" según ha dicho de Conrado, recupera en su obra el espíritu del arte clásico de Grecia y Roma, así como de los grandes escultores renacentistas para llegar a interpretar el pasado desde el presente.
Según ha manifestado María Porto, responsable de organizar la exposición, el escultor ha protagonizado numerosas exposiciones e intrusiones con su arte en las calles de todo el mundo, desde París hasta Roma o Nueva York.
Se prevé que a esta exposición le sigan otras como "Las Meninas" de Manolo Valdés o "El Pensador" de Rodin, todas ellas enmarcadas en el programa Arte en la calle, una iniciativa pionera que "rompe con la costumbre de que los ciudadanos tengan que acudir a un museo para ver arte", según ha dicho de Conrado.
La muestra del artista polaco pone broche final a la semana de inauguraciones de CaixaForum, con la que de Conrado se ha mostrado muy satisfecho, ya que "ha sido todo un éxito por la buena acogida de los madrileños, ya que han pasado por aquí entre 5.000 y 6.000 personas cada día, siendo un público muy variado".
La exposición, que tiene en Madrid su décimo destino se podrá visitar desde hoy hasta el 13 de abril.

Fuente: EFE

Más de treinta artistas españoles y latinoamericanos muestran las últimas tendencias en pintura, escultura y fotografía en una exhibición única en los

Más de treinta artistas españoles y latinoamericanos muestran las últimas tendencias en pintura, escultura y fotografía en una exhibición única en los Emiratos Árabes Unidos (EAU), donde el interés por la cultura es cada vez mayor.

La exhibición "New Generation Ibero-American Art", considerada la primera de este tipo en Oriente Medio, fue inaugurada anoche en una sala especial del lujoso hotel Emirates Palace, con el apoyo y el auspicio de las embajadas de España, Argentina, Venezuela, Brasil y el consulado general de Uruguay.
Entre los creadores cuyas obras confluyen en la feria figuran las españolas Inés de Borbón, Monsa Domingo y Carmen Pombo, conocida por sus pinturas de arte abstracto, así como los colombianos Alberto Sojo y Walbert Pérez, los mexicanos José Sacal y Sergio Bustamante y el uruguayo Pablo Atchugarry.
También presentan obras artistas de Argentina, Honduras, Brasil y la República Dominicana.
Todos tienen la oportunidad de hacerse valer, sumando a su talento unos precios muy convincentes, en un mercado muy joven como el de los EAU, un país donde se mezclan el rápido desarrollo económico y el gran interés por la cultura y el arte.
La exhibición, que durará hasta el 22 de marzo, está organizada por "Contempo Corporat Art" en cooperación con "Art Andalus", y auspiciada por el Departamento de Cultura y Herencia de Abu Dhabi (DCHA), que ofreció la sala y apoyó financieramente la exposición.
La presencia de emiratíes y de miembros de las colonias hispanoamericanas en la inauguración es considerada por varios artistas consultados por Efe como de "buen augurio".
Algunos, como la española Monsa Domingo, se muestran convencidos de que sus obras se abrirán camino en un país que pudo convertir en pocas décadas un desierto en un centro de negocios y de atracción turística, e intenta serlo ahora también para el mundo cultural.
"El arte en los Emiratos parece ser que es una novedad para ellos, igual que los edificios y la arquitectura", dijo a Efe Monsa Domingo, que presenta tres obras, en los que se mezclan pintura y escultura en un estilo único y renovador.
Los precios de las obras, sean pintura, escultura o fotografía, oscilan entre 3.500 y 11.000 euros (entre 5.150 y 16.175 dólares).
"El objetivo es intentar promover a los artistas e invitar a la gente a invertir en el arte. Queremos que entiendan que eso es una buena inversión", dijo Natalia de la Figuera, directora de Art Andalus, que había organizado muestras en Dubai, la capital comercial de EAU, pero sólo de artistas españoles.
El crítico colombiano Eduardo Marceles Daconte, director de la feria y conservador del Queens Museum of Art de Nueva York, apuntó por su parte que se trata de "una manifestación de ricas y diversas expresiones de artistas contemporáneos hispanoamericanos, que han despertado el interés de los amantes del arte" en varios países del mundo.
La exposición atrajo también en su primer día a numerosos diplomáticos y responsables emiratíes, entre ellos el pintor Abdala Al Ameri, director del Departamento de Cultura y Arte, y número dos de la DCHA, quien subrayó que "ésta es la muestra iberoamericana más importante en Emiratos".
Ameri destacó que su institución ha apoyado financieramente la feria en el marco de un "plan estratégico para hacer de Abu Dhabi una capital de la cultura", y que auspiciará otros eventos artísticos, incluidos música y baile, de Asia, América Latina, Europa y los países árabes.
El embajador de España, Manuel Piñeiro, vinculó "esta presencia cultural iberoamericana" a "la creciente presencia diplomática de América Latina" en los Emiratos, en alusión a la reciente apertura en este país de la embajada venezolana y del consulado general de Uruguay.

Fuente: EFE

La primera colección de Botero en Canarias muestra la violencia que vive Colombia.

La primera colección de Fernando Botero que se exhibe en Canarias muestra desde hoy y hasta el 19 de abril en el Centro Cultural de La Caja de Canarias el horror de la violencia que vive Colombia, "Una Mirada Diferente", y muchos menos amable de lo habitual de su país natal.

La muestra, donada por Botero al Museo Nacional de Colombia entre 2004 y 2006 para que fuera itinerante, la conforman 70 obras "no comerciales" del artista en formato de dibujo y óleo y ya se ha exhibido en países de América Latina como Ecuador, Panamá, El Salvador o Brasil.
Hasta ahora Alicante había sido la única ciudad española que albergó esta colección, que, tras su paso por Las Palmas de Gran Canaria, llegará a Sevilla para regresar a Latinoamérica, explicó hoy la comisaria de la muestra, Marat Franch, en una rueda de prensa.
Con esta colección, dijo, el artista ha querido denunciar "sin pretensiones políticas", la violencia que vive su país en la actualidad; de ahí que en ella se muestre el desgarro de una madre que llora por la muerte de su hijo; personas asesinadas o torturadas; la trayectoria de balas que atraviesan cuerpos; escenas de masacres; un desfile de personas que portan ataúdes; los esqueletos de una madre amamantando a su bebé o coches bomba.
En estas obras Botero utiliza su estilo peculiar de personas gruesas que, en esta ocasión, no muestra en actitud despreocupada o apacible, sino sumidas en el dolor y la desgracia, individual y colectiva, que suscita un secuestro, una tortura o una agonía. Es su forma de expresar lo mucho que le duele Colombia pese a no residir allí desde hace más de 40 años.

Fuente: EFE

El Guggenheim de Nueva York presenta las asombrosas esculturas de Cai.

El museo Guggenheim de Nueva York presenta a partir del¡ este viernes las obras de Cai Guo-Qiang, un artista de origen chino que llenó la famosa rotonda de automóviles y lobos voladores.

La retrospectiva, la primera que organiza la institución neoyorquina de un artista chino, es considerada por su director, Thomas Krens, como "una de las más ambiciosas, si no la más ambiciosa de las instalaciones jamás presentada" por el museo.
Una de las obras más impresionantes, 'Inoportuno: grado 1', está integrada por nueve automóviles suspendidos y atravesados por decenas de tubos luminosos que dan la idea de explosión en el patio central del museo.
Entre las otras obras expuestas en la rampa en espiral del Guggenheim se destaca una fila de 99 lobos que vuelan y chocan contra una pared de vidrio.
Hasta el 28 de mayo, los visitantes podrán ver además fotos de acontencimientos puestos en escena por el artista chino, también responsable de los efectos especiales para las ceremonias de apertura y cierre de los Juegos Olímpicos Pekín-2008, en agosto.

Fuente: AFP.

Sesenta piezas compendian en Valladolid el arte conceptual de Joseph Beuys.

Una exposición compuesta por sesenta piezas en forma de postales, carteles, serigrafías, litografías y grabados compendia en Valladolid la obra del artista alemán Joseph Beuys (1921-1986), unánimemente considerado por la crítica como el padre del arte conceptual.

Polémico, pionero e influyente son algunos de los calificativos que sitúan al visitante en Beuys, su obra y en la exposición que, con el lema de "Elementos para una creación", puede verse en la capital vallisoletana hasta el 30 de marzo por iniciativa de la Fundación Municipal de Cultura y de la Fundación GACMA.
Beuys fundió arte y vida en su obra con un sentido antropológico, intención política y matiz reivindicativo, siempre en la búsqueda de unas mejores condiciones de vida para el ser humano, según han resumido en sendas intervenciones la concejala de Cultura, Mercedes Cantalapiedra, y Antonella Montinaro, de la Fundación GACMA.
Ésa es la definición del arte conceptual que Beuys alcanzó a partir de la toma en consideración de elementos mitológicos, filosóficos, médicos y religiosos que plasmó en sus creaciones como las tres 'suites' expuestas ahora en Valladolid, por primera vez en España según fuentes de la organización.
La exposición reúne sesenta piezas agrupadas en cinco áreas temáticas: ideas y materiales, colores e iconos, imágenes de animales, el cuerpo humano, y la cruz cristiana.
La variedad de obras mostradas remite a los símbolos discursivos de Beuys, quien con apenas 17 años fue reclutado por las Juventudes Hitlerianas y más tarde desempeñó misiones como bombardero de la 'Lutwaffe' (fuerzas armadas alemanas) y quien, destinado en el frente ruso, sufrió un accidente de aviación en Crimea del que salvó la vida en parte gracias a los cuidados de una tribu tártara.
Curó las heridas a base de aplicaciones de fieltro y grasa, dos elementos que posteriormente utilizó en sus creaciones y que, al igual que otros elementos, materiales y temáticas, "incorporó desde su propia biografía", ha dicho Montinaro.
"Creó sus propios colores a partir de la grasa y del hierro fundidos, y los vinculó a situaciones vitales", ha añadido Montinaro antes de consignar la afición de artista alemán por los animales: "era aficionado a la zoología y creó una partido político para la defensa de los animales".
El ciervo, el alce, al liebre y el coyote son algunos de los tótem que Beuys acuñó en forma de arte fruto de su experiencia vital y que puede apreciarse dentro de la exposición junto a pinturas con formas que remiten al cuerpo humano.
"Más que hombre y mujer, Beuys distinguió entre el principio masculino, que concibió más frío e intelectual, y el femenino, percibido como algo relacionado con el nacimiento, con la vida", ha señalado Montinaro.
Acerca de la cruz y de otra simbología cristiana, ha explicado cómo el creador alemán asimiló el arte "como una religión, como algo de lo que se valió para curar las heridas de la vida", dentro de lo que podría denominarse una visión terapéutica de la creatividad.

Fuente: EFE

Un taller descubre las claves del trabajo de Snow, el artista más influyente del cine experimental.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno ha presentado hoy un taller dedicado al canadiense Michael Snow, considerado uno de los artistas más influyentes del cine experimental del siglo pasado al cuestionar ideas de percepción y representación con obras que vinculan el cine con la pintura y la música.

El museo abre su temporada de talleres didácticos hoy con la presencia de Michael Snow, un creador visual y perceptivo desde cualquiera de las disciplinas artísticas, según ha señalado hoy en una conferencia de prensa la directora del museo, Consuelo Ciscar.
Ciscar acompañada de la comisaria e historiadora Gloria Maure, y el propio artista, Michael Snow, ha explicado a los medios que hoy comenzaba "un nuevo ciclo de los Talleres de Artistas con Michael Snow, y está dirigido a estudiantes de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia".
Ciscar ha dicho que "Snow propone desde hoy, lunes, hasta el viernes, impartir cuatro sesiones de discusión sobre su obra de carácter fuertemente experimental".
La responsable del IVAM ha señalado que "el deseo de participar al espectador se manifiesta en las diversas instalaciones que Snow ha producido en los últimos años, como también en sus películas, fotografías, pinturas, música y cualquier otra actividad artística que haya emprendido.
"Con sus obras pretende afectar nuestra lógica perceptiva, para que así reinterpretemos nuestro mundo enriquecidos por el estado meditativo en el que nos sumergen sus imágenes", ha dicho finalmente Ciscar.
Por su parte, la historiadora de arte Gloria Moure ha definido a Snow como "figura clave de la revolución artística de los años cincuenta del siglo pasado por algunas ideas sobre la percepción, representación y temporalidad en todo tipo de arte".
Moure ha señalado que su trayectoria se ha caracterizado por un constante "ir y venir de una técnica a otra" y haber desarrollado un "arte sin fronteras".
Ha intervenido finalmente Michael Snow, quien ha dicho que su trabajo lo ha desarrollado desde los años cincuenta hasta la actualidad en diversos medios, aunque ha sido en el cine y en la fotografía experimental donde es más conocido.
Cineasta, pintor, escultor, fotógrafo, escritor y músico, Michael Snow nació en Toronto (Canadá), en 1929.
El cine le ha permitido dar un espacio dramático a la visión, en una dimensión que pasa por la experiencia del espectador, que reconstruye el proceso de trabajo en el momento en que se va exponiendo.

Fuente: EFE